Kandinskys Schaffung abstrakter Arbeiten folgte einer langen Entwicklungs-und Reifungsphase intensiven Denkens auf der Grundlage seiner künstlerischen Erfahrungen. Er nannte diese Hingabe an innere Schönheit, Inbrunst des Geistes und spirituelles Verlangen innere Notwendigkeit; es war ein zentraler Aspekt seiner Kunst.

Jugend und inspiration (1866-1896)Bearbeiten

Kandinsky, geboren in Moskau, der Sohn von Lidia Ticheeva und Wassili Silvestrovich Kandinsky, Tee-Großhändler., Eine seiner Urgroßmütter war Prinzessin Gantimurova, eine mongolische Prinzessin. Kandinsky lernte aus einer Vielzahl von Quellen in Moskau. Er studierte viele Bereiche während der Schule, einschließlich Recht und Wirtschaft. Später im Leben würde er sich erinnern, als Kind fasziniert und von Farbe angeregt zu sein. Seine Faszination für Farbsymbolik und Psychologie setzte sich fort, als er wuchs. 1889 war er Teil einer ethnographischen Forschungsgruppe, die in die Region Wologda nördlich von Moskau reiste., In Looks on the Past erzählt er, dass die Häuser und Kirchen mit so schimmernden Farben geschmückt waren, dass er beim Betreten das Gefühl hatte, in ein Gemälde zu ziehen. Diese Erfahrung und sein Studium der Volkskunst der Region (insbesondere die Verwendung heller Farben auf dunklem Hintergrund) spiegelten sich in vielen seiner frühen Arbeiten wider. Einige Jahre später verglich er die Malerei zum ersten Mal mit dem Komponieren von Musik in der Art und Weise, wie er bemerkt würde, und schrieb: „Farbe ist das Keyboard, die Augen sind die Hämmer, die Seele ist das Klavier mit vielen Streichern., Der Künstler ist die Hand, die spielt, den einen oder anderen Schlüssel berührend, um Vibrationen in der Seele zu verursachen“. Kandinsky war auch der Onkel des russisch-französischen Philosophen Alexandre Kojève (1902-1968).

1896, im Alter von 30 Jahren, gab Kandinsky eine vielversprechende Karriere als Rechts-und Wirtschaftslehrer auf, um sich an der Münchner Akademie einzuschreiben, zu der schließlich auch Franz von Stuck gehörte. Er wurde nicht sofort zugelassen und begann selbst Kunst zu lernen. Im selben Jahr, bevor er Moskau verließ, sah er eine Ausstellung von Gemälden von Monet., Besonders angetan war er vom impressionistischen Stil der Heuhaufen; dieser hatte für ihn einen kraftvollen Farbsinn, der fast unabhängig von den Objekten selbst war. Später schrieb er über diese Erfahrung:

Dass es sich um einen Heuhaufen handelte, teilte mir der Katalog mit. Ich konnte es nicht erkennen. Diese Nichtanerkennung war für mich schmerzhaft. Ich war der Ansicht, dass der Maler kein Recht hatte, undeutlich zu malen. Ich hatte das dumpfe Gefühl, dass das Objekt des Gemäldes fehlte., Und ich bemerkte mit Überraschung und Verwirrung, dass das Bild mich nicht nur packte, sondern sich unauslöschlich in meinem Gedächtnis beeindruckte. Die Malerei nahm eine märchenhafte Kraft und Pracht an.

– Wassily Kandinsky

Kandinsky wurde in dieser Zeit ähnlich von Richard Wagners Lohengrin beeinflusst, das seiner Meinung nach die Grenzen von Musik und Melodie über die übliche Lyrik hinausschob. Er wurde auch geistig von Madame Blavatsky (1831-1891), dem bekanntesten Vertreter der Theosophie, beeinflusst., Die theosophische Theorie postuliert, dass die Schöpfung eine geometrische Progression ist, beginnend mit einem einzigen Punkt. Der kreative Aspekt der Form wird durch eine absteigende Reihe von Kreisen, Dreiecken und Quadraten ausgedrückt. Kandinskys Buch Über das Spirituelle in der Kunst (1910) und Point and Line to Plane (1926) wiederholten diesen theosophischen Grundsatz. Illustrationen von John Varley in Gedankenformen (1901) beeinflussten ihn visuell.

