quand il s’agit d’écouter une tranche de rock classique, un disque de vinyle solide et fiable est toujours assez spécial – et lorsque vous faites tourner la cire sur certaines des meilleures platines au monde, cela peut être un bonheur sonore.

avouons-le, Il n’y a rien de tel que de poser l’aiguille, de basculer, puis d’explorer l’emballage de l’album pour y trouver des notes de doublure, des photos du groupe et de récurer la pochette pour glaner toujours peu de détails. Essayez de le faire sur un téléchargement numérique!,

il ne semble pas si longtemps que le vinyle était jeté sans cérémonie sur le tas de ferraille alors que le petit nouveau du bloc, le CD, était présenté comme l’avenir. Oui, nous aimons toujours nos collections de CD, mais le vinyle est juste un peu plus spécial.

et cela s’est reflété dans les ventes ces dernières années, qui ont vu le vinyle augmenter à nouveau en Popularité – une réalisation remarquable étant donné la domination des services de streaming en ligne.

en fait, en 2019, L’Industrie phonographique Britannique a vérifié pour signaler qu’un énorme 4.,3 millions de disques vinyles ont été vendus à travers le pays, ce qui en fait la 12e année consécutive que le vinyle a connu une augmentation des ventes.

parlant avec Classic Rock, L’auteure Jennifer Otter Bickerdike a expliqué: « il a fallu un voyage au bord de l’extinction pour que nous réalisions à quel point le disque physique est important dans la définition de soi, de la communauté et de la culture. »

mais avec une abondance de vinyles dans les magasins et en ligne, par où commencer si vous êtes un fan de rock qui veut commencer à construire votre collection?, Pour vous aider, nous avons sélectionné 15 de ce que nous considérons comme les meilleurs albums de rock jamais enregistrés.

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AC/DC – retour en noir (1980, Albert/Atlantic)

ac/dc semblait être sur leur chemin en 1980., Ils avaient sorti une série de disques à succès, ont finalement battu les États-Unis avec leur album Highway To Hell, et étaient prêts à enregistrer l’album qui deviendrait finalement Back In Black. Cependant, en février de la même année, le chanteur Bon Scott a été retrouvé mort à Londres. Après ses funérailles – et avec quelques encouragements de ses parents – les membres restants D’AC / DC ont commencé à chercher un nouveau chanteur – et en l’espace de quelques mois, Brian Johnson a été annoncé comme le nouveau chanteur.,

Le groupe rend hommage à Scott avec la couverture noire de L’album: elle devait être entièrement noire avec un lettrage en relief, cependant, la maison de disques a insisté pour inclure du gris pour le logo du groupe. Back in Black commence également par la sonnerie des cloches pour Bon. En dehors de cette brève ouverture, il n’y a pas de chansons réfléchies, de deuil ou tristes. En général, le groupe est resté fidèle à ce qu’il connaissait: du rock’n’Roll percutant et bon vieux jeu.,

Back in Black est plein de riffs charnus que chaque guitariste novice tentera d’apprendre au moins une fois, et il propose également des solos que les joueurs expérimentés souhaitent pouvoir imiter. Des morceaux comme You Shook Me All Night Long ont des refrains d’infection qui conviennent aux Arènes massives qu’ils finiraient par remplir, tandis que Shoot To Thrill est un hymne rock rempli d’adrénaline qui serait utilisé sur les bandes sonores de films des années après sa sortie.,

les riffs accrocheurs et les paroles citables de Back in Black sont si synonymes de musique rock qu’ils sont connus même par les auditeurs les plus occasionnels, tandis que les chansons sont restées des incontournables dans les performances live D’AC / DC au fil des ans.,

Black Sabbath – Paranoid (1970, Vertigo/Warner Bros)

comme tous ceux qui aiment la musique unsociably loud vous le diront, on pense généralement que le heavy metal est né en 1970 lorsque brummie Headbangers Black Sabbath a sorti son premier album éponyme. Allons plus loin et suggérons que le heavy metal a vraiment frappé son chemin pour la première fois avec le deuxième album de Sabbath, Paranoid, une collection de chansons plus lourdes, plus menaçantes et plus nuancées.,

