Die wichtigsten Zeitabschnitte der klassischen Musik bis 1900 sind die Zeit der frühen Musik, die mittelalterliche (500-1400) und Renaissance (1400-1600) Epochen umfasst, und die übliche Praxis Periode, die die Barock (1600-1750), Klassik (1750-1820) und Romantik (1810-1910) Epochen umfasst. Jahrhundert bis heute und umfasst die moderne musikalische Ära und die zeitgenössische oder postmoderne musikalische Ära, deren Daten oft umstritten sind.,

Die Daten sind Verallgemeinerungen, da sich die Perioden und Epochen überschneiden und die Kategorien etwas willkürlich sind, so dass einige Behörden Terminologien umkehren und sich auf eine gängige Praxis beziehen „Ära“ bestehend aus barocken, klassischen und romantischen „Perioden“. Zum Beispiel wurde die Verwendung von Kontrapunkt und Fuge, die als charakteristisch für die Barockzeit (oder Periode) gilt, von Haydn fortgesetzt, der als typisch für die klassische Ära eingestuft wird., Beethoven, der oft als Begründer der Romantik beschrieben wird, und Brahms, der als romantisch eingestuft wird, verwendeten ebenfalls Kontrapunkt und Fuge, aber die romantischen und manchmal sehnsuchtsvollen Qualitäten ihrer Musik definieren ihre Ära.

Das Präfix neo-wird verwendet, um eine Komposition aus dem 19., 20. oder 21. Strawinskys Pulcinella zum Beispiel ist eine neoklassizistische Komposition, weil sie Werken des Barock stilistisch ähnlich ist.,

RootsEdit

Burgh (2006), deutet darauf hin, dass die Wurzeln der westlichen klassischen Musik letztlich liegen in der alten ägyptischen Kunst Musik über cheironomy und die alten ägyptischen Orchester, die Termine bis 2695 v. Chr.. Die Entwicklung einzelner Töne und Skalen wurde von alten Griechen wie Aristoxenus und Pythagoras gemacht. Pythagoras schuf ein Stimmsystem und half bei der Kodifizierung der Notenschrift., Antike griechische Instrumente wie das Aulos (ein Schilfinstrument) und die Lyra (ein Saiteninstrument ähnlich einer kleinen Harfe) führten schließlich zu mehreren modernen Instrumenten eines klassischen Orchesters. Die Vorgeschichte zur Frühzeit war die Ära der alten Musik vor dem Fall des Römischen Reiches (476 n. Chr.).,

Frühe periodEdit

Mittelalterliche eraEdit

Die Mittelalterliche ära beinhaltet Musik aus den nach dem fall von Rom auf etwa 1400. Monophoner Gesang, auch Plainsong oder Gregorianischer Gesang genannt, war die dominierende Form bis etwa 1100., Katholische Mönche entwickelten die ersten Formen der modernen europäischen Notenschrift, um die Liturgie in der gesamten Weltkirche zu standardisieren. Polyphone (mehrstimmige) Musik entwickelte sich vom monophonen Gesang im späten Mittelalter bis in die Renaissance, einschließlich der komplexeren Stimmen von Motetten.

Eine Reihe europäischer klassischer Musikinstrumente hat Wurzeln in östlichen Instrumenten, die aus der mittelalterlichen islamischen Welt übernommen wurden., Zum Beispiel ist der arabische Rebab der Vorfahr aller europäischen Saiteninstrumente, einschließlich Lira, Rebec und Violine.

Viele der zur Aufführung mittelalterlicher Musik verwendeten Instrumente existieren noch, jedoch in verschiedenen Formen. Mittelalterliche Instrumente umfassten die Flöte, die Blockflöte und gezupfte Streichinstrumente wie die Laute. Auch frühe Versionen von Orgel und Geige (oder Vielle) existierten. Mittelalterliche Instrumente in Europa waren am häufigsten einzeln verwendet worden, oft selbst begleitet mit einer Drohne Note, oder gelegentlich in Teilen., Jahrhundert gab es eine Aufteilung der Instrumente in Haut (laute, schrille, Outdoor-Instrumente) und Bas (ruhigere, intimere Instrumente). Während des frühen Mittelalters, Die Vokalmusik aus dem liturgischen Genre, überwiegend gregorianischer Gesang, war monophon, mit einer einzigen, unbegleitete Vokalmelodie Linie. Polyphone Gesangsgenres, die mehrere unabhängige Gesangsmelodien verwendeten, begannen sich im Hochmittelalter zu entwickeln und wurden im späteren 13.und frühen 14.,

Bemerkenswerten Mittelalterlichen Komponisten zählen Hildegard von Bingen, Guillaume de Machaut, Léonin, Pérotin, Philippe de Vitry, Francesco Landini, Johannes Ciconia.