Metamorphose >

Im Sommer 1902 lud Kandinsky Gabriele Münter zu seinen sommerlichen Malkursen südlich von München in die Alpen ein. Sie akzeptierte, und ihre Beziehung wurde persönlicher als professionell.Die Kunstschule, die normalerweise als schwierig angesehen wurde, war für Kandinsky einfach. In dieser Zeit begann er sowohl als Kunsttheoretiker als auch als Maler aufzutreten. Jahrhunderts zu; viele Überreste der Landschaften und Städte, die er malte, mit breiten Farbschwaden und erkennbaren Formen., Kandinskys Gemälde enthielten jedoch größtenteils keine menschlichen Figuren; Eine Ausnahme bildet das Alte Russland (1904), in dem Kandinsky vor den Mauern einer Stadt eine sehr farbenfrohe (und phantasievolle) Ansicht von Bauern und Adligen nachbildet. Paar zu Pferd (1907) zeigt einen Mann zu Pferd, der eine Frau mit Zärtlichkeit und Sorgfalt hält, während sie an einer russischen Stadt mit leuchtenden Mauern über einen blauen Fluss vorbeifahren. Das Pferd ist gedämpft, während die Blätter in den Bäumen, die Stadt, und die Reflexionen im Fluss glitzern mit Flecken von Farbe und Helligkeit., Diese Arbeit zeigt den Einfluss von Pointillismus auf die Art und Weise, wie die Schärfentiefe in eine flache, lumineszierende Oberfläche kollabiert. Fauvismus zeigt sich auch in diesen frühen Werken. Farben werden verwendet, um Kandinskys Subjekterfahrung auszudrücken, nicht um die objektive Natur zu beschreiben.

Das vielleicht wichtigste seiner Bilder aus dem ersten Jahrzehnt des 20., Der Umhang des Fahrers ist mittelblau, was einen dunkleren blauen Schatten wirft. Im Vordergrund sind mehr amorphe blaue Schatten, die Gegenstücke der Herbstbäume im Hintergrund. Der blaue Reiter auf dem Gemälde ist prominent (aber nicht klar definiert), und das Pferd hat einen unnatürlichen Gang (den Kandinsky gekannt haben muss). Einige Kunsthistoriker glauben, dass eine zweite Figur (vielleicht ein Kind) vom Reiter gehalten wird, obwohl dies ein weiterer Schatten des einsamen Reiters sein kann., Diese absichtliche Disjunktion, die es den Zuschauern ermöglichte, an der Entstehung des Kunstwerks teilzunehmen, wurde zu einer zunehmend bewussten Technik, die Kandinsky in den folgenden Jahren verwendete; es gipfelte in den abstrakten Werken der 1911-1914-Periode. Im Blue Rider zeigt Kandinsky den Fahrer mehr als eine Reihe von Farben als in bestimmten Details. Dieses Gemälde ist in dieser Hinsicht im Vergleich zu zeitgenössischen Malern nicht außergewöhnlich, zeigt jedoch, in welche Richtung Kandinsky nur wenige Jahre später gehen würde.,

