plus tard, son énergie illimitée pour la création de soi et la mythologisation arch-L’alter – ego Ziggy Stardust et son groupe, The Spiders from Mars-se sont révélés extrêmement influents. L’image de son visage, renversée par un éclairage fluorescent, a été reproduite à l’infini.,

en vieillissant, il s’est montré prêt à envoyer doucement l’étrangeté de son âge d’or. Pourtant, il a continué à repousser les limites musicales, produisant le magnifique album Blackstar de chant de cygne fissuré alors qu’il mourait d’un cancer, un fait qu’il a caché à tous, sauf à sa famille la plus proche, jusqu’à la toute fin.

à ce moment-là, cependant, son héritage était assuré. L’homme qui est tombé sur Terre est devenu une partie éternelle du firmament musical.

Voici notre guide pour cet héritage. Voici – dans l’ordre chronologique – 20 chansons essentielles:

1., Space Oddity (1969)

tout commence ici – une épopée d’aliénation ficelée et changeante. En 2013, la chanson a été reprise par L’astronaute canadien Chris Hadfield, qui l’a enregistrée à bord de la Station Spatiale Internationale.

le Black Country Rock (1970)

1970 a été productif début de la décennie pour Bowie. Il était sur le point de perfectionner « Ziggy » et de voler entre les sons acoustiques et électriques. Ce titre définit son bref flirt avec le genre blues-rock., Produit par Visconti et inspiré par T-Rex, dans le style typiquement insulaire de Bowie, le cœur de cette chanson est une blague: un vibrato perçant, chanté en référence moqueuse à Marc Bolan mais remplaçant en fait des paroles oubliées. Ceux qui, nous ne le saurons jamais.

The Man Who Sold The World (1970)

Une ballade troublante et mystérieuse de mondes dans les mondes, entraînée par l’un des riffs de guitare les plus étranges de l’histoire de la pop. Ses paroles ont été composées dans un esprit de questionnement juvénile, a déclaré Bowie. Nirvana, à juste titre, a enregistré une couverture appropriée.,

Andy Warhol (1971)

extrait de son album pop résolument sombre Hunky Dory, cette ode épurée à L’artiste des Sixties commence par un désaccord entre Bowie et son producteur, Ken Scott, sur la prononciation de « Warhol”. Laissant cela en suspens, Bowie s’effondre dans le rire et se lance immédiatement dans un riff de flamenco, roulant et grondant ses mots dans des moqueries de l’artiste. Tout à fait compréhensible, Warhol méprisait la chanson pour se moquer de lui.

5., Life On Mars (1971)

Neil McCormick du Telegraph a classé ce numéro un dans son top 100 des chansons de tous les temps, et C’est Bowie à son meilleur surréaliste et anti-romantique. Dans la note griffonnée qui accompagne sa sortie en 1971, Bowie décrit la chanson: « la réaction d’une jeune fille sensible à… des chansons comme My Way”des films comme Love Story et des journaux ». Plus tard, il l « a modifié en » réaction à… moyen ». Le récit (et il y en a un, bien que tumbling et absurde) est le deuxième seulement à la mélodie: une mélodie de spectacle dirigée par un piano imitant la trajectoire de la renommée retrouvée.,

les Cinq Ans (1972)

Imbattable apocalyptique de la pop. Le morceau d’ouverture tragique et anthémique de Ziggy Stardust and the Spiders from Mars évoquait une vision d’un monde condamné – et réduisait le chanteur lui-même aux larmes dans le studio d’enregistrement. Dans une interview de 1976, il a déclaré que cela avait été en partie inspiré par un rêve dans lequel son défunt père lui est apparu et lui a dit qu’il ne lui restait plus que cinq ans à vivre.,

Moonage Daydream (1972)

S’ouvrant sur la ligne immortelle / étrange « i’m an alligator”, cette chanson glam-rock trillante a été enregistrée pour la première fois par Bowie sous le nom de scène Arnold Corns. Un an plus tard, il apparaît sur L’album de 1972, Ziggy Stardust, et présente à son public la montée, la chute et l’obsolescence rapide de son Messie extraterrestre envoyé pour sauver le monde en cinq ans. Dans le contexte de l’album, cela a tout son sens.

The Jean Genie (1972)

la perfection Glam rock: un coup coupé paean au fanfaron outsider Iggy Pop., C’est un hommage émouvant et crotale à la fumée et à la vapeur pompante de New York. La bande originale définitive de tout film respectable sur la grosse pomme.