Renaissance eraEdit

Die Renaissance war von 1400 bis 1600. Es zeichnete sich durch einen stärkeren Einsatz von Instrumenten, mehrere miteinander verwobene melodische Linien und die Verwendung der ersten Bassinstrumente aus. Sozialer Tanz wurde weiter verbreitet, so dass sich musikalische Formen, die dem begleitenden Tanz angemessen waren, zu standardisieren begannen., In dieser Zeit nahm die Notation von Musik auf einem Stab und anderen Elementen der Notenschrift Gestalt an. Diese Erfindung ermöglichte die Trennung der Komposition eines Musikstücks von seiner Übertragung; Ohne schriftliche Musik war die Übertragung mündlich und konnte sich bei jeder Übertragung ändern. Mit einer Partitur könnte ein Musikwerk ohne die Anwesenheit des Komponisten aufgeführt werden. Die Erfindung der beweglichen Druckmaschine im 15. Jahrhundert hatte weitreichende Folgen für den Erhalt und die Übertragung von Musik.,

Viele Instrumente entstanden während der Renaissance; andere waren Variationen oder Verbesserungen an Instrumenten, die zuvor existierten. Einige haben bis heute überlebt; andere sind verschwunden, nur um neu geschaffen zu werden, um Musik auf historischen Instrumenten zu spielen. Wie in der heutigen Zeit können Instrumente als Blechbläser, Streicher, Schlagzeug und Holzbläser klassifiziert werden., Blasinstrumente in der Renaissance wurden traditionell von Profis gespielt, die Mitglieder von Gilden waren, und dazu gehörten die Schiebetrompete, das hölzerne Kornett, die Valveless-Trompete und der Sackbut. Zu den Saiteninstrumenten gehörten die Bratsche, die Rebec, die harfenartige Leier, die Hurdy-Gurdy, die Laute, die Gitarre, die Zittern, die Bandora und das Orpharion. Zu den Tasteninstrumenten mit Streichern gehörten das Cembalo und das Clavichord. Perkussionsinstrumente umfassen das Dreieck, die Judenharfe, das Tamburin, die Glocken, den Rumpeltopf und verschiedene Arten von Trommeln., Zu den Holzblasinstrumenten gehörten der Doppelrohr-Shawm (ein frühes Mitglied der Oboenfamilie), die Schilfpfeife, der Dudelsack, die Querflöte, die Blockflöte, der Dulcian und das Crumhorn. Einfache Pfeifenorgeln existierten, waren aber weitgehend auf Kirchen beschränkt, obwohl es tragbare Sorten gab. Der Druck ermöglichte die Standardisierung von Beschreibungen und Spezifikationen von Instrumenten sowie Anweisungen zu deren Verwendung.

Vokalmusik in der Renaissance ist bekannt für das Aufblühen eines zunehmend aufwendigen polyphonen Stils., Die wichtigsten liturgischen Formen, die während der gesamten Renaissance bestanden, waren Messen und Motetten, mit einigen anderen Entwicklungen gegen Ende, insbesondere als Komponisten der sakralen Musik begannen, weltliche Formen (wie das Madrigal) für ihre eigenen Entwürfe anzunehmen. Gegen Ende der Periode sind die frühen dramatischen Vorläufer der Oper wie Monodie, Madrigalkomödie und Intermedio zu sehen. Um 1597 schrieb der italienische Komponist Jacopo Peri Dafne, das erste Werk, das heute Oper genannt wird. Er komponierte auch Euridice, die erste Oper, die bis heute überlebt hat.,

Bemerkenswerten Renaissance-Komponisten gehören Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, John Dunstaple, Johannes Ockeghem, Orlande de Lassus, Guillaume Du Fay, Gilles Binchois, Thomas Tallis, William Byrd, Giovanni Gabrieli, Carlo Gesualdo, John Dowland, Jacob Obrecht, Adrian Willaert, Jacques Arcadelt, und Cipriano de Rore.

