Le Sacre du printemps D’Igor Stravinsky – Le troisième ballet que Stravinsky a composé pour les Ballets Russes de Sergei Diaghilev, après L’Oiseau de feu (1910) et Petrouchka (1911) – a été écrit pour la saison parisienne de 1913, et créée il y a un peu plus de Cent Ans, le 29 mai, dans le tout nouveau théâtre des Champs-Élysées., Le centenaire de cette création la plus notoire est l’occasion de nombreuses célébrations: de nouvelles représentations, des revivals et des festivals qui s’étendront tout au long de l’année prochaine. Le Théâtre des Champs-Élysées accueille une gamme de spectacles de ballet et d’orchestre, dans un programme dirigé par le ballet Mariinsky de Saint-Pétersbourg. À Moscou, quatre chorégraphies de L’œuvre ont été présentées par le ballet du Bolchoï au cours des deux derniers mois; leur interprétation de L’interprétation de Pina Bausch devrait voyager dans le monde entier., Le Barbican et le Southbank Centre de Londres offriront des représentations orchestrales de la musique de Stravinsky. Carolina Performing Arts à Chapel Hill ont consacré l’année suivante à diverses projections de l’œuvre.

à Amsterdam, dans le cadre du Holland Festival, le chorégraphe D’origine chinoise Shen Wei a produit une nouvelle version pour het nationale Ballet. La Fondation Paul Sacher de Bâle – qui abrite les archives Stravinsky – et Boosey & Hawkes publient une édition centenaire en trois volumes comprenant des essais et un fac-similé annoté de la partition., À Zurich, David Zinman – qui a étudié et été l’assistant de Pierre Monteux, le chef d’Orchestre Du Sacre Du Printemps-explorera les facettes musicales et littéraires du Sacre avec L’Orchestre de la Tonhalle les 8 et 9 juin. C’est quelque chose de cette entreprise que cette pièce tentera également: une exploration des courants culturels en Russie, centrée sur les conceptions de l’Orient, qui a conduit au développement du Sacre Du Printemps.,

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l’influence de l’art asiatique sur l’art russe, en particulier dans le domaine de la musique, est devenue de plus en plus évidente à partir du milieu du XIXe siècle. La musique folklorique russe n’était que récemment devenue le sujet d’étude, avec la première collection de chansons folkloriques russes rassemblées par Nikolai Nikolai Lvov et Ivan Prach en 1790, mais pour Mikhail Glinka, le père de la musique classique russe, la tradition folklorique avait formé une partie indélébile de son enfance à Smolensk., Dans Ruslan et Lyudmila (1842), un opéra en cinq actes basé sur le poème de Pouchkine, Glinka a incorporé des mélodies folkloriques avec des éléments connexes de chromatisme et de dissonance, devenant crédité pour la création d’un son unique russe qui partageait des caractéristiques avec la musique de l’est. Suivant L’exemple de Glinka, Mily Balakirev a commencé à combiner des motifs folkloriques avec le corps reçu de la musique classique européenne.,

promouvoir une manière nationale, utilisant des rythmes syncopés, dans la danse de Natasha: une histoire culturelle de la Russie Orlando Figes soutient que L’innovation clé de Balakirev a été l’introduction dans la musique russe de l’échelle pentatonique. La gamme pentatonique a cinq notes par octave, contrairement à la gamme heptatonique, qui en a sept et caractérise une grande partie de la musique européenne de l’époque de la pratique courante entre 1600 et 1900. Bien que l’échelle pentatonique ait été diversement utilisée, elle est importante dans la musique D’Asie du Sud-Est, et est une facette de nombreuses chansons folkloriques chinoises et vietnamiennes., Figes affirme que Balakirev a dérivé son utilisation de l’échelle pentatonique de ses transcriptions de chansons folkloriques caucasiennes, et écrit que cette innovation a donné à la « musique russe sa » sensation orientale  » si distincte de la musique occidentale. L’échelle pentatonique serait utilisée de manière frappante par tous les compositeurs russes qui ont suivi, de Rimski-Korsakov à Stravinsky.,

