la musique baroque se caractérise par l’utilisation de contrepoint tonal complexe et l’utilisation d’une basse continue, une ligne de basse continue., La musique est devenue plus complexe par rapport aux chansons simples de toutes les périodes précédentes. Les débuts de la forme sonate ont pris forme dans la canzona, tout comme une notion plus formalisée du thème et des variations. Les tonalités du majeur et du mineur comme moyens de gestion de la dissonance et du chromatisme en musique ont pris toute leur forme.

au cours de l’ère Baroque, la musique pour clavier jouée sur le clavecin et l’orgue à tuyaux est devenue de plus en plus populaire, et la famille des instruments à cordes pour violon a pris la forme généralement observée aujourd’hui., L’opéra en tant que drame musical mis en scène a commencé à se différencier des formes musicales et dramatiques antérieures, et les formes vocales comme la cantate et l’oratorio sont devenues plus courantes. Les chanteurs pour la première fois commencé à ajouter des notes supplémentaires à la musique.

Les théories entourant le tempérament égal ont commencé à être mises en pratique plus largement, d’autant plus qu’elles permettaient un plus large éventail de possibilités chromatiques dans les instruments à clavier difficiles à accorder. Bien Que J. S., Bach n’a pas utilisé le tempérament égal, comme un piano moderne est généralement accordé, les changements dans les tempéraments du système meantone, commun à l’époque, à divers tempéraments qui rendaient la modulation entre toutes les touches musicalement acceptable, ont rendu possible son Clavier bien tempéré.

Les instruments baroques comprenaient des instruments des périodes antérieures (par exemple, la vielle à roue et la flûte à bec) et un certain nombre de nouveaux instruments (par exemple, le hautbois, le basson, le violoncelle, la contrebasse et le pianoforte). Certains instruments des époques précédentes sont tombés en désuétude, tels que le shawm, le cittern, le rackett et le cornet en bois., Les principaux instruments baroques pour cordes comprenaient le violon, la viole, l’Alto, la viole d’amour, le violoncelle, la contrebasse, le luth, le théorbe (qui jouait souvent les parties de basse continue), la mandoline, la guitare Baroque, la harpe et la vielle à roue. Les bois comprenaient la flûte Baroque, le hautbois Baroque, la flûte à bec et le basson. Les cuivres comprenaient le cornett, le cor naturel, la trompette naturelle, le serpent et le trombone. Les instruments à clavier comprenaient le clavicorde, le piano tangent, le clavecin, l’orgue à tuyaux et, plus tard dans la période, le pianoforte (une première version du piano)., Les instruments de Percussion comprenaient la timbale, la caisse claire, le tambourin et les castagnettes.

Une différence majeure entre la musique Baroque et l’ère classique qui a suivi est que les types d’instruments utilisés dans les ensembles baroques étaient beaucoup moins standardisés. Un ensemble Baroque pourrait comprendre l’un des différents types d’instruments à clavier (p. ex., orgue à tuyaux ou clavecin), des instruments à cordes supplémentaires (p. ex., un luth), des cordes à archet, des bois et des cuivres, et un nombre indéterminé d’instruments de basse interprétant la basse continue,(p. ex.,, un violoncelle, contrebasse, alto, basson, serpent, etc.).

Les développements vocaux à l’époque Baroque comprenaient le développement de types d’Opéra tels que l’opera seria et l’opéra comique, et de formes connexes telles que les oratorios et les cantates.

parmi les compositeurs importants de cette époque figurent Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Haendel, Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Barbara Strozzi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully et Heinrich Schütz.,

Classique eraEdit

bien que le terme « musique classique » englobe toute la musique artistique occidentale de l’époque médiévale aux années 2000, l’ère classique était la période de la musique artistique occidentale des années 1750 au début des années 1820-l’ère de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven.,

