Igor Stravinsky ’s Sacre du printemps (in het frans, Le Sacre du printemps) – de derde ballet dat Stravinsky componeerde voor Sergei Diaghilev’ s Ballets Russes, na De Vuurvogel (1910) en Petroesjka (1911) – werd geschreven voor de 1913 Parijs seizoen, en voor het eerst iets meer dan honderd jaar geleden, op 29 Mei, in het onlangs geopende Théâtre des Champs-Élysées., De honderdste verjaardag van deze meest beruchte première is de gelegenheid voor tal van feesten: nieuwe optredens, revivals, en festivals die zich zullen uitstrekken over het volgende jaar. Het Théâtre des Champs-Élysées organiseert een scala aan balletvoorstellingen en orkestvoorstellingen, in een programma onder leiding van het Mariinsky Ballet in Sint-Petersburg. In Moskou werden de afgelopen twee maanden vier choreografieën van het werk getoond door het Bolsjoj Ballet; met hun vertolking van de interpretatie van Pina Bausch zullen ze wereldwijd reizen., Het Barbican and the Southbank Centre in Londen zal orkestrale uitvoeringen van Stravinsky ‘ s muziek bevatten. Carolina Performing Arts in Chapel Hill hebben het volgende jaar gewijd aan verschillende shows van het werk.in Amsterdam, als onderdeel van het Holland Festival, heeft de Chinese choreograaf Shen Wei een nieuwe versie gemaakt voor het Nationale Ballet. De Paul Sacher Foundation in Bazel – die het Stravinsky archief herbergt – en Boosey & Hawkes publiceren een driedelige editie met essays en een geannoteerde facsimile van de partituur., In Zürich zal David Zinman – die studeerde bij en werkte als assistent van Pierre Monteux, de dirigent van de Rite of Spring premiere – de muzikale en literaire facetten van de Rite onderzoeken met het Tonhalle Orchestra op 8 en 9 juni. Het is iets van deze inspanning die dit stuk ook zal proberen: een verkenning van de culturele stromingen in Rusland, gericht op opvattingen van het Oosten, die leidde tot de ontwikkeling van de Rite van de lente.,

* * *

de invloed van de Aziatische kunst op de Russische kunst, vooral op het gebied van de muziek, werd steeds duidelijker vanaf het midden van de negentiende eeuw. Russische volksmuziek was pas onlangs het onderwerp van studie geworden, met de eerste verzameling Russische volksliederen samengesteld door Nikolai Nikolai Lvov en Ivan Prach in 1790, maar voor Michail Glinka, de vader van de Russische klassieke muziek, had de volkstraditie een onuitwisbaar deel van zijn jeugd gevormd toen hij opgroeide in Smolensk., In Ruslan en Ljoedmila (1842), een opera in vijf bedrijven gebaseerd op Poesjkin ‘ s gedicht, verwerkt Glinka folkmelodieën samen met verwante elementen van chromatisme en dissonantie. In navolging van Glinka begon Mily Balakirev folkpatronen te combineren met de ontvangen Europese klassieke muziek.,in Natasha ’s Dance: A Cultural History of Russia stelt Orlando Figes dat Balakirev’ s belangrijkste innovatie de introductie van de pentatonische toonladder in de Russische muziek was. De pentatonische toonladder heeft vijf noten per octaaf, in tegenstelling tot de heptatonische toonladder, die zeven noten heeft en een groot deel van de Europese muziek uit de common practice periode tussen 1600 en 1900 kenmerkt. Hoewel de pentatonische toonladder veelvuldig is gebruikt, is het prominent aanwezig in Zuidoost-Aziatische muziek en is het een facet van veel Chinese en Vietnamese volksliederen., Figes beweert dat Balakirev zijn gebruik van de pentatonische toonladder ontleende aan zijn transcripties van Kaukasische volksliederen, en schrijft dat deze innovatie ‘Russische muziek zijn ‘Oosterse gevoel’ gaf, zo verschillend van de muziek van het Westen. De pentatonische toonladder zou op opvallende wijze worden gebruikt door elke Russische componist die volgde van Rimski-Korsakov tot Stravinsky’.,Balakirev was het oudste lid van de groep componisten die bestond uit Modest Mussorgsky, Aleksandr Borodin, Nikolaj Rimski-Korsakov en César Cui – bekend als de vijf, Het Machtige handvol, en de koetsjkisten, ‘handvol’ in het Russisch is ‘koetsjka’ (кучка). Buiten Balakirev ‘ s technische bekwaamheid, was de centrale filosofische kracht op deze groep Vladimir Stasov, die als criticus meedogenloos een nationale school in de Russische Kunsten doorstuurde., Balakirev ’s King Lear (1861), Mussorgsky’ s Pictures at an Exhibition (1874), en Rimsky-Korsakov ‘ s Sadko (de naam voor een toongedicht uit 1867, en voor de opera van 1896) en Scheherazade (1888) waren allemaal opgedragen aan Stasov.vanaf de jaren 1860 onderzocht en schreef Stasov een reeks studies die aantoonden hoe de invloed van het oosten zich manifesteerde in alle gebieden van de Russische cultuur: in taal, kleding, gebruiken, gebouwen, meubels en voorwerpen van dagelijks gebruik, in ornamenten, in melodieën en harmonieën, en in al onze sprookjes., Zijn uitgebreide studie van de bijlinie, traditionele Russische epische verhalende gedichten, leidde hem tot de conclusie:

‘deze verhalen spelen zich helemaal niet af in het Russische land, maar in sommige hete klimaat van Azië of het Oosten is er niets om de Russische manier van leven te suggereren – en wat we in plaats daarvan zien is de droge Aziatische steppe.”

Het stellen van de invloed van het Oosten was één ding, maar stellen dat deze traditionele Russische gedichten in feite niet Russisch waren, en in plaats daarvan volledig elders waren ontstaan, trok Stasov aanzienlijke kritiek., Terwijl de Russische kunst in de jaren 1800 onderhandelde over haar relatie met de Aziatische kunst, raakte het debat verstrengeld met andere culturele bewegingen en politieke gebeurtenissen., Er was de opkomst van het oriëntalisme na de Russische annexatie van de Krim in 1783, en als de Kaukasische oorlog voortgezet tussen 1817 en 1864, die gaf de Russen een nieuwe waardering voor het zuiden en dreef Lermontov ‘ s een held van onze tijd; de aanhoudende invloed van West-Europa, aangemoedigd in de literatuur door de criticus Vissarion Belinsky en in de muziek door Anton Rubinstein; en Slavofilisme, die tegen de overheersing van het Westen, op zoek naar een echt onderscheiden Rusland geworteld in een gevoel van zijn eigen verleden., Na de Krimoorlog van 1853-1856, die Rusland verloor aan een alliantie van de Britse, Franse en Ottomaanse rijken, kreeg het slavofilisme een impuls. Het was onlosmakelijk verbonden met de Russisch-orthodoxe religie, droeg de verwante pochvennichestvo ‘inheemse bodem’ beweging, en betrokken op verschillende manieren Nikolaj Gogol en Fjodor Dostojevski.

deze complexiteiten zijn ingekapseld in een stuk dat Dostojevski in 1881 publiceerde in A Writer ‘ s Dairy – een tijdschrift dat hij schreef en redigeerde, met polemische essays en occasionele korte fictie., Dostojevski, een vurige slavofiel voor een groot deel van de tweede helft van zijn leven, pleit voor de vooruitgang van Rusland door middel van een verbintenis met Azië die tegelijkertijd de gespannen banden van Rusland met Europa nieuw leven zal inblazen:

” Het is moeilijk voor ons om ons van ons venster op Europa af te keren; maar het is een kwestie van ons lot wanneer we ons tot Azië wenden, met onze nieuwe kijk op haar, kan ons iets van hetzelfde soort gebeuren als met Europa toen Amerika was ontdekt., Met onze duw naar Azië zullen we een hernieuwde opleving van geest en kracht in Europa we waren hangers-on en slaven, terwijl in Azië zullen we de meesters. In Europa waren we Tataren, terwijl we in Azië Europeanen kunnen zijn.’