Balakirev était le membre principal du groupe de compositeurs comprenant également Modest Moussorgsky, Alexander Borodin, Nikolai Rimsky-Korsakov et César Cui – connus sous les noms de The Five, The Mighty Handful et The kuchkists, « handful » en russe étant « kuchka » (кучка). Au-delà des prouesses techniques de Balakirev, la force philosophique centrale sur ce groupe était Vladimir Stasov, qui en tant que critique a transmis sans relâche une école nationale des arts russes., Le Roi Lear de Balakirev (1861), les tableaux de Moussorgski à une exposition (1874), et Sadko de Rimski-Korsakov (le nom d’un poème tonal de 1867 et pour l’Opéra de 1896) et Schéhérazade (1888) étaient tous dédiés à Stasov.

à partir des années 1860, Stasov a étudié et écrit une série d’études démontrant comment l’influence de l’Orient était  » manifeste dans tous les domaines de la culture russe: dans la langue, les vêtements, les coutumes, les bâtiments, les meubles et les objets d’usage quotidien, dans les ornements, dans les mélodies et les harmonies, et dans tous nos, Son étude approfondie des byliny, poèmes narratifs épiques russes traditionnels, l’a amené à conclure:

‘ces contes ne se déroulent pas du tout dans la terre russe, mais dans un climat chaud D’Asie ou de l’est, rien ne suggère le mode de vie russe – et ce que nous voyons à la place est la steppe’

poser l’influence de l’Orient était une chose, mais affirmer que ces poèmes traditionnels russes n’étaient en fait pas russes, et avaient plutôt pris naissance entièrement ailleurs, a attiré pour Stasov des critiques considérables., Alors que l’art russe négociait ses relations avec l’art asiatique à travers les années 1800, le débat s’est mêlé à d’autres mouvements culturels et événements politiques., Il y a eu l’émergence de l’orientalisme après L’annexion de la Crimée par la Russie en 1783, et alors que la guerre du Caucase se poursuivait entre 1817 et 1864, ce qui a donné aux Russes une nouvelle appréciation du Sud et a poussé Lermontov a Hero of Our Time; l’influence persistante de l’Europe occidentale, encouragée dans la littérature par le critique Vissarion Belinsky et dans la musique par Anton Rubinstein; et le slavophilisme, qui s’opposait à la prédominance de l’Occident, cherchant plutôt une Russie vraiment distincte enracinée dans un sens de son propre passé., Le slavophilisme a pris de l’ampleur après la guerre de Crimée de 1853-1856, que la Russie a perdue face à une alliance des empires britannique, français et Ottoman. Il était inextricablement lié à la religion orthodoxe russe, portait le mouvement pochvennichestvo « sol indigène » connexe, et impliqué de différentes manières Nikolai Gogol et Fiodor Dostoïevski.

ces complexités sont résumées dans une pièce de Dostoïevski publiée dans A Writer’s Dairy – un périodique qu’il a écrit et édité, contenant des essais polémiques et de courtes fictions occasionnelles – en 1881., Dostoïevski, un ardent Slavophile pendant une grande partie de la seconde moitié de sa vie, plaide pour le progrès de la Russie à travers un engagement avec L’Asie qui, en même temps, revitalisera les liens tendus de la Russie avec L’Europe:

 » il nous est difficile de nous détourner de notre fenêtre sur l’Europe; mais C’est une question de notre destin quand nous nous tournons vers L’Asie, avec notre nouvelle vision d’elle, quelque chose de la même sorte peut nous arriver que ce qui est arrivé à L’Europe quand L’Amérique a été découverte., Avec notre poussée vers L’Asie, nous aurons un regain d’esprit et de force en Europe, nous étions des cintres et des esclaves, tandis qu’en Asie, nous serons les maîtres. En Europe, nous étions Tatars, alors qu’en Asie, nous pouvons être européens.’