Common-practice periodEdit

Die Common-Practice-Periode wird typischerweise als die Zeit zwischen der Bildung und der Auflösung der Common-Practice-Tonalität definiert., Der Begriff umfasst in der Regel etwa zweieinhalb Jahrhunderte und umfasst die Barock -, Klassik-und Romantik.

Barock eraEdit

Barockmusik zeichnet sich durch die Verwendung komplexer tonaler Instrumente aus kontrapunkt und die Verwendung eines Basso Continuo, einer durchgehenden Basslinie., Die Musik wurde im Vergleich zu den einfachen Liedern aller vorherigen Perioden komplexer. Die Anfänge der Sonatenform nahmen in der Canzona Gestalt an, ebenso wie ein formalisierter Begriff von Thema und Variationen. Die Tonalitäten von Dur und Moll als Mittel zur Bewältigung von Dissonanz und Chromatik in der Musik nahmen ihre volle Form an.

Während der Barockzeit wurde Keyboard-Musik, die auf dem Cembalo und der Pfeifenorgel gespielt wurde, immer beliebter, und die Violinfamilie der Saiteninstrumente nahm die heute allgemein gesehene Form an., Oper als inszeniertes Musikdrama begann sich von früheren musikalischen und dramatischen Formen zu unterscheiden, und Gesangsformen wie Kantate und Oratorium wurden häufiger. Die Sänger begannen zum ersten Mal, der Musik zusätzliche Noten hinzuzufügen.

Die Theorien rund um equal temperament fing an, in breiter Praxis, zumal es ermöglicht, eine breitere Palette von chromatischen Möglichkeiten in hard-zu-Tuning keyboard instruments. Obwohl J. S., Bach verwendete nicht das gleiche Temperament, da ein modernes Klavier im Allgemeinen gestimmt ist, Änderungen der Temperamente vom damals üblichen Meantone-System zu verschiedenen Temperamenten, die die Modulation zwischen allen Tasten musikalisch akzeptabel machten, ermöglichten sein wohltemperiertes Klavier.

Barockinstrumente enthalten einige Instrumente aus den früheren Perioden (zB die Hurdy-gurdy und Recorder) und eine Reihe von neuen Instrumenten (zB die Oboe, Fagott, Cello, Kontrabass und Fortepiano). Einige Instrumente aus früheren Epochen wurden nicht mehr verwendet, wie der Shawm, Cittern, Rackett und das hölzerne Kornett., Zu den wichtigsten Barockinstrumenten für Streicher gehörten Violine, Viola, Viola, Viola d ‚ amore, Cello, Kontrabass, Laute, Theorbe (die oft Basso Continuo-Teile spielten), Mandoline, Barockgitarre, Harfe und Drehleier. Zu den Holzbläsern gehörten die Barockflöte, die Barock-Oboe, die Blockflöte und das Fagott. Zu den Blechblasinstrumenten gehörten das Cornett, das Naturhorn, die Naturtrompete, die Schlange und die Posaune. Zu den Tasteninstrumenten gehörten das Clavichord, das Tangente-Klavier, das Cembalo, die Pfeifenorgel und später in dieser Zeit das Fortepiano (eine frühe Version des Klaviers)., Percussion-Instrumente enthalten die Pauke, Snare Drum, Tamburin und die Kastagnetten.

Ein wesentlicher Unterschied zwischen Barockmusik und der darauf folgenden klassischen Ära besteht darin, dass die in Barockensembles verwendeten Instrumententypen viel weniger standardisiert waren. Ein Barockensemble könnte eine von mehreren verschiedenen Arten von Tasteninstrumenten (z. B. Pfeifenorgel oder Cembalo), zusätzliche Saitenakordalinstrumente (z. B. eine Laute), gebeugte Saiten, Holzbläser und Blechblasinstrumente sowie eine nicht spezifizierte Anzahl von Bassinstrumenten umfassen, die das Basso Continuo spielen, (z.,, ein Cello, Kontrabass, Viola, Fagott, Schlange, etc.).