L’ère classique a établi de nombreuses normes de composition, de présentation et de style, et c’est aussi lorsque le piano est devenu l’instrument à clavier prédominant. Les forces de base requises pour un orchestre sont devenues quelque peu standardisées (bien qu’elles augmenteraient à mesure que le potentiel d’un plus large éventail d’instruments se développerait au cours des siècles suivants). La musique de chambre s’est développée pour inclure des ensembles avec jusqu’à 8 à 10 interprètes pour des sérénades. L’Opéra continue de se développer, avec des styles régionaux en Italie, en France et dans les pays germanophones., L’Opéra buffa, une forme d’opéra comique, a gagné en popularité. La symphonie a pris sa forme musicale, et le concerto a été développé comme un véhicule pour des démonstrations d’habileté de jeu virtuose. Les orchestres n’ont plus besoin d’un clavecin (qui faisait partie du continuo traditionnel dans le style Baroque), et sont souvent dirigés par le violoniste principal (maintenant appelé le violon solo).

Les Musiciens de L’époque classique ont continué à utiliser de nombreux instruments de l’époque Baroque, tels que le violoncelle, la contrebasse, la flûte à bec, le trombone, les timbales, le pianoforte (précurseur du piano moderne) et l’orgue., Alors que certains instruments baroques sont tombés en désuétude (par exemple, le théorbe et rackett), de nombreux instruments baroques ont été changés dans les versions qui sont encore en usage aujourd’hui, comme le violon Baroque (qui est devenu le violon), le hautbois Baroque (qui est devenu le hautbois) et la trompette Baroque, qui est passée à la trompette à À l’époque classique, les instruments à cordes utilisés dans l’orchestre et la musique de chambre tels que les quatuors à cordes ont été standardisés comme les quatre instruments qui forment la section de cordes de l’orchestre: le violon, l’Alto, le violoncelle et la contrebasse., Les instruments à cordes de l’époque Baroque tels que les violes frettées et à archet ont été progressivement éliminés. Les bois comprenaient la clarinette de basset, le cor de basset, la clarinette d’amour, la clarinette classique, le chalumeau, la flûte, le hautbois et le basson. Les instruments à clavier comprenaient le clavicorde et le pianoforte. Alors que le clavecin était encore utilisé dans l’accompagnement de basse continue dans les années 1750 et 1760, il est tombé en désuétude à la fin du siècle. Les cuivres comprenaient le buccin, l’ophicleide (un remplacement du serpent basse, qui était le précurseur du tuba) et le cor naturel.,

Les instruments à vent sont devenus plus raffinés à l’époque classique. Alors que les instruments à anche double comme le hautbois et le basson sont devenus quelque peu standardisés dans le Baroque, la famille des anches simples pour clarinette n’a pas été largement utilisée jusqu’à ce que Mozart élargisse son rôle dans les arrangements orchestraux, de chambre et de concerto.

Les principaux compositeurs de cette période comprennent Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi, Antonio Salieri et Johann Nepomuk Hummel.,

ère Romantiquemodifier

la musique de l’ère romantique, de la première décennie du 19e siècle au début du 20e siècle, était caractérisée par une attention accrue à une ligne mélodique étendue, ainsi qu’à des éléments expressifs et émotionnels, parallèlement au romantisme, Les formes musicales ont commencé à rompre avec les formes de l’époque classique (même si celles-ci étaient codifiées), avec des pièces de forme libre comme nocturnes, fantaisies et préludes étant écrites où les idées acceptées sur l’exposition et le développement des thèmes ont été ignorées ou minimisées. La musique est devenue plus chromatique, dissonante et tonalement colorée, avec des tensions (par rapport aux normes acceptées des formes plus anciennes) sur les signatures clés augmentant. La chanson d’art (ou Lied) est arrivée à maturité à cette époque, tout comme les gammes épiques du grand Opéra, finalement transcendées par le cycle de L’anneau de Richard Wagner.,

Au 19ème siècle, les institutions musicales ont émergé du contrôle de riches mécènes, car les compositeurs et les musiciens pouvaient construire des vies indépendantes de la noblesse. L’intérêt croissant pour la musique par les classes moyennes croissantes dans toute l’Europe occidentale a stimulé la création d’organisations pour l’enseignement, la performance et la préservation de la musique. Le piano, qui a atteint sa construction moderne à cette époque (en partie grâce aux progrès industriels de la métallurgie) est devenu très populaire auprès de la classe moyenne, dont les exigences pour l’instrument ont stimulé de nombreux constructeurs de pianos., De nombreux orchestres symphoniques datent leur fondation à cette époque. Certains musiciens et compositeurs étaient les stars de l’époque; certains, comme Franz Liszt et Niccolò Paganini, remplissaient les deux rôles.

