El Rito de la primavera de Igor Stravinsky (en francés, Le Sacre du printemps) – el tercer ballet que Stravinsky compuso para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, después de El Pájaro de fuego (1910) y Petrushka (1911) – fue escrita para la temporada de París de 1913, y estrenada hace poco más de cien años, el 29 de mayo, en el recién inaugurado Théâtre des Champs-Élysées., El centenario de este estreno más notorio es la ocasión para numerosas celebraciones: nuevas actuaciones, avivamientos y festivales que se extenderán a lo largo del próximo año. El Théâtre des Champs-Élysées acoge una serie de actuaciones balléticas y orquestales, en un programa dirigido por el ballet Mariinsky de San Petersburgo. En Moscú, cuatro coreografías de la obra han sido mostradas por el Ballet Bolshoi en los últimos dos meses; con su interpretación de la interpretación de Pina Bausch que viajará por todo el mundo., El Barbican y el Southbank Centre de Londres ofrecerán actuaciones orquestales de la música de Stravinsky. Carolina Performing Arts en Chapel Hill han dedicado El próximo año a varias presentaciones de la obra.

en Ámsterdam, como parte del Festival de Holanda, el coreógrafo de origen chino Shen Wei ha producido una nueva versión para het Nationale Ballet. La Fundación Paul Sacher en Basilea-que alberga el archivo Stravinsky-y Boosey & Hawkes están publicando una edición centenaria de tres volúmenes que comprende ensayos y un facsímil Anotado de la partitura., En Zúrich, David Zinman-que estudió y sirvió como asistente de Pierre Monteux, director del estreno de la ceremonia de primavera-investigará las facetas musicales y literarias de la ceremonia con la Orquesta Tonhalle los días 8 y 9 de junio. Es algo de este esfuerzo lo que esta pieza también intentará: una exploración de las corrientes culturales en Rusia, centrándose en las concepciones de Oriente, que llevaron al desarrollo del rito de la primavera.,

* * *

la influencia del arte asiático en el arte ruso, especialmente en el ámbito de la música, se hizo cada vez más evidente a partir de mediados del siglo XIX. La música popular rusa se había convertido recientemente en el tema de estudio, con la primera colección de canciones populares rusas reunidas por Nikolai Nikolai Lvov e Ivan Prach en 1790, pero para Mikhail Glinka, el padre de la música clásica rusa, la tradición popular había formado una parte indeleble de su infancia creciendo en Smolensk., En Ruslan and Lyudmila (1842), una ópera en cinco actos basada en el poema de Pushkin, Glinka incorporó melodías folclóricas junto con elementos relacionados de cromatismo y disonancia, siendo acreditado por la creación de un sonido único ruso que compartía características con la música de Oriente. Siguiendo el ejemplo de Glinka, Mily Balákirev comenzó a combinar patrones folclóricos con el cuerpo recibido de la música clásica europea.,

promoviendo una manera nacional, utilizando ritmos sincopados, en la danza de Natasha: una historia Cultural de Rusia Orlando Figes argumenta que la innovación clave de Balákirev fue la introducción en la música rusa de la escala pentatónica. La escala pentatónica tiene cinco notas por octava, en contraste con la escala heptatónica, que tiene siete y caracteriza gran parte de la música europea de la era de la práctica común entre 1600 y 1900. Si bien la escala pentatónica se ha utilizado de manera diversa, es prominente en la música del sudeste asiático, y es una faceta de muchas canciones populares chinas y Vietnamitas., Figes afirma que Balákirev derivó su uso de la escala pentatónica de sus transcripciones de canciones populares caucásicas, y escribe que esta innovación dio a la ‘música rusa su ‘sensación Oriental’ tan distinta de la música occidental. La escala pentatónica sería utilizada de manera sorprendente por todos los compositores rusos que siguieron desde Rimski-Kórsakov hasta Stravinski.,

Balákirev fue el miembro más antiguo del grupo de compositores que también comprendía a Modest Mussorgski, Alexander Borodin, Nikolai Rimski-Kórsakov y César Cui, conocidos como los cinco, el poderoso puñado y los kuchkistas, ‘puñado’ en ruso es ‘kuchka’ (кучка). Más allá de la destreza técnica de Balákirev, la fuerza filosófica central sobre este grupo fue Vladimir Stásov, quien como crítico implacablemente envió una Escuela Nacional en las artes rusas., El Rey Lear de Balákirev (1861), cuadros de Mussorgski en una exposición (1874), y Sadko de Rimski-Kórsakov (el nombre de un poema sinfónico de 1867, y para la Ópera de 1896) y Scheherazade (1888) fueron todos dedicados a Stásov.