Von 1906 bis 1908 verbrachte Kandinsky viel Zeit in Europa (er war Mitarbeiter der symbolistischen Gruppe der Blauen Rose in Moskau), bis er sich in der bayerischen Kleinstadt Murnau niederließ. 1908 kaufte er eine Kopie von Thought-Forms von Annie Besant und Charles Webster Leadbeater. 1909 trat er der Theosophischen Gesellschaft bei. Der Blaue Berg (1908-1909) wurde zu dieser Zeit gemalt und demonstrierte seinen Trend zur Abstraktion. Ein Berg aus Blau wird von zwei breiten Bäumen flankiert, einem gelben und einem roten. Eine Prozession mit drei Fahrern und mehreren anderen kreuzt unten., Die Gesichter, Kleidung und Sättel der Fahrer haben jeweils eine einzige Farbe, und weder sie noch die Wanderfiguren zeigen echte Details. Die flachen Ebenen und die Konturen weisen ebenfalls auf fauvistischen Einfluss hin. Die breite Verwendung von Farbe im Blue Mountain illustriert Kandinskys Neigung zu einer Kunst, in der Farbe unabhängig von der Form präsentiert wird und jeder Farbe die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt wird. Die Komposition ist planarer; Das Gemälde ist in vier Abschnitte unterteilt: den Himmel, den roten Baum, den gelben Baum und den blauen Berg mit den drei Reitern.,

• Akhtyrka, 1901, Lenbachhaus, Kunstarealm, Munich

• Sunday (Old Russian), 1904, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

• Couple on Horseback, 1906–07, Lenbachhaus, Munich

• Blue Mountain, 1908–09, Solomon R., Guggenheim Museum, New York

• Häuser in München, 1908 Von der Heydt-Museum, Wuppertal

• Murnau, Zug & Burg, 1909, Lenbachhaus, München

Blauen Reiter Periode (1911-1914)Bearbeiten

Kandinskys Gemälde aus dieser Zeit sind große, ausdrucksstarke farbige Massen, die unabhängig von Formen und Linien bewertet werden; diese dienen nicht mehr dazu, sie abzugrenzen, sondern überlappen sich frei zu Gemälden von außergewöhnlicher Kraft. Musik war wichtig für die Geburt der abstrakten Kunst, da Musik von Natur aus abstrakt ist—sie versucht nicht, die Außenwelt darzustellen, sondern drückt die inneren Gefühle der Seele unmittelbar aus., Kandinsky verwendete manchmal musikalische Begriffe, um seine Werke zu identifizieren; Er nannte seine spontansten Gemälde “ Improvisationen „und beschrieb aufwändigere Werke als“ Kompositionen.“

Neben der Malerei war Kandinsky ein Kunsttheoretiker; Sein Einfluss auf die Geschichte der westlichen Kunst beruht vielleicht mehr auf seinen theoretischen Werken als auf seinen Gemälden. Er half bei der Gründung der Neuen Künstlervereinigung München und wurde 1909 deren Präsident., Die Gruppe konnte jedoch den radikalen Ansatz von Kandinsky (und anderen) nicht in konventionelle künstlerische Konzepte integrieren und die Gruppe löste sich Ende 1911 auf. Kandinsky bildete dann mit Gleichgesinnten wie August Macke, Franz Marc, Albert Bloch und Gabriele Münter eine neue Gruppe, den Blauen Reiter. Die Gruppe veröffentlichte einen Almanach (The Blue Rider Almanac) und hielt zwei Ausstellungen. Weitere waren geplant, aber der Ausbruch des Ersten Weltkriegs 1914 beendete diese Pläne und schickte Kandinsky über die Schweiz und Schweden zurück nach Russland.,

Sein Schreiben im Blue Rider Almanach und die Abhandlung „Über das Spirituelle in der Kunst“ (die 1910 veröffentlicht wurde) waren sowohl eine Verteidigung und Förderung der abstrakten Kunst als auch eine Bestätigung, dass alle Kunstformen gleichermaßen in der Lage waren, ein Niveau der Spiritualität zu erreichen. Er glaubte, dass Farbe in einem Gemälde als etwas Autonomes verwendet werden könnte, abgesehen von der visuellen Beschreibung eines Objekts oder einer anderen Form.