Dit is de lange achtergrond van de Rite of Spring. De symbolisten die een ‘Zilveren Eeuw’ van de Russische literatuur zouden bereiken werden grootgebracht op een merkwaardige mix van oriëntalisme, volksverhalen, Europese literatuur, hun Russische voorouders, en sommige van die filosofen en mystici die een product waren van de bedwelmende religieuze sfeer die zo veel deel uitmaakte van het Slavofilisme., De filosoof Vladimir Solovjev – een goede vriend van Dostojevski-werd door D. S. Mirski gekarakteriseerd als ‘de eerste Russische denker die het mystieke en orthodoxe christendom scheidde van de doctrines van het Slavofilisme’, waardoor een metafysica werd gecreëerd die los stond van het nationalistische sentiment. Mirski schildert Solovjev af als een voorstander van Rome op het gebied van theologie, en politiek als een westerse liberaal. Toch was ook hij gefascineerd door het Oosten., Een belangrijk figuur voor Andrei Bely – die Mirsky naast Gogol en Solovjev plaatst als de drie ‘ meest complexe en verontrustende figuren in de Russische literatuur ‘-en voor Alexander Blok, neemt Blok’ s de Scythen voor zijn epigrafie twee regels uit Solovjev’s gedicht’ Pan-Mongolisme ‘ uit 1894, waarin stond:

‘ Pan-Mongolisme! Wat een wilde naam! De Scythen was Blok ‘ s laatste grote gedicht, voltooid in het begin van 1918, in dezelfde maand als de twaalf., Mirsky noemt het een welsprekend stuk, maar ‘op een geheel inferieur niveau’ vergeleken met het ‘muzikale genie’ van de twaalf. Toch waren de opvattingen van de Scythen, die hen typisch als de voorouders van het hedendaagse Rusland beschouwden, zo overheersend in de jaren 1910 dat een uitloper van symbolistische schrijvers, waaronder Bely, Blok en Razumnik Ivanov-Razumnik, zichzelf begon te stylen als ‘Scythisch’.,als etnografische groep waren de Scythen de nomadische Iraans sprekende stammen die tussen de achtste en eerste eeuw v.Chr. de Euraziatische steppen rond de zwarte en Kaspische Zee bewoonden. Herodotus schreef over hen in boek IV van de geschiedenissen, omdat hij geloofde dat ze na oorlog met de Massagetae Azië verlieten en het Krim-schiereiland binnengingen. In de literatuur was ‘Scythian’ een denigrerende term geworden om wilde en onbeschaafde mensen te beschrijven., Shakespeare verwijst naar’ de barbaarse Scythen ‘ in King Lear, terwijl Edmund Spenser de Ieren probeerde te declameren door te stellen dat zij en de Scythen een gemeenschappelijke afkomst hadden.Aleksandr Poesjkin gebruikte de term warmer in zijn poëzie: “Now temperance is not appropriate / I want to drink like a savage Scythian”, en in het rusland van de late negentiende eeuw werd het gebruikt om de kwaliteiten van het Russische volk af te leiden die hen onderscheiden van West-Europeanen., Gesteund door de grootschalige archeologische opgravingen van Scythische koergans (grafheuvels) uitgevoerd door Ivan Zabelin en Nikolaj Veselovsky, die zich uitstrekten van de oevers van de Dnjepr in het moderne Oekraïne via Centraal-Azië tot Siberië, werd een gedeeld erfgoed met de Scythen verondersteld als ‘Scythisch’ werd een synoniem voor het oude verleden van Rusland, voor het Russische karakter, het Russische anders-zijn, en daarmee ook voor de toekomst van Rusland.,Orlando Figes benadrukt de samenvloeiing van Oosterse invloeden in de Rite of Spring en stelt dat Stravinsky ‘ s ballet gezien moet worden als een manifestatie van deze interesse in alle Scythische dingen. De schilder Nicholas Roerich was aanvankelijk opgeleid tot archeoloog, en in 1897 werkte hij onder Veselovsky tijdens de opgraving van de Maikop Koergan in Zuid-Rusland. De Maikop kurgan werd gedateerd zo ver terug als het derde millenium voor Christus, en onthulde twee begrafenissen, met rijke artefacten, waaronder een stier beeldje gemaakt van goud., Een aanhanger van Stasov, toen hij een reeks schilderijen bedacht die geïnspireerd waren op zijn archeologische studies en die de vroege Slaven afbeelden, zocht Roerich Stasovs advies in etnografische details. Stasov adviseerde hem dat wanneer er een gebrek aan lokaal bewijs was, het gepast was om artistieke en culturele details uit het Oosten te lenen omdat:

‘het oude Oosten betekent oud Rusland: de twee zijn ondeelbaar.,hoewel zijn oriëntalisme en de specifieke kenmerken van zijn achtergrond niet geheel vloeiend waren met de meer kosmopolitische visie van de groep, smeedde Roerich een nauwe relatie met Sergei Diaghilev ‘ s wereld van de kunst. Hij ontwierp de decors voor de Polovtsian Dances, een ballet uit Borodin ‘ s opera Prince Igor met choreografie van Michel Fokine, die te zien was tijdens het eerste seizoen van Ballets Russes in Parijs in 1909. Daarna ging hij met Stravinsky aan de slag om het concept, de setting en de kostuums voor de Rite of Spring te ontwerpen.het idee voor de Rite of Spring was ontstaan in 1910., Petrushka ging een jaar later in première, twee jaar voor de Rite van de lente, en was het product van een iets andere gevoeligheid. Diaghilev werd al snel de prominente figuur in de beweging – vanwege zijn honger naar kennis, zijn vermogen om kunst te synthetiseren, en een ondernemende persoonlijkheid die de publicatie van het gelijknamige tijdschrift uit 1899 dreef – maar de wereld van de kunst, in het Russisch Mir iskusstva (Мир искусств), bestond oorspronkelijk uit een groep studenten uit Petersburg rond Alexandre Benois en Léon Bakst., Mirsky beschrijft Benois als:

‘ de grootste Europeaan van het moderne Rusland, de beste uitdrukking van de Westerse en Latijnse geest. Hij was ook de belangrijkste invloed in het herontdekken van de cultus van de noordelijke metropool en in het herontdekken van haar architectonische schoonheid, zo lang verborgen door generaties van artistieke barbaarsheid, maar hij was nooit blind voor de Russische kunst, en in zijn werk waren Westernisme en Slavofilisme meer dan ooit de twee hoofden van een single-Heart Janus.,’