Fame (1975/1990)

respiration sifflante autoréférentielle ou pop post-moderne? Eh bien, les deux vraiment, puisqu’il a été écrit et enregistré avec le collaborateur du milieu des années soixante-dix John Lennon et aborde un sujet qu’il connaît bien. Inspiré par un riff scintillant écrit par le guitariste Carlos Alomar, il a été publié pour la première fois en 1975 avec un énorme succès., Bowie l’a réédité en 1990 pour promouvoir sa tournée Sound and Vision et a fait l’éloge de Gus Van Sant pour la vidéo – un montage approprié si auto-agrandissant de ses vidéos précédentes.

Young Americans (1975)

Bowie obtient son groove sur pour le coup saxophonique de l’âme lisse et syncopée des États-Unis. Sa voix arrondie, presque Springsteen-esque sont posés sur le funk indubitable des riffs Disco Philly.,

Wild Is The Wind (1976)

l’une des nombreuses chansons de Bowie dirigées par un saxophone, cette chanson a été écrite pour Johnny Mathis en 1957 et reprise par Nina Simone avant que Bowie n’y mette la main en 1976. C’est un air de rêve, Blakeian d’amour gagné et perdu qui a pris une signification presque religieuse dans la culture moderne. C’est un favori aux funérailles, sans surprise.

Sound And Vision (1977)

chantée dans le style laconique de Bowie à la fin des années soixante-dix, cette critique paranoïaque de la technologie moderne était un départ pour le glam-rock Bowie., Un coup de poing d’une chanson Au début de Low (produit par Tony Visconti) il a montré Bowie entrer dans un nouveau style, impartial qui diviserait ses auditeurs, mais, avec son utilisation libérale des synthétiseurs, cimenter également son statut de pionnier de l’electronica.

Heroes/Helden (1977)

un produit de Berlin et clin d’œil au groupe allemand neu!,, ce morceau inspiré du krautrock de la fin des années soixante-dix, écrit avec Brian Eno, n’a pas été accueilli chaleureusement lors de sa première sortie. De nos jours, il est considéré comme l’une de ses meilleures chansons bien que la partie anglaise, partie version allemande, Helden, est de loin supérieure à l’original anglais. Ne serait-ce que parce qu’il a prouvé que l’allemand peut être sexy.

Sense Of Doubt (1977)

un choix décalé mais qui résonne dans l’électro moderne, le psych-rock., Formé presque entièrement d’un motif de piano à quatre notes descendant et d’une sirène de film d’horreur aiguë, il a été utilisé avec grand effet dans le film allemand Christiane F (dans lequel Bowie a un bref mais clé cameo) pour faire une bande-son appropriée de la descente du protagoniste dans la dépendance à l’héroïne.

Ashes To Ashes (1980)

le retour de l’astronaute perdu de Bowie dans une épopée décalée autoréférentielle, sa particularité innée contrebalancée par des crochets cinglants, des mèmes lyriques et des mélodies aussi accrocheuses que le rhume.,

China Girl (1983)

Bowie se prépare pour les années quatre-vingt avec Nile Rodgers superslick remake d’un vieil hymne de dépendance émotionnelle Iggy Pop / Bowie, mettant en vedette cheesily brillant oriental hookline.

Bring Me The Disco King (2003)

un entraînement jazztastique tiré de L’album Reality de Bowie en 2003, avec le piano éloquent de Mike Garson encadrant la voix posée de Bowie. Dans une chanson d’évasion d’un passé confinant, Bowie chante « let me disappear”. Et puis il l’a fait-pendant dix années entières.,

The Next Day (2013)

la chanson-titre du premier album de Bowie after a decade away s’ouvre sur un slam de caisse claire et un riff de guitare à la scie à scie approprié à la mode mais amplifié par une attaque Sonic Youth. Les paroles imaginaires évoquent une idole déchue trahie et punie par « la foule sans gormless et baying” qui « ne peut pas obtenir assez de cette chanson doomsday”., ” Me voici, pas tout à fait mourant », chante Bowie, tandis que son groupe frappe et hurle.

Where Are We Now (2013)

luxuriant, majestueux, magnifiquement étrange, tissant des accords de piano résonants, des synthés en décomposition et des tambours en écho se rassemblent autour d’une simple progression d’accords. Pendant ce temps, des voix fatiguées, tendrement discrètes et silencieusement provocantes se glissent. Apparaissant comme sa première sortie après une pause de dix ans, il pourrait être le retour le plus surprenant, parfait et bienvenu dans l’histoire du rock.,

Blackstar (2015)

S’aventurant une fois de plus dans les limites extérieures de la pop, Blackstar est une chanson torche de science-fiction avant Jazz magnifiquement impénétrable, tout rythme drum’n’bass glissant, mélodie tonale à deux notes avec des notes de chant grégorien, signatures temporelles changeantes, orgue churchy et Ornette Colman errante espacée sur un moonwalk.