Le one-two opening shot de War Pigs et Paranoid lui-même ne peut tout simplement pas être amélioré dans le monde du métal. Le premier, une critique de la guerre et en particulier de la politique du gouvernement américain concernant le Vietnam, voit le parolier et bassiste Geezer Butler en pleine forme-même s’il ne trouve pas de meilleur moyen de faire rimer « masses » qu’avec lui-même dans le couplet « Generals gathered in their masses/Just like witches at black masses ».

ce dernier, un clin d’oeil à l’instabilité mentale, est probablement la chanson la plus connue de Sabbath, exécutée à un tempo rare et non-doomy., L’album passe ensuite à la sensuelle instrumentale Planet Caravan, une belle chanson paysagée, avant le coup de marteau pulvérisant D’Iron Man.

Ce n’est pas la puissance pure qui fait de Paranoid un album unique, bien qu’il ait cela à revendre: c’est la conscience aiguë de la dynamique d’écriture de chansons affichée par Butler ainsi que le chanteur Ozzy Osbourne, le guitariste Tony Iommi et le batteur Bill Ward, tous encore dans leurs 20 ans au moment de l’enregistrement., Qu’un disque comme celui-ci ait été écrit et livré par de si jeunes musiciens n’est rien de moins que miraculeux, bien que dans le sens infernal plutôt que céleste.

Lizzy mince – vivant et dangereux (1978, Vertigo)

Thin Lizzy, les titans du hard rock dirigés par le chanteur irlandais emblématique Phil Lynott, avait déjà sorti sept albums en six ans au moment où ils ont commencé à sortir une collection Live – mais quand il est venu, c’était un monstre., Un double album de morceaux live enregistrés dans divers endroits, Live and Dangerous a été l’une des premières collections en concert pour égaler, voire surpasser, les compétences en studio du groupe qui l’a créé.

orchestré par le producteur Tony Visconti, dont les antécédents avec David Bowie, T-Rex et d’autres artistes avaient fait de lui un roi dans sa profession, l’album réussit le tour de force de sonner à la fois live et poli.,

Rosalie était le single sorti du LP, mais franchement, un certain nombre de chansons représentent aussi bien son énergie pure – notamment la Coupe d’ouverture, Jailbreak, et une prise furieuse sur ce qui est sans doute la chanson la plus célèbre de Lizzy, The Boys Are Back In Town. Les textures de leur matériel live ont été améliorées sans fin par un saxophoniste, John Earle, et nul autre que Huey Lewis – oui, ce fameux Huey Lewis, lui-même encore à cinq ans du succès mondial.,

comme No Sleep ’Til Hammersmith de Motorhead, sorti trois ans plus tard, Live and Dangerous reste l’un des albums live par excellence de l’âge d’or du hard rock.

Les Rolling Stones – Sticky Fingers (1971, les Rolling Stones)

Aucun collectionneur de disques veut sticky fingers sur le vinyle. Sticky Fingers sur vinyle, cependant, est une autre histoire., Enregistré plus de deux ans dans trois endroits (Muscle Shoals Sound Studio en Alabama, propre maison de campagne du chanteur Mick Jagger et Olympic Studios à Londres), Sticky Fingers a été le premier LP par les Rolling Stones à être publié sur leur propre Rolling Stones Records. L’album est également le premier à présenter Mick Taylor, qui a remplacé le guitariste Brian Jones en 1969. Parmi la poignée de musiciens invités à apparaître sur le disque, Pete Townshend des Who est peut-être le plus notable, censé avoir contribué aux chœurs de Sway.,

en plus d’être vénéré comme l’un des meilleurs des Rolling Stones, Sticky Fingers possède l’une des pochettes d’album les plus classiques du rock. L’œuvre – conçue par le célèbre artiste Andy Warhol – a été photographiée par Billy Name et comporte un zip entièrement fonctionnel sur la plupart des pressages originaux.

en raison de la construction unique du LP, caché sous la pochette est une deuxième impression de vraisemblablement le même modèle caleçon dépouillé agrémenté du nom de Warhol et de la ligne curieuse: « cette photographie peut ne pas être – etc., »On croyait généralement que le modèle était Jagger lui-même lors de la sortie du disque, mais on sait maintenant que ce n’est pas le cas.

