La peinture, expression d’idées et d’émotions, avec la création de certaines qualités esthétiques, dans un langage visuel bidimensionnel. Les éléments de ce langage—ses formes, ses lignes, ses couleurs, ses tons et ses textures—sont utilisés de diverses manières pour produire des sensations de volume, d’espace, de mouvement et de lumière sur une surface plane. Ces éléments sont combinés en motifs expressifs afin de représenter des phénomènes réels ou surnaturels, d’interpréter un thème narratif ou de créer des relations visuelles totalement abstraites., La décision d’un artiste d’utiliser un médium particulier, comme la tempera, la fresque, l’huile, l’acrylique, l’aquarelle ou d’autres peintures à base d’eau, l’encre, la gouache, l’encaustique ou la caséine, ainsi que le choix d’une forme particulière, comme la murale, le chevalet, le Panneau, la miniature, l’enluminure manuscrite, le rouleau, l’écran ou l’éventail, le panorama, ou toute autre forme Les choix du médium et de la forme, ainsi que la technique propre à l’artiste, se combinent pour réaliser une image visuelle unique.,

Les traditions culturelles antérieures—des tribus, des religions, des Guildes, des cours royales et des États—contrôlaient largement le métier, la forme, l’imagerie et le sujet de la peinture et déterminaient sa fonction, qu’elle soit rituelle, dévotionnelle, décorative, divertissante ou éducative. Les peintres étaient plus employés comme artisans qualifiés que comme artistes créatifs. Plus tard, la notion de « fine artist” s’est développée en Asie et en Europe de la Renaissance., Les peintres éminents ont reçu le statut social des érudits et des courtisans; ils ont signé leur travail, décidé de sa conception et souvent de son sujet et de son imagerie, et établi une relation plus personnelle—sinon toujours amicale—avec leurs mécènes.

au cours du 19ème siècle, les peintres des sociétés occidentales ont commencé à perdre leur position sociale et leur patronage. Certains artistes ont contrecarré la baisse du mécénat en organisant leurs propres expositions et en facturant des frais d’entrée. D’autres ont gagné un revenu grâce à des expositions itinérantes de leur travail., La nécessité de faire appel à un marché avait remplacé les exigences similaires (bien que moins impersonnelles) du mécénat, et son effet sur l’art lui-même était probablement similaire. En général, les artistes du 20e siècle ne pouvaient atteindre un public que par le biais de galeries commerciales et de musées publics, bien que leur travail ait parfois été reproduit dans des périodiques d’art. Ils peuvent également avoir été aidés par des récompenses financières ou des commissions de l’industrie et de l’état., Ils avaient cependant acquis la liberté d’inventer leur propre langage visuel et d’expérimenter de nouvelles formes et des matériaux et techniques non conventionnels. Par exemple, certains peintres ont combiné d’autres médias, tels que la sculpture, avec la peinture pour produire des dessins abstraits en trois dimensions. D’autres artistes attachaient des objets réels à la toile en mode collage ou utilisaient l’électricité pour faire fonctionner des panneaux cinétiques colorés et des boîtes. Les artistes conceptuels ont souvent exprimé leurs idées sous la forme d’une proposition pour un projet irréalisable, tandis que les artistes de performance faisaient partie intégrante de leurs propres compositions., L’effort incessant pour étendre les limites de l’expression dans l’art a produit des changements stylistiques internationaux continus. La succession souvent déconcertante de nouveaux mouvements dans la peinture a été stimulée par l’échange rapide d’idées au moyen de revues d’art internationales, d’expositions itinérantes et de centres d’art. Ces échanges se sont accélérés au 21e siècle avec l’explosion des foires d’art internationales et l’avènement des médias sociaux, Ces derniers offrant non seulement de nouveaux moyens d’expression mais une communication directe entre les artistes et leurs followers., Bien que les mouvements stylistiques soient difficiles à identifier, certains artistes abordent des problèmes de société communs, y compris les grands thèmes du racisme, des droits LGBTQ et du changement climatique.

Cet article traite des éléments et principes du design en peinture et des différents médiums, formes, images, sujets et symbolisme employés ou adoptés ou créés par le peintre. Pour l’histoire de la peinture dans L’Égypte ancienne, voir art et architecture Égyptiens., Le développement de la peinture dans différentes régions est traité dans un certain nombre d’articles: peinture occidentale; art africain; arts D’Asie centrale; peinture chinoise; arts islamiques; art Japonais; Art coréen; art amérindien; art et architecture océaniques; arts D’Asie du Sud; arts D’Asie du sud-est. Pour la conservation et la restauration des peintures, voir art conservation and restoration. Pour une discussion sur la falsification des œuvres d’art, voir falsification. Pour une discussion sur le rôle de la peinture et d’autres arts dans la religion, ainsi que sur l’utilisation des symboles religieux dans l’art, voir symbolisme religieux et iconographie., Pour plus d’informations sur d’autres arts liés à la peinture, voir des articles tels que le dessin; l’art populaire; la gravure.