desde la década de 1860, Stasov investigó y escribió una serie de estudios que demostraban cómo la influencia de Oriente se manifestaba «en todos los campos de la cultura rusa: en el idioma, la ropa, las costumbres, los edificios, los muebles y los artículos de uso diario, en los adornos, en las melodías y armonías, y en todos nuestros cuentos de hadas»., Su extenso estudio de los byliny, poemas narrativos épicos rusos tradicionales, lo llevó a concluir:

‘estos cuentos no se establecen en la tierra rusa en absoluto, pero en algún clima cálido de Asia o el este no hay nada que sugiera la forma de vida rusa, y lo que vemos en su lugar es la árida estepa Asiática.’

postular la influencia del Este era una cosa, pero afirmar que estos poemas rusos tradicionales no eran de hecho rusos, y en su lugar se habían originado completamente en otros lugares, atrajo para Stasov considerables críticas., A medida que el arte ruso negociaba su relación con el arte asiático a lo largo de la década de 1800, el debate se entrelazó con otros movimientos culturales y eventos políticos., Hubo el surgimiento del orientalismo después de la anexión rusa de Crimea en 1783, y como la guerra del Cáucaso continuó entre 1817 y 1864, lo que dio a los rusos una nueva apreciación por el Sur e impulsó a un héroe de nuestro tiempo de Lermontov; la influencia persistente de Europa Occidental, alentada en la literatura por el crítico Vissarion Belinsky y en la música por Anton Rubinstein; y el Eslavofilismo, que se opuso al predominio de Occidente, buscando en cambio una Rusia verdaderamente distinta arraigada en un sentido de su propio pasado., El eslavofilismo ganó impulso después de la Guerra de Crimea de 1853-1856, que Rusia perdió ante una alianza de los imperios británico, francés y otomano. Estaba inextricablemente vinculado con la religión ortodoxa rusa, llevaba el movimiento pochvennichestvo ‘suelo nativo’ relacionado, e implicaba de diferentes maneras a Nikolai Gogol y Fiódor Dostoievski.

estas complejidades están encapsuladas en una pieza publicada por Dostoievski en A Writer’s Dairy – un periódico que escribió y editó, que contiene ensayos polémicos y ficción corta ocasional – en 1881., Dostoievski, un ardiente eslavófilo durante gran parte de la segunda mitad de su vida, aboga por el progreso de Rusia a través de un compromiso con Asia que, al mismo tiempo, revitalizará los tensos lazos de Rusia con Europa:

‘es difícil para nosotros dar la espalda a nuestra ventana sobre Europa; pero es una cuestión de nuestro destino cuando nos dirigimos a Asia, con nuestra nueva visión de ella, algo de la misma clase puede sucedernos como sucedió con Europa cuando América fue descubierta., Con nuestro empuje hacia Asia tendremos un resurgimiento renovado de espíritu y fuerza en Europa fuimos colgadores y esclavos, mientras que en Asia seremos los amos. En Europa éramos tártaros, mientras que en Asia podemos ser europeos.’

Este es el largo trasfondo del rito de la primavera. Los simbolistas que lograrían una «edad de plata» de la literatura rusa se criaron en una curiosa mezcla de orientalismo, cuentos populares, literatura europea, sus antepasados rusos y algunos de esos filósofos y místicos que eran un producto de la embriagadora atmósfera religiosa que era una parte tan importante del Eslavofilismo., El filósofo Vladimir Soloviev – un amigo cercano de Dostoievski – ha sido caracterizado por D. S. Mirsky como «el primer pensador ruso en divorciarse del cristianismo místico y ortodoxo de las doctrinas del Eslavofilismo», estableciendo así una metafísica aparte del sentimiento nacionalista. Mirsky describe a Soloviev como inclinado hacia Roma en asuntos de Teología, y políticamente como un liberal Occidentalizante. Sin embargo, él también estaba fascinado con el este., Una figura importante para Andrei Bely-a quien Mirsky coloca junto a Gogol y Soloviev como las tres «figuras más complejas y desconcertantes de la literatura rusa» – y para Alexander Blok, los escitas de Blok toma para su epígrafe dos líneas del poema de Soloviev de 1894 ‘Pan-Mongolism’ , que decía:

‘Pan-Mongolism! ¡Qué nombre tan salvaje! / Yet it is music to my ears’