Zu den Gesangsentwicklungen im Barock gehörten die Entwicklung von Opernarten wie Opera seria und opéra comique sowie verwandte Formen wie Oratorien und Kantaten.

Wichtige Komponisten aus dieser Zeit zählen Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Georg Friedrich Händel, Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Barbara Strozzi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully, Heinrich Schütz.,

Klassische eraEdit

Obwohl der Begriff „klassische Musik“ umfasst alle westlichen Kunstmusik vom Mittelalter bis in die 2000er Jahre, die klassische Ära war die Zeit der westlichen Kunstmusik von den 1750er bis Anfang der 1820er Jahre-die Ära von Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn und Ludwig van Beethoven.,

Die klassische Ära etablierte viele der Normen der Komposition, Präsentation und Stil, und war auch, wenn das Klavier das vorherrschende Tasteninstrument wurde. Die für ein Orchester erforderlichen Grundkräfte wurden etwas standardisiert (obwohl sie mit der Entwicklung des Potenzials einer breiteren Palette von Instrumenten in den folgenden Jahrhunderten zunehmen würden). Kammermusik wuchs zu Ensembles mit bis zu 8 bis 10 Interpreten für Serenaden. Oper entwickelte sich weiter, mit regionalen Stilen in Italien, Frankreich und deutschsprachigen Ländern., Die Oper Buffa, eine Form der komischen Oper, wurde immer beliebter. Die Symphonie kam als musikalische Form zur Geltung, und das Konzert wurde als Vehikel für die Darstellung virtuoser Spielfähigkeiten entwickelt. Orchester brauchten kein Cembalo mehr (das im Barockstil zum traditionellen Continuo gehörte) und wurden oft vom führenden Geiger (jetzt Konzertmeister genannt) geleitet.

Musiker der klassischen Ära verwendeten weiterhin viele Instrumente aus der Barockzeit, wie Cello, Kontrabass, Blockflöte, Posaune, Pauken, Fortepiano (der Vorläufer des modernen Klaviers) und Orgel., Während einige barocke Instrumente nicht mehr verwendet wurden (z. B. Theorbo und Rackett), wurden viele barocke Instrumente in die Versionen geändert, die heute noch verwendet werden, wie die Barockgeige (die zur Geige wurde), die barocke Oboe (die zur Oboe wurde) und die Barocktrompete, die zur regulären Valved-Trompete überging. Während der klassischen Ära wurden die Saiteninstrumente, die in der Orchester-und Kammermusik wie Streichquartette verwendet wurden, als die vier Instrumente standardisiert, die den Streichabschnitt des Orchesters bilden: Violine, Bratsche, Cello und Kontrabass., Saiteninstrumente aus der Barockzeit wie Bünde, gebeugte Violen wurden aus dem Verkehr gezogen. Zu den Holzbläsern gehörten Bassettklarinette, Bassetthorn, Klarinette d ‚ amour, Klassische Klarinette, Chalumeau, Flöte, Oboe und Fagott. Zu den Tasteninstrumenten gehörten das Clavichord und das Fortepiano. Während das Cembalo in den 1750er und 1760er Jahren noch in der Basso Continuo-Begleitung verwendet wurde, fiel es Ende des Jahrhunderts außer Gebrauch. Zu den Blechblasinstrumenten gehörten der Buccin, die Ophicleide (ein Ersatz für die Bassschlange, die der Vorläufer der Tuba war) und das Naturhorn.,

Blasinstrumente wurden in der klassischen Ära verfeinert. Während Doppelrohrinstrumente wie Oboe und Fagott im Barock etwas standardisiert wurden, Die Klarinettenfamilie der einzelnen Schilf wurde erst weit verbreitet, als Mozart seine Rolle in Orchester -, Kammer-und Konzertsälen erweiterte.