En fait, l’identité de l’entrejambe du propriétaire reste un mystère. Et bien que seulement petit au verso du disque, Sticky Fingers était la première fois que le logo désormais emblématique de la langue et des lèvres des Rolling Stones avait été utilisé.,

Les Beatles Sgt pepper’s Lonely Hearts Club Band (1966, Parlophone/Capitol)

Avant de Sgt Pepper a été publié en 1967, les choses étaient sombres pour Les Beatles. Le groupe a annoncé en 1966 qu’ils se retireraient des concerts et il y avait des rumeurs de leur rupture. Le fait que les quatre membres aient pris une pause de trois mois n’a pas aidé à calmer les rumeurs.,

Mais les Fab Four se lanceraient alors dans leur projet le plus ambitieux – et celui qui allait battre des records de vente, bien qu’aucun single ne soit sorti pour le promouvoir. À sa sortie, la BBC a rapidement interdit la chanson A Day In The Life en raison de l’interprétation des paroles comme encourageant la consommation de drogue, avec les paroles, « 4,000 holes in Blackburn » pensé pour faire référence à des trous dans le bras d’un utilisateur de drogue. Bien que ces insinuations n’aient jamais été confirmées ou niées par le groupe, la réponse de Paul McCartney a été franche quand il a dit: « nous nous fichons qu’ils interdisent nos chansons. Cela pourrait aider le LP., »

Les Beatles ont inclus quelques choses avec la version vinyle pour rendre l’expérience d’écoute du ventilateur à la maison plus interactive. Sgt Pepper a été le premier LP rock à avoir les paroles de leurs chansons imprimées sur la couverture, avant cela, les magazines les imprimaient généralement. Les pressages originaux du vinyle sont également venus avec un morceau de carte avec de nombreuses découpes, y compris une moustache tombante, des rayures de sergent et un stand des quatre Beatles.,

Il y a eu un certain nombre de pressages vinyles colorés sortis au fil des ans, y compris en rouge, jaune, orange, une édition marbrée rose et grise uniquement au Canada ainsi qu’un picture disc présentant l’illustration emblématique de l’album.

Def Leppard – l’Hystérie (1987, Mercure/Phonogramme)

Si le 1983 de la Pyromanie avait Def Leppard y tremper les pieds dans de la pop des eaux, de l’Hystérie était un boulet de canon à la fin de profondeur., Depuis le début, le concept de l’album était resté le même – être une version hard rock de Thriller de Michael Jackson, sur lequel chaque piste pourrait être un single à succès – et en effet sept des 12 pistes étaient, un single de plus que Thriller. Avec un peu plus de 25 millions d’exemplaires vendus dans le monde, Hysteria reste le disque le plus vendu du groupe.

le quatrième disque turbocompressé de Def Leppard a tristement pris près de quatre ans à produire et à un coût légèrement inférieur à 5 millions de dollars., Avec un temps d’exécution d’environ 63 minutes, Hysteria a vraiment étiré les limites de la durée d’un album standard à l’époque – malheureusement pour les audiophiles, au détriment des pressages vinyles.

Plus d’une heure de musique est beaucoup trop pour se presser sur un seul plateau et conserver un niveau élevé de qualité audio. Les versions vinyles plus récentes de l’album remédient à cela en exécutant plus de deux LP, notamment la réédition de vinyle gatefold 30th anniversary, avec des pistes entièrement remastérisées sur une cire orange 180g étonnamment translucide.,

Neil Young – Harvest (1972, reprise)

lorsque Neil Young a sorti Harvest en 1972, il a été élevé au rang de nom familier, en grande partie à cause des chansons très acclamées heart of Gold et The Needle et the damage done. Le premier est plus facile à digérer et plus accrocheur; le second est plus sombre, plus sombre dans le ton et la production parce qu’il a été enregistré en direct, et aussi mieux., The Needle And the Damage Done, enregistré en concert à UCLA l’année précédente, était un hommage à ceux des amis de Young qui avaient succombé à une overdose d’héroïne, en particulier son précédent bassiste Danny Whitten. Il se termine soudainement, à mi-chemin d’une séquence d’accords, donnant à cet album autrement lisse un bord menaçant.

