Más Tarde, su energía ilimitada para la auto-creación y la mitologización del arco – el alter ego Ziggy Stardust y su banda, The Spiders from Mars-demostraron ser enormemente influyentes. La imagen de su rostro, derramada por una luz fluorescente de color, fue reproducida sin cesar.,

a medida que crecía, demostró estar dispuesto a enviar suavemente la extrañeza de su apogeo. Sin embargo, continuó empujando los límites musicales, produciendo el magnífico y agrietado álbum de swansong Blackstar mientras se estaba muriendo de cáncer, un hecho que escondió de todos menos de su familia más cercana hasta el final.

en ese momento, sin embargo, su legado estaba asegurado. El hombre que cayó a la tierra se convirtió en una parte eterna del firmamento musical.

Esta es nuestra guía para ese legado. Aquí – en orden cronológico-son 20 canciones esenciales:

1., Space Oddity (1969)

todo comienza aquí, una épica de alienación que cambia de forma. En 2013, la canción fue versionada por el astronauta canadiense Chris Hadfield, quien la grabó a bordo de la Estación Espacial Internacional.

Black Country Rock (1970)

1970 fue un comienzo productivo de la década para Bowie. Estaba en la cúspide de perfeccionar «Ziggy» y revolotear entre sonidos acústicos y eléctricos. Esta canción define su breve coqueteo con el género blues-rock., Producido por Visconti e inspirado en el T-Rex, en el estilo insular típico de Bowie, en el corazón de esta canción hay una broma: un vibrato penetrante, cantado en referencia burlona a Marc Bolan, pero en realidad reemplazando el lugar de letras olvidadas. Nunca sabremos cuáles.

The Man Who Sold The World (1970)

una balada misteriosa y melancólica de mundos dentro de mundos, impulsada por uno de los riffs de guitarra más raros de la historia del pop. Sus letras fueron compuestas en un espíritu de cuestionamiento juvenil, dijo Bowie. Nirvana, apropiadamente, grabó una cubierta apropiada.,

Andy Warhol (1971)

tomada de su álbum de pop decididamente oscuro Hunky Dory, esta oda a los sesenta comienza con un desacuerdo entre Bowie y su productor, Ken Scott, sobre la pronunciación de «Warhol». Dejándolo sin resolver, Bowie se derrumba en la risa e inmediatamente se convierte en un riff flamenco, rodando y gruñendo sus palabras en un simulacro de alabanza al artista. Es comprensible que Warhol despreciara la canción por burlarse de él.

5., Life On Mars (1971)

Neil McCormick de The Telegraph clasificó a este número uno en su top 100 canciones de todos los tiempos, y es Bowie en su mejor surrealista y anti-romántico. En la nota garabateada que acompañó su lanzamiento en 1971, Bowie describió la canción: «la reacción de una joven sensible a… canciones como My Way, películas como Love Story y periódicos». Más tarde, lo modificó a » reacción a… medio». La narrativa (y hay una, aunque tambaleante y sin sentido) es solo superada por la melodía: una melodía de espectáculo dirigida por piano que imita la trayectoria de la fama recién descubierta.,

Cinco Años (1972)

Inmejorable apocalíptico pop. La trágica y antémica canción de apertura de Ziggy Stardust and the Spiders from Mars evocó una visión de un mundo condenado – y redujo al cantante a lágrimas en el estudio de grabación. En una entrevista de 1976, dijo que había sido parcialmente inspirado por un sueño en el que su difunto padre se le apareció y le dijo que solo le quedaban cinco años de vida.,

Moonage Daydream (1972)

Opening with the immortal / oddball line «i’m an alligator», this trilling glam-rock stomp of a song was first recorded by Bowie under the stage name Arnold Corns. Un año más tarde apareció en el álbum de 1972, Ziggy Stardust, y presenta a su audiencia el ascenso, la caída y la rápida obsolescencia de su Mesías alienígena enviado a salvar el mundo en cinco años. En el contexto del álbum, Esto tiene mucho sentido.

the Jean Genie (1972)

Glam Rock perfection: a chugging cut up paean to Iggy Pop’s outsider swagger., Es un homenaje conmovedor y cascabel al humo y el vapor de Nueva York. La banda sonora definitiva de cualquier película respetable sobre la Gran Manzana.