Wichtige Komponisten aus dieser Zeit zählen Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi, Antonio Salieri und Johann Nepomuk Hummel.,

Romantische eraEdit

Die Musik der Romantik, von ungefähr dem ersten Jahrzehnt des 19., Musikalische Formen begannen von den Formen der klassischen Ära zu brechen (auch wenn diese kodifiziert wurden), wobei Freiformstücke wie Nocturnes, Fantasien und Präludien geschrieben wurden, in denen akzeptierte Ideen über die Exposition und Entwicklung von Themen ignoriert oder minimiert wurden. Die Musik wurde chromatischer, dissonanter und klanglich bunter, wobei die Spannungen (in Bezug auf akzeptierte Normen der älteren Formen) über Schlüsselsignaturen zunahmen. Das Kunstlied (oder Lied) kam in dieser Zeit zur Reife, ebenso wie die epischen Skalen der großen Oper, die letztendlich durch Richard Wagners Ringzyklus überschritten wurden.,Jahrhundert entstanden musikalische Institutionen aus der Kontrolle wohlhabender Gönner, da Komponisten und Musiker ein vom Adel unabhängiges Leben aufbauen konnten. Das zunehmende Interesse der wachsenden Mittelschicht an Musik in ganz Westeuropa spornte die Gründung von Organisationen für den Unterricht, die Aufführung und die Erhaltung von Musik an. Das Klavier, das in dieser Zeit (teilweise aufgrund industrieller Fortschritte in der Metallurgie) seine moderne Konstruktion erreichte, wurde bei der Mittelklasse sehr beliebt, deren Anforderungen an das Instrument viele Klavierbauer anspornten., Viele Sinfonieorchester datieren ihre Gründung auf diese Zeit. Einige Musiker und Komponisten waren die Stars des Tages; einige, wie Franz Liszt und Niccolò Paganini, erfüllten beide Rollen.

Europäische kulturelle Ideen und Institutionen begannen, der kolonialen Expansion in andere Teile der Welt zu folgen. Es gab auch einen Anstieg, besonders gegen Ende der Ära, des Nationalismus in der Musik (der in einigen Fällen politische Gefühle der Zeit widerspiegelte), da Komponisten wie Edvard Grieg, Nikolai Rimsky-Korsakov und Antonín Dvořák in ihren Kompositionen traditionelle Musik ihrer Heimatländer wiedergaben.,

In der Romantik übernahm das moderne Klavier mit einem kraftvolleren, nachhaltigeren Ton und einer breiteren Palette das zarter klingende Fortepiano. Im Orchester, die bestehenden Klassischen Instrumente und Sektionen gehalten wurden (Streicher, Holzbläser, Blechbläser und Perkussion), aber diese Bereiche haben in der Regel erweitert, um einen volleren, größeren Ton. Zum Beispiel, während ein Barockorchester zwei Kontrabassspieler gehabt haben könnte, könnte ein romantisches Orchester bis zu zehn haben., „Als die Musik expressiver wurde, war die Standard-Orchesterpalette für viele romantische Komponisten einfach nicht reich genug.“

Die Familie der verwendeten Instrumente, insbesondere in Orchestern, wurde größer; ein Prozess, der im frühen 20th Jahrhundert mit sehr großen Orchestern begann, die von spätromantischen und modernistischen Komponisten verwendet wurden. Eine breitere Palette von Schlaginstrumenten begann zu erscheinen. Blechblasinstrumente übernahmen größere Rollen, da die Einführung von Drehventilen es ihnen ermöglichte, eine breitere Palette von Noten zu spielen., Die Größe des Orchesters (typischerweise um 40 in der klassischen Ära) wuchs auf über 100. So wurde beispielsweise Gustav Mahlers Sinfonie Nr. 8 von 1906 mit über 150 Instrumentalisten und Chören von über 400 Personen aufgeführt. Neue Holzblasinstrumente wie Kontrabass, Bassklarinette und Piccolo und neue Schlaginstrumente wurden hinzugefügt, darunter Xylophone, Snare Drums, Celestas (ein glockenartiges Tasteninstrument), Glocken und Dreiecke, große Orchesterharfen und sogar Blasmaschinen für Soundeffekte., Jahrhunderts in einigen Partituren auf, die normalerweise eher als Soloinstrument als als integraler Bestandteil des Orchesters aufgeführt werden.