Les idées et institutions culturelles européennes ont commencé à suivre l’expansion coloniale dans d’autres parties du monde. Il y avait aussi une montée, surtout vers la fin de l’époque, du nationalisme dans la musique (faisant écho, dans certains cas, aux sentiments politiques de l’époque), car des compositeurs tels que Edvard Grieg, Nikolai Rimsky-Korsakov et Antonín Dvořák faisaient écho à la musique traditionnelle de leur pays natal dans leurs compositions.,

À l’époque Romantique, le piano moderne, avec un plus puissant, ton soutenu et une gamme plus large a pris la relève de la plus délicate à consonance pianoforte. Dans l’orchestre, les instruments et sections classiques existants ont été conservés (section de cordes, bois, cuivres et percussions), mais ces sections ont généralement été élargies pour créer un son plus complet et plus grand. Par exemple, tandis qu’un orchestre Baroque possible d’avoir deux contrebassistes, un orchestre Romantique pourrait avoir que dix., « À mesure que la musique devenait plus expressive, la palette orchestrale standard n’était tout simplement pas assez riche pour de nombreux compositeurs romantiques. »

les familles d’instruments utilisés, en particulier dans les orchestres, se sont élargies; un processus qui a culminé au début du 20e siècle avec de très grands orchestres utilisés par les compositeurs romantiques et modernistes tardifs. Un plus large éventail d’instruments de percussion a commencé à apparaître. Les cuivres ont joué des rôles plus importants, car l’introduction de soupapes rotatives leur a permis de jouer une plus large gamme de notes., La taille de l’orchestre (généralement autour de 40 à l’époque classique) est passée à plus de 100. La Symphonie No 8 de Gustav Mahler de 1906, par exemple, a été jouée avec plus de 150 instrumentistes et plus de 400 chœurs. De nouveaux instruments à vent ont été ajoutés, tels que le contrebasson, la clarinette basse et le piccolo, et de nouveaux instruments à percussion ont été ajoutés, notamment des xylophones, des caisses claires, des célestas (un instrument à clavier ressemblant à une cloche), des cloches et des triangles, de grandes harpes orchestrales et même des machines à vent pour les effets sonores., Les Saxophones apparaissent dans certaines partitions à partir de la fin du XIXe siècle, généralement présentés comme un instrument solo plutôt que comme faisant partie intégrante de l’orchestre.

Le tuba Wagner, un membre modifié de la famille des cor, apparaît dans le cycle Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner. Il joue également un rôle de premier plan dans la Symphonie No 7 en Mi Majeur D’Anton Bruckner et est également utilisé dans plusieurs œuvres romantiques et modernistes tardives de Richard Strauss, Béla Bartók et d’autres Cornets apparaissent régulièrement dans les partitions du XIXe siècle, aux côtés des trompettes qui étaient considérées comme moins agiles, au moins jusqu’à la fin du,

parmi les compositeurs éminents de cette époque figurent Piotr Ilitch Tchaïkovski, Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Franz Liszt, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Johannes Brahms, Edvard Grieg et Johann Strauss II. Gustav Mahler et Richard Strauss sont généralement considérés comme des compositeurs de transition dont la musique combine à la fois des éléments romantiques tardifs et,