Fame (1975/1990)

¿sibilancias autorreferenciales o pop posmoderno? Bueno, ambos realmente, ya que fue escrito y grabado con el colaborador de mediados de los Setenta John Lennon y toca un tema con el que está familiarizado. Inspirado por un riff centelleante escrito por el guitarrista Carlos Alomar, este fue lanzado por primera vez en 1975 con un gran éxito., Bowie lo relanzó en 1990 para promover su gira de sonido y visión para elogiar aún más y se unió a Gus Van Sant para el video, un montaje apropiado si auto – engrandecimiento de sus videos anteriores.

los Jóvenes Estadounidenses (1975)

Bowie llega a su ranura para saxophonic puñalada de lisa, sincopado NOSOTROS alma. Sus voces redondeadas, casi al estilo Springsteen, se establecen sobre el inconfundible funk de los riffs disco de Filadelfia.,

Wild Is the Wind (1976)

Una de las muchas canciones de Bowie dirigidas por un saxofón, esta canción fue escrita para Johnny Mathis en 1957 y versionada por Nina Simone antes de que Bowie tuviera sus manos de psych-pop en 1976. Es una melodía soñadora y Blakeiana de amor ganado y perdido que ha adquirido un significado casi religioso en la cultura moderna. Es un favorito en los funerales, insuprisingly.

Sound And Vision (1977)

cantada en el estilo lacónico de finales de los Setenta de Bowie, esta crítica paranoica de la tecnología moderna fue una partida para el glam-rock Bowie., A punch of a song at the start of Low (produced by Tony Visconti) mostró a Bowie entrando en un nuevo estilo desapasionado que dividiría a sus oyentes pero, con su uso liberal de sintetizadores, también cimentaba su estatus como pionero de la electrónica.

los Héroes/Helden (1977)

Un producto de Berlín y el guiño al grupo alemán Neu!,, esta canción de finales de los Setenta inspirada en krautrock, escrita con Brian Eno, no fue recibida calurosamente en su primer lanzamiento. Hoy en día, es considerado como una de sus mejores canciones, aunque la versión en parte inglesa, en parte alemana, Helden, es muy superior a la original en inglés. Aunque sólo sea porque demostró que el alemán puede ser sexy.

Sense of Doubt (1977)

Una elección poco convencional pero que resuena en el electro moderno, psych-rock., Formado casi en su totalidad por un motivo descendente de piano de cuatro notas y una aguda sirena de película de terror, se utilizó con gran efecto en la película alemana Christiane F (en la que Bowie tiene un breve pero clave cameo) para soundtrack acertadamente el descenso del protagonista a la adicción a la heroína.

Ashes to Ashes (1980)

El regreso del astronauta perdido de Bowie en épica off-beat autorreferencial, su peculiaridad innata contrarrestada por ganchos de ping, memes líricos y melodías tan pegadizas como el resfriado común.,

China Girl (1983)

Bowie smartens up for the Eighties with Nile Rodgers superslick remake of an old Iggy Pop / Bowie emotional addiction anthem, featuring cheesily brilliant Oriental hookline.

Bring Me The Disco King (2003)

un entrenamiento jazztástico del álbum Reality de Bowie de 2003, con el elocuente piano de Mike Garson enmarcando la voz de Bowie. En una canción de escape from a confining past, Bowie canta «let me disappear». Y luego lo hizo-durante diez años enteros.,

The Next Day (2013)

Blackstar (2015)

Venturing once más en los límites exteriores del pop, Blackstar es una canción de antorcha de ciencia ficción maravillosamente inescrutable de Avant jazz, todo ritmo resbaladizo de drum’n’Bass, melodía tonal de dos notas con toques de canto gregoriano, compases cambiantes, órgano churchy y Ornette Colman errante como saxo en un moonwalk.