The Scythians fue el último poema mayor de Blok, completado a principios de 1918, en el mismo mes que los Doce., Mirsky lo llama una pieza elocuente de la escritura, pero «en un nivel totalmente inferior» en comparación con el «genio musical» de los Doce. Sin embargo, las concepciones de los escitas, que típicamente los presentan como los antepasados de la Rusia contemporánea, eran tan prevalentes en la década de 1910 que un grupo derivado de escritores simbolistas, incluidos Bely, Blok y Razumnik Ivanov-Razumnik, comenzaron a diseñarse como «escitas».,

como grupo etnográfico, los escitas eran aquellas tribus nómadas de habla Iraní que habitaban las estepas euroasiáticas alrededor de los mares Negro y Caspio entre los siglos VIII y I A.C. Heródoto escribió sobre ellos en el Libro IV de las historias, creyendo que después de la guerra con los Massagetae, dejaron Asia y entraron en la Península de Crimea. En la literatura, ‘escita’ se había convertido en un término despectivo para describir a las personas salvajes e incivilizadas., Shakespeare se refiere a «El Bárbaro escita» en el Rey Lear, mientras que Edmund Spenser trató de declamar a los irlandeses postulando que ellos y los escitas compartían un linaje común.

Alexander Pushkin usó el término más calurosamente en su poesía, escribiendo ‘ahora la templanza no es apropiada / quiero beber como un escita Salvaje’, y en la Rusia de finales del siglo XIX, llegó a ser utilizada para inferir esas cualidades del pueblo ruso que los distinguían de los europeos occidentales., Instigado por las excavaciones arqueológicas a gran escala de los kurganes escitas (túmulos funerarios) emprendidos por Ivan Zabelin y Nikolai Veselovsky, que se extendían desde las orillas del Dniéper en la Ucrania moderna a través de Asia Central hasta Siberia, una herencia compartida con los escitas se hipotetizó como «escita» se convirtió en un sinónimo para el pasado antiguo de Rusia, para el carácter ruso, la otredad rusa y, por lo tanto, también para el futuro de Rusia.,

haciendo hincapié en la confluencia de influencias orientales en el rito de la primavera, Orlando Figes argumenta que el ballet de Stravinsky debe ser visto como una manifestación de este interés en todas las cosas escitas. El pintor Nicholas Roerich se había formado inicialmente como arqueólogo, y en 1897 trabajó con Veselovsky durante la excavación del kurgan Maikop en el sur de Rusia. El kurgan de Maikop fue fechado ya en el tercer milenio a. C., y reveló dos entierros, que contenían ricos artefactos, incluyendo una figura de Toro hecha de oro., Un seguidor de Stasov, cuando concibió una serie de pinturas inspiradas en sus estudios arqueológicos y que representan a los primeros eslavos, Roerich buscó el asesoramiento de Stasov en asuntos de detalle etnográfico. Stasov le aconsejó que donde había una falta de evidencia local, era apropiado tomar prestados detalles artísticos y culturales de Oriente ya que:

‘el antiguo Oriente significa la antigua Rusia: los dos son indivisibles.,’

aunque su orientalismo y los detalles de sus antecedentes no eran del todo fluidos con la perspectiva más cosmopolita del grupo, Roerich forjó una estrecha relación con el mundo del arte de Sergei Diaghilev. Diseñó los escenarios para las danzas Polovtsianas, un ballet extraído de la ópera Príncipe Igor de Borodin con coreografía de Michel Fokine, que se presentó durante la primera temporada de Ballets Russes en París en 1909. Luego se fue a trabajar con Stravinsky ideando el concepto, el escenario y el vestuario para el rito de la primavera.

la idea del rito de la primavera había surgido en 1910., Petrushka se estrenó un año más tarde, dos años antes del rito de la primavera, y fue el producto de una sensibilidad ligeramente diferente. Diaghilev rápidamente se convirtió en la figura prominente en el movimiento – debido a su apetito por el conocimiento, su capacidad para sintetizar las artes, y una personalidad empresarial que impulsó la publicación de la revista del mismo nombre desde 1899 – pero el mundo del arte, en ruso Mir iskusstva (Мир искусств), originalmente comprendía un grupo de estudiantes de Petersburgo alrededor de Alexandre Benois y Léon Bakst., Mirsky describe a Benois como:

‘ el mayor Europeo de la Rusia moderna, la mejor expresión del Espíritu occidental y latino. También fue la principal influencia en la reactivación del culto a la metrópoli del Norte y en el redescubrimiento de su belleza arquitectónica, tanto tiempo oculta por generaciones de barbarie artística, pero nunca fue ciego al arte ruso, y en su obra el occidentalismo y el Eslavofilismo fueron más que nunca las dos cabezas de un Jano de un solo corazón.,’

el mundo del arte encarnó estos dos polos, y fue parte de una vanguardia energética y diversa en Rusia en la primera década de la década de 1900. esta vanguardia incluyó a los simbolistas en la literatura y Alexander Scriabin en la música, un compositor influyente que experimentó con formas atonales y fue muy querido por Stravinsky. Después de los éxitos de Diaghilev poniendo en escena ópera y música rusa en París hacia el final de la década, formó los Ballets Rusos., Bakst produjo el escenario para la adaptación de la Compañía de Scheherazade en 1910, mientras que Benois diseñó los decorados para muchas de sus primeras producciones. Su influencia fue particularmente fuerte hacia Petrushka. Mirsky sugiere que no solo el diseño de la escenografía, sino la idea misma del ballet «pertenece a Benois, y una vez más reveló en ella su gran amor por su ciudad natal de Petersburgo en todos sus aspectos, clásicos y populares». Tanto Scheherazade como Petrushka fueron coreografiadas de nuevo por Fokine.,

Cuando se trata de localizar la génesis del rito de la primavera, Richard Taruskin y Lawrence Morton han afirmado la influencia en Stravinsky de la colección de poesía mitológica Yar de Sergey Gorodetsky, publicada en 1907. Stravinsky puso música a dos de los poemas de Yar entre 1907 y 1908, con otro poema que representa el sacrificio de una doncella al dios sol Yarilo. Stravinsky Más tarde afirmaría que la idea del ballet le vino como una visión, de un ‘rito pagano solemne’ en el que una niña bailaba hasta la muerte para el dios de la primavera.,

la propia visión de Yar y Stravinsky para el ballet ciertamente parece haber cambiado el curso del rito de la primavera, pero Figes argumenta que el concepto fue originalmente de Roerich, y que «Stravinsky, que era bastante notorio por tales distorsiones, más tarde lo reclamó como suyo». Thomas F. Kelly, escribiendo una historia del estreno del ballet, ha argumentado lo mismo.

en 1898, Roerich había publicado evidencia de sacrificios humanos entre los escitas, y en un ensayo de 1909 ‘Joy in Art’, describió antiguos rituales de sacrificio eslavos., Había estudiado a Heródoto, y había dibujado un busto del historiador en 1893, mientras que además de YAR de Gorodetsky, parece haberse inspirado en la crónica primaria, un relato del siglo XI de las primeras costumbres de Kiev, y la visión poética de la naturaleza de Alexander Afanasiev, un estudio del folclore y el paganismo que se publicó entre 1866 y 1869. Juntando estas diversas fuentes, Roerich concibió inicialmente un ritual de verano basado en las festividades de Kupala, que se celebran a principios de julio., Como Francis Maes ha señalado, en agosto de 1910 Roerich dijo:

‘el nuevo ballet dará una serie de imágenes de la noche santa entre los antiguos eslavos la acción comenzará con una noche de verano y terminará inmediatamente antes de la salida del sol, cuando los primeros rayos comienzan a mostrar.’

como Stravinsky y Roerich se reunieron a partir de mayo de 1910 para discutir el próximo ballet, rápidamente se establecieron en un título provisional, ‘el gran sacrificio’. Stravinsky pasó gran parte del año siguiente trabajando en Petrushka., Luego, en julio de 1911, visitó Roerich en Talashkino, una colonia de artistas presidida por la patrona Princesa María Tenisheva, donde el escenario para el rito – «una sucesión de actos rituales» – estaba completamente trazado. Mientras Stravinsky compuso el ballet, Roerich trabajó en los decorados y los trajes, que eran ricos en detalles etnográficos, basándose en su trabajo arqueológico, en el ornamento ruso medieval y en las colecciones de trajes campesinos tradicionales de Tenisheva.