20e et 21e sièclesModifier

ère Modernistemodifier

englobant une grande variété de styles post-romantiques, la musique classique moderniste comprend des styles de composition romantique tardif, impressionniste, expressionniste et néoclassique., Le modernisme a marqué une époque où de nombreux compositeurs ont rejeté certaines valeurs de la période de pratique courante, telles que la tonalité traditionnelle, la mélodie, l’instrumentation et la structure. Certains historiens de la musique considèrent le modernisme musical comme une époque s’étendant d’environ 1890 à 1930. D’autres considèrent que le modernisme a pris fin avec l’une ou l’autre des deux guerres mondiales. D’autres encore affirment que le modernisme n’est associé à aucune époque historique, mais est plutôt « une attitude du compositeur; une construction vivante qui peut évoluer avec le temps »., Malgré son déclin dans le dernier tiers du XXe siècle, il restait à la fin du siècle un noyau actif de compositeurs qui continuaient à faire avancer les idées et les formes du modernisme, tels que Pierre Boulez, Pauline Oliveros, Toru Takemitsu, George Benjamin, Jacob Druckman, Brian Ferneyhough, George Perle, Wolfgang Rihm, Richard Wernick, Richard Wilson et Ralph Shapey.

deux mouvements musicaux dominants à cette époque sont l’impressionniste qui commence vers 1890 et l’expressionniste qui commence vers 1908., Ce fut une période de réactions diverses dans la remise en question et la réinterprétation des anciennes catégories de musique, des innovations qui conduisent à de nouvelles façons d’organiser et d’aborder les aspects harmoniques, mélodiques, sonores et rythmiques de la musique, et des changements dans les visions du monde esthétiques en relation étroite avec la période plus large identifiable du modernisme dans Le mot qui lui est le plus associé est « innovation ». Sa principale caractéristique est une « pluralité linguistique », c’est-à-dire qu’Aucun genre musical n’a jamais occupé une position dominante.,

L’orchestre continue à croître pendant les premières années de l’ère moderniste, avec un pic dans les deux premières décennies du 20e siècle. Les Saxophones qui ne sont apparus que rarement au cours du 19e siècle sont devenus plus couramment utilisés comme instruments supplémentaires, mais ne sont jamais devenus des membres de base de l’orchestre., Bien qu’il n’apparaisse que comme instrument solo dans certaines œuvres, par exemple L’orchestration par Maurice Ravel des tableaux de Modeste Moussorgski lors d’une exposition et les Danses symphoniques de Sergei Rachmaninov, le saxophone est inclus dans d’autres œuvres telles que Roméo et Juliette Suites 1 et 2 de Sergei Prokofiev et de nombreuses autres œuvres en tant Dans certaines compositions comme le Boléro de Ravel, deux ou plusieurs saxophones de tailles différentes sont utilisés pour créer une section entière comme les autres sections de l’orchestre., L’euphonium est présent dans quelques œuvres romantiques tardives et du 20e siècle, jouant généralement des parties marquées « tuba ténor », y compris les planètes de Gustav Holst et Ein Heldenleben de Richard Strauss.,

parmi les compositeurs éminents du début du 20e siècle, on peut citer Igor Stravinsky, Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Sergei Prokofiev, Arnold Schoenberg, Heitor Villa-Lobos, Anton Webern, Alban Berg, Cécile Chaminade, Paul Hindemith, Aram Khachaturian, George Gershwin, Amy Beach, Béla Bartók et Dmitri Chostakovitch, ainsi que Mahler et Strauss en tant que figures de transition qui ont,

époque postmoderne/contemporainedit

La Musique postmoderne est une période de musique qui a commencé dès 1930 selon certaines autorités. Il partage des caractéristiques avec l’art postmoderniste – c’est-à-dire l’art qui vient après et réagit contre le modernisme.,

D’autres autorités ont plus ou moins assimilé la musique postmoderne à la « musique contemporaine » composée bien après 1930, de la fin du 20e siècle au début du 21e siècle. Certains des divers mouvements de l’ère postmoderne/contemporaine incluent le néoromantique, le néomédieval, le minimaliste et le post-minimaliste.

la musique classique contemporaine au début du 21e siècle était souvent considérée comme incluant toutes les formes musicales postérieures à 1945., Une génération plus tard, ce terme fait maintenant correctement référence à la musique d’aujourd’hui écrite par des compositeurs encore vivants; musique qui a pris de l’importance au milieu des années 1970. il comprend différentes variations de la musique moderniste, postmoderne, néoromantique et pluraliste.