Les critiques N’ont pas donné à Harvest des critiques particulièrement bonnes au moment de sa sortie: certains ont estimé qu’il répétait un peu trop facilement la formule après la ruée vers l’or., Cependant, dans les années à venir, l’album a été reconnu comme un classique de tous les temps-même par les membres de Lynyrd Skynyrd, dont la chanson Sweet Home Alabama a été écrite en réponse à certains sentiments anti – Sudistes exprimés par Young dans la chanson Alabama.

les Eagles – Hotel California (1976, à l’Asile)

« Bienvenue à l’Hôtel de la Californie., »Sur le cinquième album studio des Eagles, ils ont évoqué l’hôtel allégorique comme un moyen de transmettre leur désillusion face au supposé « Rêve Américain » – juste le début d’un commentaire plus large sur la nature autodestructrice de l’industrie de la musique rock à l’époque, les États-Unis et le monde en général.,

incontestablement l’un des albums rock les plus emblématiques de tous les temps, Hotel California a valu au groupe un Grammy Award (Record de l’année pour la chanson-titre de l’album) et s’est vendu à plus de 30 millions d’exemplaires (le deuxième album le plus vendu des Eagles, après le succès de leurs plus grands succès (1971-1975).

Hotel California a marqué les débuts du groupe du guitariste Joe Walsh, ainsi que le dernier album avec le bassiste Randy Meisner., L’album a été enregistré aux Criteria Studios, en Floride, et Record Plant Studios, en Californie, avec le producteur Bill Szymczyk qui avait également travaillé sur le précédent disque des Eagles, One of These Nights. Les sessions d’enregistrement aux Criteria Studios ont souvent été perturbées par le bruit de Black Sabbath travaillant sur Technical Ecstasy dans le studio voisin.,

Led Zeppelin III (1970, de l’Atlantique)

En réalité, Led Zeppelin ont été guidés par Jimmy Page et personne d’autre – ce qui explique l’orientation Led Zeppelin III a pris. Alors que le premier album de Zep et le suivant, tous deux sortis en 1969, étaient essentiellement des LP de chansons hard rock avec quelques parties acoustiques ici et là, III était principalement débranché., Une ambiance plus calme, plus douce et plus détendue a imprégné le disque, elle-même aidée par le fait que Page et Robert Plant ont composé les chansons dans un chalet Gallois isolé appelé Bron-Yr-Aur. Sans eau courante ni électricité, le duo a sorti des guitares acoustiques, a commencé à écrire – et ce faisant a établi la grande tradition rock de « se réunir dans le pays ».

asseyez – vous dans votre pouf, enfilez des écouteurs et plongez dans la Coupe d’ouverture, Immigrant Song-la chanson la plus lourde de l’album., Le riff de guitare classique à base d’octave de Page sonne, tandis que Plant délivre le wail pour lequel il était déjà devenu célèbre. Friends est une chanson plus profonde, bien qu’elle soit largement acoustique: là où elle excelle, c’est avec son orchestration inhabituelle de cordes aux sonorités indiennes.

Nous sommes tous d’accord pour dire que Led Zeppelin III est un album magnifique de nos jours, mais les critiques ne l’ont tout simplement pas compris à l’époque. Ni assez lourd pour les headbangers ni assez progressif pour les fans de Jethro Tull, il est tombé entre deux tabourets, pensait-on. Comme ils avaient tort, et comme le recul est merveilleux.,

Fleetwood Mac – Rumeurs (1977, Warner Bros)