De wereld van de kunst belichaamde deze twee polen, en maakte deel uit van een energieke en diverse avant-garde in Rusland in het eerste decennium van de jaren 1900. deze avant-garde omvatte de symbolisten in de literatuur, en Alexander Scriabin in de muziek, een invloedrijke componist die experimenteerde met atonale vormen en was zeer geliefd bij Stravinsky. Na het succes van Diaghilev ‘ s enscenering van Russische opera en muziek in Parijs tegen het einde van het decennium, vormde hij de Ballets Russes., Bakst produceerde het decor voor de bewerking van Scheherazade in 1910, terwijl Benois de decors ontwierp voor veel van zijn vroegste producties. Zijn invloed was vooral sterk ten opzichte van Petroesjka. Mirsky suggereert dat niet alleen het decor, maar ook het idee van het ballet ‘van Benois is, en hij onthulde daarin opnieuw zijn grote liefde voor zijn geboortestad Petersburg in al zijn aspecten, klassiek en populair’. Zowel Scheherazade als Petrushka werden opnieuw gechoreografeerd door Fokine.,Richard Taruskin en Lawrence Morton beweerden de invloed op Stravinsky van Sergej Gorodetski ‘ s mythologische dichtbundel Jar, gepubliceerd in 1907. Stravinsky zette tussen 1907 en 1908 twee van de JAR-gedichten op muziek, met een ander gedicht over het offer van een maagd aan de zonnegod Yarilo. Stravinsky zou later beweren dat het idee voor het ballet tot hem kwam als een visioen, van een ‘plechtige heidense rite’ waarin een meisje zichzelf dooddanste voor de god van de lente.,Yar en Stravinsky ’s eigen visie op het ballet lijkt zeker de loop van de Rite van de lente te hebben verschoven, maar Figes stelt dat het concept oorspronkelijk van Roerich was, en dat’Stravinsky, die vrij berucht was voor dergelijke vervormingen, het later claimde als zijn eigen’. Thomas F. Kelly, die een geschiedenis van de première van het ballet schreef, heeft hetzelfde betoogd.in 1898 publiceerde Roerich bewijs van menselijke offers onder de Scythen, en in een essay uit 1909 beschreef hij oude Slavische offerrituelen., Hij had Herodotus bestudeerd en een buste van de historicus geschetst in 1893, terwijl hij, naast Gorodetski ’s Jar, inspiratie lijkt te hebben getrokken uit de primaire kroniek, een elfde-eeuws verslag van de vroege Kievse gebruiken, en Alexander Afanasiev’ s poëtische kijk op de natuur, een studie van folklore en heidendom, die tussen 1866 en 1869 werd gepubliceerd. Samen met deze verschillende bronnen bedacht Roerich in eerste instantie een midzomerritueel op basis van de Kupala-festiviteiten, die begin juli worden gevierd., Zoals Francis Maes heeft opgemerkt, zei Roerich in augustus 1910:

‘ Het nieuwe ballet zal een reeks beelden geven van de heilige nacht onder de oude Slaven de actie zal beginnen met een zomernacht en eindigen vlak voor de zonsopgang, wanneer de eerste stralen beginnen te laten zien.’

toen Stravinsky en Roerich elkaar in mei 1910 ontmoetten om het komende ballet te bespreken, besloten ze snel een voorlopige titel,’The Great Sacrifice’. Stravinsky bracht een groot deel van het volgende jaar door met het werken aan Petroesjka., In juli 1911 bezocht hij Roerich in Talashkino, een kunstenaarskolonie onder leiding van de patroonprinses Maria Tenisheva, waar het scenario voor de ritus – ‘een opeenvolging van rituele handelingen’ – volledig werd uitgezet. Terwijl Stravinsky het ballet componeerde, werkte Roerich aan de decors en kostuums, die rijk waren aan etnografische details, met tekeningen van zijn archeologisch werk, van middeleeuwse Russische ornamenten en van tenisheva ‘ s collecties van traditionele boerenkleding.de Rite of Spring ging in première in het Théâtre des Champs-Élysées op 29 mei 1913., Hij schreef in zijn autobiografie over de bespotting van sommige leden van het publiek bij het horen van de openingsbalken van zijn partituur, die voortbouwden op Litouwse volksliederen, en het orkest werd bezaaid met projectielen tijdens het optreden. Andere critici hebben echter de kostuums van Roerich doorgestuurd als het meest schokkende aspect van het ballet. En anderen, waaronder de componist Alfredo Casella, vonden dat Vaslav Nijinsky ‘ s choreografie het meest de woede van het publiek trok., Figes schrijft:

‘ de muziek werd nauwelijks gehoord in de commotie die Nijinsky had gechoreografeerd bewegingen die lelijk en hoekig waren. Alles aan de bewegingen van de dansers benadrukte hun gewicht in plaats van hun lichtheid, zoals vereist door de principes van het klassieke ballet. De rituele dansers verwierpen alle basisposities en hadden hun voeten naar binnen gekeerd, ellebogen aan de zijkanten van hun lichaam geklemd en hun handpalmen plat gehouden, zoals de houten idolen die zo prominent aanwezig waren in Roerichs mythische schilderijen van Scythisch Rusland.,’

Nijinsky was een danseres voor de Ballets Russes sinds het eerste seizoen van 1909. Zijn eerste choreografische onderneming kwam met L ‘Après-midi d’ un faune, gebaseerd op muziek van Debussy, die in 1912 in première ging. Nijinsky ’s choreografie voor het ballet bleek controversieel, want onder andere gemengde reacties op de première schreef Le Figaro’s Gaston Calmette in een afwijzende recensie op de voorpagina:’ We worden een wellustige faun getoond, wiens bewegingen smerig en beestachtig zijn in hun erotiek, en wiens gebaren even grof als onfatsoenlijk zijn’., Nijinsky ‘ s tweede choreografisch werk, opnieuw na Debussy, was Jeux, dat enkele weken voor de Rite of Spring in première ging.