c’est le long contexte du Sacre Du Printemps. Les symbolistes qui allaient atteindre un « âge D’argent » de la littérature russe ont été élevés sur un curieux mélange d’orientalisme, de contes populaires, de littérature européenne, de leurs ancêtres russes et de certains de ces philosophes et mystiques qui étaient le produit de l’atmosphère religieuse entêtante qui faisait tant partie du slavophilisme., Le philosophe Vladimir Soloviev – un ami proche de Dostoïevski – a été caractérisé par D. S. Mirsky comme « le premier penseur Russe à séparer le christianisme mystique et orthodoxe des doctrines du slavophilisme », établissant ainsi une métaphysique en dehors du sentiment nationaliste. Mirsky dépeint Soloviev comme penchant vers Rome en matière de théologie, et politiquement comme un libéral Occidentalisant. Pourtant, lui aussi était fasciné par l’Orient., Une figure importante pour Andreï Bely-que Mirsky place aux côtés de Gogol et Soloviev comme les trois »figures les plus complexes et les plus déconcertantes de la littérature russe » – et pour Alexander Blok, les Scythes de Blok prend pour épigraphe deux lignes du poème de Soloviev de 1894 « Pan-Mongolism », qui se lisait:

 » Pan-Mongolism! Ce qu’un sauvage nom! /Pourtant, c’est de la musique à mes oreilles  »

Les Scythes était le dernier poème majeur de Blok, achevé au début de 1918, le même mois que les douze., Mirsky l’appelle une écriture éloquente, mais « à un niveau tout à fait inférieur » par rapport au « génie musical » des douze. Pourtant, les conceptions des Scythes, qui les présentent généralement comme les ancêtres de la Russie contemporaine, étaient si répandues dans les années 1910 qu’un groupe d’écrivains symbolistes, y compris Bely, Blok et Razumnik Ivanov-Razumnik, ont commencé à se définir comme « Scythes ».,

en tant que groupe ethnographique, les scythes étaient ces tribus nomades de langue iranienne qui habitaient les steppes eurasiennes autour des mers Noire et Caspienne entre le huitième et le premier siècle avant JC. Hérodote a écrit à leur sujet dans le livre IV des histoires, croyant qu’après avoir combattu avec les Massagetae, ils ont quitté L’Asie et sont entrés dans la péninsule de Crimée. Dans la littérature, « Scythe » était devenu un terme péjoratif pour décrire les gens sauvages et non civilisés., Shakespeare fait référence à « Le Barbare Scythe » dans le Roi Lear, tandis Qu’Edmund Spenser a cherché à déclamer les Irlandais en postulant qu’eux et les Scythes partageaient une descendance commune.

Alexandre Pouchkine a utilisé le terme plus chaleureusement dans sa poésie, écrivant « maintenant la tempérance n’est pas appropriée / je veux boire comme un Scythe sauvage », et dans la Russie de la fin du XIXe siècle, il est venu à être utilisé pour déduire les qualités du peuple russe qui les ont marqués à part des Européens de l’Ouest., Encouragé par les fouilles archéologiques à grande échelle de kourganes Scythes entreprises par Ivan Zabelin et Nikolai Veselovsky, qui s’étendaient des rives du Dniepr dans L’Ukraine moderne à travers L’Asie centrale à la Sibérie, un héritage partagé avec les Scythes a été émis l’hypothèse que « Scythian » est devenu un mot pour le passé ancien de la Russie, pour le caractère russe, l’altérité russe, et donc aussi pour l’avenir de la Russie.,