Die Wagner-Tuba, ein modifiziertes Mitglied der Hornfamilie, erscheint in Richard Wagners Zyklus Der Ring des Nibelungen. Es spielt auch eine herausragende Rolle in Anton Bruckners Symphonie Nr. 7 in E-Dur und wird auch in mehreren spätromantischen und modernistischen Werken von Richard Strauss, Béla Bartók und anderen verwendet Cornets erscheinen regelmäßig in Partituren des 19.,

Prominente Komponisten dieser ära gehören Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Franz Liszt, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Johannes Brahms, Edvard Grieg, Johann Strauss II. Gustav Mahler und Richard Strauss sind gemeinhin als übergangs-Komponisten, deren Musik kombiniert der Spätromantik und der frühen moderne Elemente.,

20sten und 21sten centuriesEdit

Modernistischen eraEdit

Umfasst eine Breite Vielfalt von post-Romantische Stile, moderne klassische Musik umfasst spätromantischen, impressionistischen, expressionistischen und neoklassizistischen Stile der Komposition., Die Moderne markierte eine Ära, in der viele Komponisten bestimmte Werte der üblichen Praxis ablehnten, wie traditionelle Tonalität, Melodie, Instrumentierung und Struktur. Einige Musikhistoriker betrachten die musikalische Moderne als eine Ära, die sich von etwa 1890 bis 1930 erstreckt. Andere denken, dass die Moderne mit dem einen oder anderen der beiden Weltkriege endete. Wieder andere Behörden behaupten, dass die Moderne nicht mit irgendeiner historischen Ära verbunden ist, sondern „eine Haltung des Komponisten ist; ein lebendiges Konstrukt, das sich mit der Zeit entwickeln kann“., Jahrhunderts blieb am Ende des Jahrhunderts ein aktiver Kern von Komponisten, die die Ideen und Formen der Moderne weiter vorantreiben, wie Pierre Boulez, Pauline Oliveros, Toru Takemitsu, George Benjamin, Jacob Druckman, Brian Ferneyhough, George Perle, Wolfgang Rihm, Richard Wernick, Richard Wilson und Ralph Shapey.

Zwei musikalische Bewegungen, die in dieser Zeit dominierten, waren der impressionistische Beginn um 1890 und der expressionistische Beginn um 1908., Es war eine Zeit vielfältiger Reaktionen bei der Herausforderung und Neuinterpretation älterer Musikkategorien, Innovationen, die zu neuen Wegen der Organisation und Annäherung an harmonische, melodische, klangliche und rhythmische Aspekte der Musik führen, und Veränderungen der ästhetischen Weltanschauungen in enger Beziehung zur größeren identifizierbaren Periode der Moderne in den Künsten der Zeit. Das operative Wort, das am meisten damit verbunden ist, ist „Innovation“. Sein Hauptmerkmal ist eine „sprachliche Pluralität“, die besagt, dass kein einziges Musikgenre jemals eine beherrschende Stellung einnahm.,

Das Orchester wuchs in den frühen Jahren der Moderne weiter an und erreichte seinen Höhepunkt in den ersten beiden Jahrzehnten des 20. Jahrhundert nur selten auftauchten, wurden häufiger als Zusatzinstrumente verwendet, wurden aber nie zu Kernmitgliedern des Orchesters., Während er in einigen Werken nur als Soloinstrument auftrat, zum Beispiel Maurice Ravels Orchestrierung von Modest Mussorgskys Bildern in einer Ausstellung und Sergei Rachmaninoffs symphonischen Tänzen, ist das Saxophon in anderen Werken enthalten, wie Sergei Prokofjews Romeo und Julia Suiten 1 und 2 und viele andere Werke als Mitglied des Orchesterensembles. In einigen Kompositionen wie Ravels Boléro werden zwei oder mehr Saxophone unterschiedlicher Größe verwendet, um einen ganzen Abschnitt wie die anderen Abschnitte des Orchesters zu erstellen., Das Euphonium ist in einigen Werken der Spätromantik und des 20. Jahrhunderts zu finden, in denen meist die „Tenor Tuba“ gespielt wird, darunter Gustav Holsts „Die Planeten“ und Richard Strauss ‚“Ein Heldenleben“.,Jahrhunderts gehören Igor Strawinsky, Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Sergei Prokofjew, Arnold Schönberg, Heitor Villa-Lobos, Anton Webern, Alban Berg, Cécile Chaminade, Paul Hindemith, Aram Khachaturian, George Gershwin, Amy Beach, Béla Bartók und Dmitri Schostakowitsch, zusammen mit den oben genannten Mahler und Strauss als Übergangsfiguren, die aus dem 19.,

Postmoderne / zeitgenössische eraEdit