Diese Ideen hatten eine fast unmittelbare internationale Wirkung, insbesondere im englischsprachigen Raum., Bereits 1912 wurde On the Spiritual in Art von Michael Sadleir in den Londoner Art News rezensiert. Das Interesse an Kandinsky wuchs apace, als Sadleir 1914 eine englische Übersetzung von On the Spiritual in Art veröffentlichte. Auszüge aus dem Buch wurden in diesem Jahr in Percy Wyndham Lewis ‚ Zeitschrift Blast und Alfred Orages wöchentlicher Kulturzeitung The New Age veröffentlicht. Kandinsky hatte jedoch früher in Großbritannien eine gewisse Bekanntmachung erhalten; 1910 nahm er an der Allied Artists‘ Exhibition (organisiert von Frank Rutter) in der Londoner Royal Albert Hall teil., Dies führte dazu, dass seine Arbeit in einer Rezension dieser Show des Künstlers Spencer Frederick Gore in The Art News als Lob hervorgehoben wurde.

Sadleirs Interesse an Kandinsky führte auch dazu, dass Kandinskys erste Werke in eine britische Kunstsammlung kamen; Sadleirs Vater, Michael Sadler, erwarb 1913 nach einem Besuch von Vater und Sohn mehrere Holzdrucke und das abstrakte Gemälde Fragment for Composition VII, um Kandinsky in diesem Jahr in München zu treffen. Diese Werke wurden in Leeds ausgestellt, entweder in der Universität oder in den Räumlichkeiten des Leeds Arts Club, zwischen 1913 und 1923.,

Rückkehr nach Russland (1914-1921)Bearbeiten

Die Sonne schmilzt ganz Moskau zu einer einzigen Stelle, die wie eine verrückte Tuba, beginnt von ganzem Herzen und die ganze Seele vibriert., Aber nein, diese Einheitlichkeit von Rot ist nicht die schönste Stunde. Es ist nur der letzte Akkord einer Symphonie, die jede Farbe auf den Zenit des Lebens bringt, die wie das Fortissimo eines großen Orchesters von Moskau gezwungen und zugelassen wird zu läuten.

– Wassily Kandinsky

1916 lernte er Nina Andreevskaya (1899-1980) kennen, die er am 11.

Von 1918 bis 1921 engagierte sich Kandinsky in der Kulturpolitik Russlands und arbeitete an der Kunstpädagogik und Museumsreform mit., Er malte in dieser Zeit wenig, widmete seine Zeit jedoch der künstlerischen Lehre mit einem Programm, das auf Form-und Farbanalyse basierte; Er half auch bei der Organisation des Instituts für künstlerische Kultur in Moskau, dessen erster Direktor er war. Seine spirituelle, expressionistische Sicht der Kunst wurde von den radikalen Mitgliedern des Instituts letztlich als zu individualistisch und bürgerlich abgelehnt. 1921 wurde Kandinsky von seinem Gründer, dem Architekten Walter Gropius, nach Deutschland eingeladen, um am Bauhaus von Weimar teilzunehmen.,

Zurück in Deutschland und im Bauhaus (1922-1933)Bearbeiten

Im Mai 1922 nahm er am Internationalen Kongress progressiver Künstler teil und unterzeichnete die „Gründungsproklamation der Union progressiver internationaler Künstler“.

Kandinsky unterrichtete den Grundkurs Design für Einsteiger und den Aufbaukurs Theorie am Bauhaus; er führte auch Malkurse und einen Workshop durch, in dem er seine Farbtheorie um neue Elemente der Formpsychologie erweiterte., Die Entwicklung seiner Arbeiten zur Formenforschung, insbesondere zu Punkten und Linienformen, führte 1926 zur Veröffentlichung seines zweiten theoretischen Buches (Punkt und Linie zu Ebene). Seine Untersuchungen der Auswirkungen von Kräften auf gerade Linien, die zu kontrastierenden Tönen gekrümmter und abgewinkelter Linien führten, fielen mit der Forschung von Gestaltpsychologen zusammen, deren Arbeit auch am Bauhaus diskutiert wurde. Geometrische Elemente nahmen sowohl in seiner Lehre als auch in der Malerei an Bedeutung zu-insbesondere der Kreis, der Halbkreis, der Winkel, die Geraden und Kurven. Diese Zeit war intensiv produktiv., Diese Freiheit zeichnet sich in seinen Werken durch den Umgang mit farb-und abstufungsreichen Ebenen aus – wie in Gelb – rot-Blau (1925), wo Kandinsky seine Distanz zu den damals einflussreichen Konstruktivismus-und Suprematismusbewegungen verdeutlicht.