soulignant le confluent des influences orientales Dans Le Sacre Du Printemps, Orlando Figes soutient que le ballet de Stravinsky doit être considéré comme une manifestation de cet intérêt pour toutes les choses Scythes. Le peintre Nicholas Roerich avait initialement suivi une formation d’archéologue et, en 1897, il a travaillé sous Veselovsky lors des fouilles du Kurgan de Maikop dans le sud de la Russie. Le Maikop kurgan a été daté aussi loin que le troisième millénaire avant JC, et a révélé deux sépultures, contenant de riches artefacts, y compris une figurine de taureau en or., Adepte de Stasov, Lorsqu’il conçut une série de peintures inspirées de ses études archéologiques et représentant les premiers Slaves, Roerich demanda conseil à Stasov en matière de détails ethnographiques. Stasov lui a conseillé que partout où il y avait un manque de preuves locales, il était approprié d’emprunter des détails artistiques et culturels à l’Est puisque:

‘L’Orient ancien signifie L’ancienne Russie: les deux sont indivisibles.,’

bien que son orientalisme et les spécificités de son parcours ne correspondent pas entièrement à la vision plus cosmopolite du groupe, Roerich noue une relation étroite avec le monde de L’Art de Sergei Diaghilev. Il a conçu les décors des Danses polovtsiennes, un ballet extrait de L’Opéra Prince Igor de Borodine avec une chorégraphie de Michel Fokine, présenté lors de la première saison des Ballets Russes à Paris en 1909. Il travailla ensuite avec Stravinsky pour concevoir le concept, le décor et les costumes du Sacre Du Printemps.

L’idée du Sacre du Printemps a émergé en 1910., Petrouchka a été créé un an plus tard, deux ans avant le Sacre du printemps, et était le produit d’une sensibilité légèrement différente. Diaghilev est rapidement devenu la figure de proue du mouvement – en raison de son appétit pour la connaissance, de sa capacité à synthétiser les arts et d’une personnalité entrepreneuriale qui a conduit à la publication de la revue du même nom à partir de 1899 – mais le monde de l’Art, en russe Mir iskusstva (Мир кскусств), comprenait à l’origine un groupe D’étudiants Pétersbourgeois autour D’Alexandre Benois et de Léon Bakst., Mirsky décrit Benois comme:

‘le plus grand Européen de la Russie moderne, la meilleure expression de l’esprit occidental et Latin. Il a également été la principale influence dans la relance du culte de la métropole du Nord et dans la redécouverte de sa beauté architecturale, si longtemps cachée par des générations de barbarie artistique, mais il n’a jamais été aveugle à l’art russe, et dans son œuvre, L’occidentalisme et le slavophilisme étaient plus que jamais les deux têtes d’un,’

le monde de l’Art incarnait ces deux pôles et faisait partie d’une avant-garde énergique et diversifiée en Russie dans la première décennie des années 1900. cette avant-garde comprenait les symbolistes en littérature et Alexandre Scriabine en musique, un compositeur influent qui expérimentait les formes atonales et était très aimé de Stravinsky. À la suite des succès de Diaghilev dans la mise en scène de l’opéra et de la musique russes à Paris vers la fin de la décennie, il forme Les Ballets Russes., Bakst a produit les décors de L’adaptation de Schéhérazade par la compagnie en 1910, tandis que Benois a conçu les décors de plusieurs de ses premières productions. Son influence était particulièrement forte envers Petrouchka. Mirsky suggère que non seulement la scénographie, mais l’idée même du ballet « appartient à Benois, et une fois de plus il y a révélé son grand amour pour sa ville natale de Pétersbourg dans tous ses aspects, classique et populaire ». Schéhérazade et Petrouchka ont de nouveau été chorégraphiés par Fokine.,

