Später erwies sich seine grenzenlose Energie zur Selbstkreation und Archemythologisierung-das Alter Ego Ziggy Stardust und seine Band the Spiders from Mars – als enorm einflussreich. Das Bild seines Gesichts, verschüttet von einem fluoreszierenden Lichtstreik der Farbe, wurde endlos reproduziert.,

Als er älter wurde, erwies er sich bereit, die verwackelte Fremdheit seiner Blütezeit sanft hochzuschicken. Dennoch setzte er fort, musikalische Grenzen zu überschreiten und produzierte das großartige, geknackte Swansong-Album Blackstar, als er an Krebs starb, Eine Tatsache, die er bis zum Ende vor allen außer seiner engsten Familie versteckte.

Zu diesem Zeitpunkt war sein Vermächtnis jedoch gesichert. Der Mann, der auf die Erde fiel, wurde ein ewiger Teil des musikalischen Firmaments.

Dies ist unser Leitfaden für dieses Vermächtnis. Hier – in chronologischer Reihenfolge-sind 20 wesentliche Songs:

1., Space Oddity (1969)

Hier beginnt alles – ein aufgereihtes, formveränderndes Epos der Entfremdung. Im Jahr 2013 wurde das Lied vom kanadischen Astronauten Chris Hadfield gecovert, der es an Bord der Internationalen Raumstation aufnahm.

Black Country Rock (1970)

1970 war für Bowie ein produktiver Start in das Jahrzehnt. Er stand kurz davor, „Ziggy“ zu perfektionieren und zwischen akustischen und elektrischen Klängen zu wechseln. Dieser Track definiert seinen kurzen Flirt mit dem Blues-Rock-Genre., Visconti-produziert und T-Rex inspiriert, in Bowies typischem, insularem Stil im Mittelpunkt dieses Songs steht ein In-Joke: ein durchdringendes Vibrato, gesungen in spöttischem Bezug auf Marc Bolan, aber tatsächlich anstelle vergessener Texte. Welche, werden wir nie erfahren.

der Mann, Der Verkauft Die Welt (1970)

Eine Tiefe, geheimnisvolle Ballade von Welten innerhalb von Welten, getrieben von einer der seltsamsten Gitarren-riffs in der pop-Geschichte. Seine Texte wurden in einem Geist der jugendlichen Befragung komponiert, Bowie sagte. Nirvana nahm entsprechend ein passendes Cover auf.,

Andy Warhol (1971)

Diese abgespeckte Ode an den Künstler der sechziger Jahre stammt von seinem entschlossen dunklen Popalbum Hunky Dory und beginnt mit einer Meinungsverschiedenheit zwischen Bowie und seinem Produzenten Ken Scott über die Aussprache von „Warhol“. Bowie lässt es ungelöst, bricht in Lachen zusammen und geht sofort in ein Flamenco-Riff über, rollt und knurrt seine Worte in Mock-Lob des Künstlers. Verständlicherweise verachtete Warhol das Lied, weil er sich über ihn lustig gemacht hatte.

5., Life On Mars (1971)

Neil McCormick von The Telegraph belegte diese Nummer eins in seinen Top 100 Songs aller Zeiten, und es ist Bowie in seiner surrealistischen, antiromantischen Bestform. In der gekritzelten Notiz, die 1971 veröffentlicht wurde, beschrieb Bowie das Lied: „Die Reaktion eines sensiblen jungen Mädchens auf… songs wie My Way, Filme wie Love Story und Zeitungen“. Später änderte er es zu “ Reaktion auf… Medium“. Die Erzählung (und es gibt eine, wenn auch stürmische und unsinnige) ist nach der Melodie die zweite: eine vom Klavier geführte Show-Melodie, die die Flugbahn des neu gefundenen Ruhms nachahmt.,

Fünf Jahre (1972)

Unschlagbarer apokalyptischer Pop. Der tragische, hymnische Eröffnungstrack von Ziggy Stardust and the Spiders from Mars zauberte eine Vision einer zum Scheitern verurteilten Welt-und reduzierte den Sänger selbst im Aufnahmestudio zu Tränen. In einem Interview von 1976 sagte er, es sei teilweise von einem Traum inspiriert worden, in dem sein verstorbener Vater ihm erschien und ihm sagte, dass er nur noch fünf Jahre zu leben habe.,

Moonage Daydream (1972)

Eröffnet mit der immortal/Oddball-Zeile „I‘ m an alligator“, wurde dieser trillernde Glam-Rock-Stomp eines Songs erstmals von Bowie unter dem Künstlernamen Arnold Corns aufgenommen. Ein Jahr später erschien es auf dem 1972-Album Ziggy Stardust und stellt seinem Publikum den Aufstieg, den Fall und die schnelle Veralterung seines außerirdischen Messias vor, der in fünf Jahren zur Rettung der Welt geschickt wurde. Im Kontext des Albums macht das durchaus Sinn.

The Jean Genie (1972)

Glam-rock-Perfektion: ein seltsames geschnitten ode an die Iggy Pop die Außenseiter stolzieren., Es ist eine rührende, Klapperschlange Hommage an den Rauch und Pump Dampf von New York. Der endgültige Soundtrack zu jedem respektablen Film über den Big Apple.