Das zwei Meter breite (6 ft 7 in) Gelb-rot-Blau (1925) verschiedener Hauptformen: ein vertikales gelbes Rechteck, ein geneigtes rotes Kreuz und ein großer dunkelblauer Kreis; eine Vielzahl von geraden (oder gewundenen) schwarzen Linien, Kreisbögen, monochromatischen Kreisen und verstreuten, farbigen Schachbrettern trägt zu seiner heiklen Komplexität bei., Diese einfache visuelle Identifizierung von Formen und den auf der Leinwand vorhandenen farbigen Hauptmassen ist nur eine erste Annäherung an die innere Realität des Werkes, deren Wertschätzung eine tiefere Beobachtung erfordert—nicht nur der an der Malerei beteiligten Formen und Farben, sondern auch ihrer Beziehung, ihrer absoluten und relativen Positionen auf der Leinwand und ihrer Harmonie.

Kandinsky war einer der Blauen Vier, der 1923 mit Paul Klee, Lyonel Feininger und Alexej von Jawlensky gegründet wurde und 1924 in den USA lehrte und ausstellte., Aufgrund rechter Feindseligkeit verließ das Bauhaus Weimar und ließ sich 1925 in Dessau nieder. Nach einer Nazi-Schmutzkampagne verließ das Bauhaus Dessau 1932 für Berlin, bis zu seiner Auflösung im Juli 1933. Kandinsky verließ dann Deutschland und ließ sich in Paris nieder.,>On White II, 1923

Great Synthesis (1934–1944)Edit

Living in an apartment in Paris, Kandinsky created his work in a living-room studio., Biomorphe Formen mit geschmeidigen, nicht geometrischen Umrissen erscheinen in seinen Gemälden-Formen, die mikroskopisch kleine Organismen suggerieren, aber das Innenleben des Künstlers ausdrücken. Kandinsky verwendete originelle Farbkompositionen, die an slawische Volkskunst erinnerten. Gelegentlich mischte er auch Sand mit Farbe, um seinen Gemälden eine körnige, rustikale Textur zu verleihen.

Diese Periode entspricht einer Synthese von Kandinskys früherem Werk, in dem er alle Elemente verwendete und bereicherte. In den Jahren 1936 und 1939 malte er seine letzten beiden Hauptkompositionen, die Art von aufwendigen Leinwänden, die er seit vielen Jahren nicht mehr produziert hatte., Komposition IX hat stark kontrastierende, kräftige Diagonalen, deren zentrale Form den Eindruck eines Embryos im Mutterleib vermittelt. Kleine Quadrate von Farben und farbigen Bändern heben sich vor dem schwarzen Hintergrund der Komposition X als Sternfragmente (oder Filamente) ab, während rätselhafte Hieroglyphen mit Pastelltönen eine große kastanienbraune Masse bedecken, die in der oberen linken Ecke der Leinwand zu schweben scheint. In Kandinskys Werk sind einige Merkmale offensichtlich, während bestimmte Berührungen diskreter und verschleierter sind; Sie offenbaren sich nur schrittweise denen, die ihre Verbindung zu seiner Arbeit vertiefen., Er beabsichtigte, dass seine Formen (die er subtil harmonisierte und platzierte) mit der Seele des Betrachters in Resonanz traten.,

• Brown with supplement, 1935, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

• Composition IX, 1936, Musée national d’art moderne, Paris

• Composition X, 1939, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

• Various Actions, 1941, Solomon R., Guggenheim Museum, New York,

• Circle and Square, 1943, Musée national d ‚ art moderne, Paris