Lorsqu’il s’agit de situer la genèse du Sacre Du Printemps, Richard Taruskin et Lawrence Morton ont affirmé l’influence sur Stravinsky du recueil de poésie mythologique Yar de Sergey Gorodetsky, publié en 1907. Stravinsky a mis en musique deux des Poèmes de Yar entre 1907 et 1908, avec un autre poème représentant le sacrifice d’une jeune fille au dieu soleil Yarilo. Stravinsky affirmera plus tard que l’idée du ballet lui est venue comme une vision, d’un « rite païen solennel » dans lequel une fille dansait elle-même jusqu’à la mort pour le dieu du printemps.,

la propre vision de Yar et Stravinsky pour le ballet semble certainement avoir changé le cours du Sacre du printemps, mais Figes soutient que le concept était à L’origine de Roerich, et que « Stravinsky, qui était assez connu pour de telles distorsions, l’a revendiqué plus tard comme étant le sien ». Thomas F. Kelly, écrivant une histoire de la première du ballet, a soutenu à peu près la même chose.

en 1898, Roerich avait publié des preuves de sacrifice humain chez les Scythes, et dans un essai de 1909 ‘Joy in Art’, il décrivait les anciens rituels sacrificiels Slaves., Il avait étudié Hérodote et avait dessiné un buste de l’historien en 1893, tandis qu’en plus du Yar de Gorodetsky, il semble s’être inspiré de la chronique primaire, un récit du XIe siècle des premières coutumes Kiéviennes, et de la vision poétique de la nature D’Alexandre Afanasiev, une étude du folklore et du paganisme publiée entre 1866 et 1869. En rassemblant ces différentes sources, Roerich a initialement conçu un rituel du milieu de l’été basé sur les festivités de Kupala, qui sont célébrées début juillet., Comme Francis Maes l’a noté, en août 1910 Roerich a déclaré:

‘le nouveau ballet donnera une série d’images de la nuit sainte chez les anciens Slaves L’action commencera par une nuit d’été et se terminera immédiatement avant le lever du soleil, lorsque les premiers rayons commenceront à apparaître. »

Stravinsky et Roerich se rencontrant à partir de mai 1910 pour discuter du ballet à venir, ils s’accordent rapidement sur un titre provisoire, « le grand Sacrifice ». Stravinsky a passé une grande partie de l’année suivante à travailler sur Petrushka., Puis en juillet 1911, il visite Roerich à Talashkino, une colonie d’artistes présidée par la princesse patronne Maria Tenisheva, où le scénario du Rite – « une succession d’actes rituels » – est entièrement tracé. Pendant que Stravinsky composait le ballet, Roerich travaillait sur les décors et les costumes, riches en détails ethnographiques, puisant dans ses travaux archéologiques, dans les ornements russes médiévaux et dans les collections de tenues paysannes traditionnelles de Tenisheva.

Le Sacre du printemps est créé au Théâtre des Champs-Élysées le 29 mai 1913., La controverse de la création du ballet a souvent été véhiculée comme celle de Stravinsky. il a écrit dans son autobiographie que certains membres du public se moquaient des premières mesures de sa partition, qui s’appuyait sur des chansons folkloriques lituaniennes, et que l’orchestre était jonché de projectiles pendant qu’ils jouaient. Cependant, d’autres critiques ont présenté les costumes de Roerich comme l’aspect le plus choquant du ballet. Et d’autres encore, y compris le compositeur Alfredo Casella, ont estimé que C’était la chorégraphie de Vaslav Nijinsky qui a le plus soulevé l’ire du public., Figes écrit:

‘la musique était à peine entendue dans L’agitation que Nijinsky avait chorégraphié des mouvements laids et anguleux. Tout dans les mouvements des danseurs soulignait leur poids au lieu de leur légèreté, comme l’exigeaient les principes du ballet classique. Rejetant toutes les positions de base, les danseurs rituels avaient les pieds tournés vers l’intérieur, les coudes serrés sur les côtés de leur corps et leurs paumes maintenues à plat, comme les idoles en bois qui étaient si importantes dans les peintures mythiques de Roerich sur la Russie scythique., »