Sur leur 11e enregistrement, Fleetwood Mac conçu un doux-amer chef-d’œuvre alimentée par peut-être l’une des roches les plus infâmes des mélodrames. Sorti en 1977, the intensément personal Rumours est devenu le septième album studio le plus vendu de tous les temps avec plus de 45 millions d’exemplaires vendus dans le monde., Gagnant également le Grammy award de L’Album de l’année en 1978, ce disque emblématique présente non seulement le meilleur travail de Fleetwood Mac, mais aussi certaines des meilleures compositions de tous les temps.

le premier album comprend la cinquième incarnation du groupe – le duo du guitariste Lindsey Buckingham et du chanteur Stevie Nicks rejoignant Mick Fleetwood, Christine McVie et John McVie deux ans auparavant après le départ de Bob Welch., Une transition déclenchée sur la sortie éponyme de 1975, Rumours complète la progression de Fleetwood Mac d’un groupe de clichés blues à l’un des singles pop lumineux et l’écriture de chansons immaculées.

parmi la pléthore de reprises officielles et non officielles au cours des 40 dernières années, les audiophiles se délecteront de la version 2011 sortie pour le us Record Store Day, qui a été coupée à 45rpm sur un vinyle 180g lourd et remasterisée à partir des bandes analogiques originales pour obtenir une qualité audio maximale.,

L’expérience Jimi Hendrix – Êtes-vous Expérimenté (1967, track)

souvent considéré comme l’un des plus grands albums de tous les temps, et cimentant le statut de Guitar Hero original de Jimi Hendrix, are you experienced reste une étape importante dans l’histoire du rock plus de 50 ans après sa sortie.,

L’enregistrement de l’album a été fait entre un horaire chargé de performances live, bien que le trio ait notoirement posé des pistes entières avec un minimum de bruit. Plus particulièrement, The Wind Cries Mary aurait été enregistré en une seule prise n’ayant été écrit que la veille par Hendrix. On estime que l’album ne coûte pas plus de £1500 à produire.

la version originale Britannique du LP en mai 1967 comportait un mix mono, mais un mix stéréo a également été produit lorsque le disque a fait son chemin aux États-Unis en août de la même année., Il y a plusieurs différences entre les deux mixes, y compris un drumroll sur May This Be Love et le son de Hendrix tournant des pages de paroles qui ne sont pas audibles sur le mix mono.

Guns N’ Roses – appetite For Destruction (1987, Geffen)

À ce jour, Appetite For Destruction est le best-seller de l’album et l’un des albums les plus vendus de tous les temps., Guns N ‘ Roses a apporté un avantage à la musique rock à l’intérieur et à l’extérieur du studio qui n’avait pas été vu depuis les Rolling Stones.

Appetite For Destruction présente les singles Welcome To The Jungle, Sweet Child O’ Mine et Paradise City, qui ont tous atteint le top 10 des charts américains. L’ouverture de Welcome To The Jungle vous capture parfaitement en vous taquinant avec une guitare en écho léger avant de construire puis d’exploser dans le riff principal blues-grooving., Plutôt que d’avoir un côté A et un côté B, Appetite For Destruction a un côté G et R, avec le côté Guns mettant en vedette les chansons sur la drogue et la vie à Hollywood et le côté Roses composé de chansons sur l’amour et le sexe.

la version originale en vinyle avait une couverture différente de l’emblématique croix celtique avec le crâne de chaque membre du groupe. La première version du disque comportait des illustrations de Robert Williams représentant une femme agressée sexuellement par un robot et un monstre sur le point d’attaquer le robot. Les magasins ont refusé de stocker l’album et la maison de disques a remplacé l’illustration par celle que nous connaissons tous.,

la version avec l’œuvre interdite n’est pas difficile à trouver si vous regardez sur les sites d’enchères en ligne, mais vous devriez vous attendre à payer au moins le double de ce que vous le feriez pour le même album avec l’œuvre rééditée.