Nijinsky en Diaghilev waren geliefden geworden na hun eerste ontmoeting in 1908. In de nasleep van Nijinski ‘ s huwelijk met Romola de Pulszky in september 1913, terwijl de balletten Russes – met Diaghilev afwezig – door Zuid-Amerika toerde, ontsloeg Diaghilev Nijinsky uit zijn gezelschap. Hij herbenoemde Michel Fokine als zijn hoofdchoreograaf, ondanks het gevoel dat Fokine zijn originaliteit had verloren. Fokine weigerde Nijinsky ‘ s choreografie uit te voeren., Een wanhopige Stravinsky schreef aan Benois:

‘ de mogelijkheid is al enige tijd verdwenen om iets waardevols op het gebied van dans te zien en, nog belangrijker, om dit nageslacht van mij opnieuw te zien.toen Fokine aan het begin van de Eerste Wereldoorlog terugkeerde naar Rusland, begon Diaghilev te onderhandelen over de terugkeer van Nijinski naar de Ballets Russes. Maar Nijinsky zat gevangen in Wenen, een Russische vijand onder huisarrest, en zijn vrijlating werd pas in 1916 veiliggesteld., In dat jaar choreografeerde Nijinsky een nieuw ballet, tot Eulenspiegel, en zijn dans werd geprezen, maar hij vertoonde steeds meer tekenen van de schizofrenie die de rest van zijn leven zou regeren, en hij trok zich met zijn vrouw terug naar Zwitserland in 1917. Zonder Nijinsky om leiding te geven, waren de balletten Russes niet in staat om zijn choreografie voor de Rite of Spring nieuw leven in te blazen. Deze choreografie werd als verloren beschouwd tot 1987, toen het Joffrey Ballet in Los Angeles een reconstructie uitvoerde op basis van jarenlang zorgvuldig onderzoek., Ondertussen, na de première van 1913, zou Stravinsky zijn partituur de komende dertig jaar blijven herzien.Nicholas Roerich is vandaag de dag misschien wel het meest bekend om zijn eigen schilderijen, en als spirituele gids en cultureel activist. Zijn interesse in de Oosterse religie en in de Bhagavad Gita bloeide door de jaren 1910, grotendeels geïnspireerd door zijn lezing van de poëzie van Rabindranath Tagore. In 1919 emigreerden Roerich en zijn familie naar Londen en in 1920 naar de Verenigde Staten en begonnen in 1925 aan een vijfjarige expeditie door Mantsjoerije en Tibet., Hij werd meerdere malen genomineerd voor de Nobelprijs voor de vrede, terwijl het Roerich Pact – een inter-Amerikaans verdrag ondertekend in Washington in 1935 – wettelijk de Voorrang van cultureel erfgoed boven militaire defensie. Zijn kunst en zijn leven worden gevierd in het Nicholas Roerich Museum, dat meer dan 200 van zijn schilderijen herbergt, gelegen aan de Upper West Side van Manhattan.

Figes, O. Natasha ‘ s Dance: A Cultural History of Russia (London; Penguin, 2003)

Gibian, G. (ed.) The Portable Nineteenth Century Russian Reader (Penguin, 1993)

Kelly, T. F., First Nights: Five Musical premières (Yale University Press, 2001)

Maes, F. A History of Russian Music: From Kamarinskaya to Babi Yar (University Of California Press, 2002)

Mirsky, D. S. A History of Russian Literature (London; Routledge & Kegan Paul, 1968)

Taruskin, R. Stravinsky and the Russian Traditions (University of California Press, 1968), 1996)