Ruhm (1975/1990)

Selbstreferenzielles Keuchen oder postmoderner Pop? Nun, beide wirklich, da es mit Mitte der siebziger Jahre Kollaborateur John Lennon geschrieben und aufgenommen wurde und berührt ein Thema, das er kennt. Inspiriert von einem funkelnden Riff, das vom Gitarristen Carlos Alomar geschrieben wurde, wurde dies erstmals 1975 veröffentlicht und war ein großer Erfolg., Bowie veröffentlichte es 1990 erneut, um für seine Sound and Vision Tour zu werben, um Gus Van Sant weiter zu loben und für das Video einzuspielen – eine passende, wenn auch selbstkritische Montage seiner vorherigen Videos.

Young Americans (1975)

Bowie bekommt seinen groove für saxophonic stab von glatten, synkopierte UNS Seele. Seine abgerundeten, fast Springsteen-artigen Vocals liegen über dem unverwechselbaren Funk der Philly Disco Riffs.,

Wild Is The Wind (1976)

Einer von vielen Bowie-Songs unter der Leitung eines Saxophons, dieser Song wurde 1957 für Johnny Mathis geschrieben und von Nina Simone gecovert, bevor Bowie 1976 seinen Psych-Pop in die Hände bekam. Es ist eine verträumte, blakeianische Melodie der gewonnenen und verlorenen Liebe, die in der modernen Kultur eine fast religiöse Bedeutung erlangt hat. Es ist ein Favorit bei Beerdigungen, wenig überraschend.

Sound And Vision (1977)

Diese paranoide Kritik an moderner Technologie, die in Bowies späten Siebzigern lakonisch gesungen wurde, war ein Abschied für Glam-Rock Bowie., Ein Schlag eines Songs zu Beginn von Low (produziert von Tony Visconti) es zeigte Bowie einen neuen, leidenschaftslosen Stil eingeben, die seine Zuhörer teilen würde, aber, mit seinem liberalen Einsatz von Synthesizern, auch Zement seinen Status als Vorreiter der Electronica.

Heroes/Helden (1977)

Ein Produkt von Berlin und nicken der deutschen Gruppe Neu!,, Dieser Krautrock-inspirierte Track der späten siebziger Jahre, geschrieben mit Brian Eno, wurde bei seiner ersten Veröffentlichung nicht herzlich aufgenommen. Heute, es gilt als einer seiner besten Songs, obwohl der Teil Englisch, Teil deutsche Version, Helden, ist weit überlegen, das englische Original. Schon allein deshalb, weil er bewiesen hat, dass Deutsch sexy sein kann.

Sense Of Doubt (1977)

Eine ausgefallene Wahl, aber eine, die im modernen Electro, Psych-Rock mitschwingt., Es bestand fast ausschließlich aus einem absteigenden Klaviermotiv mit vier Noten und einer scharfen Horrorfilmsirene und wurde im deutschen Film Christiane F (in dem Bowie einen kurzen, aber wichtigen Cameo-Auftritt hat) mit großer Wirkung verwendet, um den Abstieg des Protagonisten in die Heldensucht treffend zu dokumentieren.

Asche Zu Asche (1980)

Die Rückkehr von Bowie ‚ s lost astronaut in selbstreferentielle off-beat epic, seine angeborene Besonderheit ausgeglichen, indem Sie einen Ping-Haken, lyrische meme und Melodien so eingängig wie die Erkältung.,

China Girl (1983)

Bowie smartens up für die Achtziger Jahre mit Nile Rodgers superslick remake eines alten Iggy Pop / Bowie emotionale Abhängigkeit Hymne, mit cheesily brilliant oriental hookline.

Bring Me The Disco King (2003)

Ein jazztastic workout von Bowie ’s 2003 album Realität, mit Mike Garson‘ s eloquent Klavier framing Bowie ‚ s vocal bereit. In einem Lied von escape from a confining past singt Bowie „let me disappear“. Und dann tat er es-für zehn ganze Jahre.,

Der Nächste Tag (2013)

Der Titeltrack von Bowies erstes album nach zehn Jahren entfernt öffnet sich mit einer snare-slam-und See-saw-Gitarren-riff angeeignet aus der Mode, sondern kurbelte mit Sonic Youth attack. Imagistische Texte zaubern ein gefallenes Idol, das von „der Gormless and baying Crowd“ verraten und bestraft wird, die „nicht genug von diesem Weltuntergangssong bekommen kann“., „Hier bin ich, nicht ganz im Sterben“, singt Bowie, während seine Band Punch and Howl.

Where Are We Now (2013)

Üppig, stattlich, wunderschön seltsam, Weben resonante Klavierakkorde, verfallende Synthesizer und Echo Drums Rallye um eine einfache Akkordfolge. Währenddessen schleichen sich müde, zärtlich untertriebene, leise trotzige Vocals heraus. Es erscheint als seine erste Veröffentlichung nach einer jahrzehntelangen Pause und könnte das überraschendste, perfekteste und willkommenste Comeback in der Rockgeschichte sein.,

Blackstar (2015)

Einmal mehr in die äußeren Grenzen des Pop wagen, Blackstar ist eine herrlich unergründliche Avant Jazz Sci-Fi torch Song, alle rutschig Drum ‚ n ‚ bass Rhythmus, Zwei-Noten – tonale Melodie mit einem Hauch von gregorianischen Gesang, Verschiebung Taktarten, churchy Orgel und Abstand wandernden Sax-wie Ornette Colman auf einem Moonwalk.