La réédition ridicule de Appetite For Destruction est également disponible dès maintenant, et ne manquera pas de plaire même aux audiophiles les plus férus de GNR… même si elle est exorbitante!,

Pink Floyd – le côté obscur de la Lune (1973, Harvest)

pink floyd avait toujours été expérimental dans son approche de la musique, mais le groupe voulait vraiment pousser l’enveloppe plus loin avec son nouveau projet et améliorer de manière appropriée les sons psychédéliques qui avaient si fortement figuré sur les albums précédents., Parallèlement à cela, le groupe a abordé la maladie mentale, la cupidité, le passage du temps et les conflits, qui figurent tous dans des chansons telles que Money, Us and Them et Brain Damage (qui était à l’origine connu sous le nom de Lunatic lors des sessions d’enregistrement et des performances live de l’album).

c’est sans doute l’un des morceaux les plus accessibles que le groupe a fait, et est devenu le point de départ idéal pour toute personne nouvelle au groupe. Il a influencé un grand nombre de groupes aussi divers que Radiohead, My Morning Jacket et The Flaming Lips, qui ont ré-imaginé l’album en 2009.,

donc, quand il s’agit du côté obscur de la Lune, La décision principale est quelle version devriez-vous opter? Un pressurage original de 1973 peut se vendre jusqu’à £250, tandis que la version américaine verra passer de £20. Un remaster sorti en 2009 par mobile Fidelity Sound Lab a le même prix que L’original américain, tandis que la version sortie pour célébrer le 30e anniversaire de l’album en 2003 est un peu plus chère, se vendant jusqu’à £100.

alternativement, vous pouvez simplement pop vers le bas votre emporium d’enregistrement local et ramasser la réédition 2016, qui est fortement recommandé.,

L’OMS – Quadrophenia (piste/MCA, 1973)

entièrement écrit par Pete Townshend, Quadrophenia suit l’adolescent Jimmy: un enfant inadapté qui peine à trouver sa place dans le monde – jusqu’à ce qu’il découvre le mouvement mod et les who. Fatigué de sa vie à la maison, de son travail sans issue et de ses relations avec ses amis et sa famille, il déménage de Londres à Brighton. Jimmy souffre de schizophrénie et a quatre personnalités, ce qui explique le titre de l’album., Chacune des personnalités reflète un membre du groupe, et explore un thème qui revient dans l’album. Quadrophenia a parlé aux adolescents de l’époque qui pouvaient se rapporter à son angoisse adolescente.

sur la version vinyle, inside the gatefold est un résumé de L’intrigue de Quadrophenia ainsi qu’un livret de photographies montrant Brighton et Londres pendant la scène mod, lorsque l’album a été mis en place.,

la Reine – Une Nuit À L’Opéra (EMI/Elektra, 1975)

Une Nuit À L’Opéra cimenté la Reine comme un nom de ménage et – pardonnez le jeu de mots – de la musique de la royauté. L’album présente la variété normale des genres de Queen, ainsi que l’expérimentation des sons et des techniques d’enregistrement. Il y a des morceaux qui sont rock tous azimuts, mais le groupe ne semble pas se prendre trop au sérieux dans leur musique., Prenez par exemple Seaside Rendezvous, où Freddie Mercury imite des instruments à vent en utilisant uniquement sa voix.

cependant, ils ont parfois des moments sérieux comme dans le morceau D’ouverture Death On Two Legs, qui serait une chanson de haine dirigée contre le manager original de Queen. Love Of My Life a été écrit par Mercury à propos de sa petite amie de l  » époque Mary Austin, mais Brian May réorganiserait plus tard la chanson et après la mort de Mercury, lui dédier lors de la lecture en direct.,

Vous ne pouvez pas parler d’une nuit à l’Opéra sans évoquer Bohemian Rhapsody, le single commercial le plus vendu de tous les temps au Royaume-Uni et l’une des chansons les plus connues du groupe. C’était aussi le single le plus cher à produire au moment de sa sortie, étant enregistré dans plusieurs studios et prenant plus de trois semaines à faire. Il a été deux fois la longueur de la plupart des célibataires et n’a reçu que des critiques mitigées à l’époque, si vous pouvez le croire.,

maintenant, c’est l’une des chansons de rock les plus connues de tous les temps; elle a dominé les charts du monde entier et reste un choix populaire auprès des chanteurs de karaoké ivres du monde entier.