Nijinsky était l’un des principaux danseurs des Ballets Russes depuis la saison inaugurale de 1909. Sa première entreprise chorégraphique est l’après-midi d’un faune, sur une musique de Debussy, créée en 1912. La chorégraphie de Nijinsky pour le ballet a été controversée, car parmi les réponses mitigées à la première, Gaston Calmette du Figaro a écrit, dans une critique dédaigneuse à la Une, « on nous montre un faune lubrique, dont les mouvements sont sales et bestiaux dans leur érotisme, et dont les gestes sont aussi grossiers qu’indécents »., La deuxième œuvre chorégraphique de Nijinsky, toujours après Debussy, est Jeux, créée quelques semaines avant le Sacre du printemps.

Nijinsky et Diaghilev étaient devenus amants après leur première rencontre en 1908. À la suite du mariage de Nijinsky avec Romola de Pulszky en septembre 1913, alors que les Ballets Russes – en l’absence de Diaghilev – font une tournée en Amérique du Sud, Diaghilev renvoie Nijinsky de sa compagnie. Il a reconduit Michel Fokine comme chorégraphe principal, bien que sentant que Fokine avait perdu son originalité. Fokine a refusé d’exécuter une chorégraphie de Nijinsky., Un Stravinsky désespéré écrivit à Benois:

‘la possibilité est passée depuis quelque temps de voir quelque chose de précieux dans le domaine de la danse et, plus important encore, de revoir cette progéniture à moi.

lorsque Fokine retourne en Russie au début de la Première Guerre mondiale, Diaghilev commence à négocier le retour de Nijinsky aux Ballets Russes. Mais Nijinsky a été pris au piège à Vienne, un ennemi russe en résidence surveillée, et sa libération n’a été obtenue qu’en 1916., Cette année-là, Nijinsky a chorégraphié un nouveau ballet, Till Eulenspiegel, et sa danse a été acclamée, mais il montrait de plus en plus de signes de la schizophrénie qui régnera le reste de sa vie, et il s’est retiré en Suisse avec sa femme en 1917. Sans Nijinsky, les Ballets Russes sont incapables de relancer sa chorégraphie pour le Sacre du printemps. Cette chorégraphie a été considérée comme perdue jusqu’en 1987, lorsque le Joffrey Ballet De Los Angeles a effectué une reconstruction basée sur des années de recherche minutieuse., Pendant ce temps, après la première de 1913, Stravinsky continuera à réviser sa partition au cours des trente années suivantes.

Nicholas Roerich est peut-être mieux connu aujourd’hui pour ses propres peintures, et en tant que guide spirituel et activiste culturel. Son intérêt pour la religion orientale et pour la Bhagavad Gita a prospéré dans les années 1910, largement inspiré par sa lecture de la poésie de Rabindranath Tagore. Émigré à Londres en 1919, puis aux États-Unis en 1920, Roerich et sa famille entreprennent en 1925 une expédition de cinq ans à travers la Mandchourie et le Tibet., Il a été nominé plusieurs fois pour le prix Nobel de la paix, tandis que le Pacte Roerich – un traité interaméricain signé à Washington en 1935-établissait légalement la préséance du patrimoine culturel sur la défense militaire. Son art et sa vie sont célébrés par le Nicholas Roerich Museum, qui détient plus de 200 de ses peintures, situé dans L’Upper West Side de Manhattan.

Figes, O. Natasha Danse: Une Histoire Culturelle de la Russie (Londres, Penguin, 2003)

Gibian, G. (ed.) Le lecteur russe portable du XIXe siècle (Penguin, 1993)

Kelly, T. F., Les premières nuits: cinq premières musicales (Yale University Press, 2001)

Maes, F. A History of Russian Music: From Kamarinskaya to Babi Yar (University of California Press, 2002)

Mirsky, D. S. A History of Russian Literature (Londres; Routledge & Kegan Paul, 1968)

Taruskin, il S’agit de L’un des plus grands succès de L’Histoire de la Russie.