El Rito de la primavera se estrenó en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913., La controversia del estreno del ballet a menudo se ha transmitido como la de Stravinsky, quien escribió en su autobiografía La burla de algunos miembros del público al escuchar los primeros compases de su partitura, que se basaba en canciones populares lituanas, y la orquesta estaba llena de proyectiles mientras actuaban. Sin embargo, otros críticos han presentado los trajes de Roerich como el aspecto más impactante del ballet. Y otros aún, incluido el compositor Alfredo Casella, sintieron que fue la coreografía de Vaslav Nijinsky la que más atrajo la ira del público., Figes escribe:

‘ la música apenas se escuchaba en la conmoción que Nijinsky tenía movimientos coreografiados que eran feos y angulares. Todo en los movimientos de los bailarines enfatizaba su peso en lugar de su ligereza, como exigen los principios del ballet clásico. Rechazando todas las posiciones básicas, los bailarines rituales tenían los pies girados hacia adentro, los codos agarrados a los lados de su cuerpo y sus palmas sostenidas planas, como los ídolos de madera que eran tan prominentes en las pinturas míticas de Roerich de la Rusia escita.,’

Nijinsky había sido un bailarín principal para los Ballets Rusos desde la temporada inaugural de 1909. Su primera empresa coreográfica llegó con L’après-midi d’un faune, basada en música de Debussy, que se estrenó en 1912. La coreografía de Nijinsky para el ballet resultó controvertida, ya que entre las respuestas mezcladas al estreno, Gaston Calmette de Le Figaro escribió, en una crítica de primera plana despectiva, «se nos muestra un fauno lascivo, cuyos movimientos son sucios y bestiales en su erotismo, y cuyos gestos son tan crudos como indecentes»., El segundo trabajo coreográfico de Nijinsky, de nuevo después de Debussy, fue Jeux, que se estrenó solo un par de semanas antes de la ceremonia de la primavera.

Nijinsky y Diaghilev se habían convertido en amantes después de su primer encuentro en 1908. Después de que Nijinsky se casara con Romola de Pulszky en septiembre de 1913, mientras los Ballets Rusos – con Diaghilev ausente – recorrían Sudamérica, Diaghilev despidió a Nijinsky de su compañía. Volvió a nombrar a Michel Fokine como su coreógrafo principal, a pesar de sentir que Fokine había perdido su originalidad. Fokine se negó a interpretar ninguna de las coreografías de Nijinsky., Un desesperado Stravinsky escribió a Benois:

‘ la posibilidad se ha ido durante algún tiempo de ver algo valioso en el campo de la danza y, aún más importante, de volver a ver a este descendiente mío.cuando Fokine regresó a Rusia al comienzo de la Primera Guerra Mundial, Diaghilev comenzó a negociar para que Nijinsky regresara a los Ballets Rusos. Pero Nijinsky quedó atrapado en Viena, un enemigo ruso bajo arresto domiciliario, y su liberación no fue asegurada hasta 1916., En ese año, Nijinsky coreografió un nuevo ballet, Till Eulenspiegel, y su baile fue aclamado, pero estaba mostrando signos crecientes de la esquizofrenia que gobernaría el resto de su vida, y se retiró a Suiza con su esposa en 1917. Sin Nijinsky para ofrecer orientación, los Ballets Rusos fueron incapaces de revivir su coreografía para el rito de la primavera. Esta coreografía se consideró perdida hasta 1987, cuando el Joffrey Ballet de Los Ángeles realizó una reconstrucción basada en años de minuciosa investigación., Mientras tanto, después del estreno de 1913, Stravinsky continuaría revisando su partitura durante los siguientes treinta años.

Nicholas Roerich es quizás más conocido hoy por sus propias pinturas, y como guía espiritual y activista cultural. Su interés en la religión oriental y en el Bhagavad Gita floreció a lo largo de la década de 1910, en gran parte inspirado por su lectura de la poesía de Rabindranath Tagore. Emigrando a Londres en 1919, luego a los Estados Unidos en 1920, en 1925 Roerich y su familia se embarcaron en una expedición de cinco años a través de Manchuria y Tíbet., Fue nominado para el Premio Nobel de la paz varias veces, mientras que el Pacto Roerich-un Tratado Interamericano firmado en Washington en 1935 – estableció legalmente la precedencia del patrimonio cultural sobre la defensa militar. Su arte y su vida son celebrados por el Museo Nicholas Roerich, que alberga más de 200 de sus pinturas, ubicadas en el Upper West Side de Manhattan.

Figes, O. Natasha’s Dance: A Cultural History of Russia (London; Penguin, 2003)

Gibian, G. (ed.) The Portable Nineteenth Century Russian Reader (Penguin, 1993)

Kelly, T. F., First Nights: Five Musical Premieres (Yale University Press, 2001)

Maes, F. A History of Russian Music: From Kamarinskaya to Babi Yar (University of California Press, 2002)

Mirsky, D. S. A History of Russian Literature (London; Routledge & Kegan Paul, 1968)

Taruskin, R. Stravinsky y las tradiciones rusas (University of California Press, 1996)