Música clásica
Notación musical de un misal inglés de principios del siglo XIV, con la cabeza de Cristo. Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna con el fin de estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial.,
las principales divisiones de tiempo de la música clásica hasta 1900 son el período de la música antigua, que incluye las épocas Medieval (500-1400) y renacentista (1400-1600), y el período de práctica común, que incluye las épocas barroca (1600-1750), clásica (1750-1820) y romántica (1810-1910). El período actual abarca el siglo XX y el siglo XXI hasta la fecha e incluye la era musical modernista y la era musical contemporánea o posmoderna, cuyas fechas a menudo se disputan.,
las fechas son generalizaciones, ya que los períodos y eras se superponen y las categorías son algo arbitrarias, hasta el punto de que algunas autoridades invierten terminologías y se refieren a una práctica común «era» que comprende «períodos»barrocos, clásicos y románticos. Por ejemplo, el uso del contrapunto y la fuga, que se considera característico de la era barroca (o período), fue continuado por Haydn, que se clasifica como típico de la era Clásica., Beethoven, que a menudo se describe como un fundador de la era romántica, y Brahms, que se clasifica como romántico, también utilizaron el contrapunto y la fuga, pero las cualidades románticas y a veces anhelantes de su música definen su época.
el prefijo neo – se utiliza para describir una composición del siglo XIX, XX o XXI escrita en el estilo de una época anterior, como clásica o romántica. La Pulcinella de Stravinsky, por ejemplo, es una composición neoclásica porque es estilísticamente similar a las obras de la época barroca.,
RootsEdit
Burgh (2006), sugiere que las raíces de la música clásica occidental se encuentran en última instancia en la música del arte del antiguo Egipto a través de cheironomy y la Orquesta del antiguo Egipto, que data de 2695 AC. El desarrollo de tonos y escamas individuales fue hecho por antiguos griegos como Aristoxeno y Pitágoras. Pitágoras creó un sistema de afinación y ayudó a codificar la notación musical., Los instrumentos griegos antiguos como el aulos (un instrumento de lengüeta) y La Lira (un instrumento de cuerda similar a un arpa pequeña) eventualmente llevaron a varios instrumentos modernos de una orquesta clásica. El antecedente del período temprano fue la era de la música antigua antes de la caída del Imperio Romano (476 DC).,
período Tempranoeditar
Eraedit Medieval
músico tocando la vielle (manuscrito Medieval del siglo XIV)
la época medieval incluye música desde después de la caída de Roma hasta alrededor de 1400. El canto monofónico, también llamado canto llano o canto gregoriano, fue la forma dominante hasta alrededor de 1100., Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna con el fin de estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial. La música polifónica (multi-voiced) se desarrolló a partir del canto monofónico a lo largo de la Baja Edad Media y en el Renacimiento, incluyendo las voces más complejas de los motetes.
Johannes Ockeghem, Kyrie «Au travail suis» excerpt
varios instrumentos musicales clásicos europeos tienen raíces en instrumentos orientales que fueron adoptados del mundo islámico medieval., Por ejemplo, el rebab árabe es el antepasado de todos los instrumentos de cuerda arqueada europeos, incluyendo La lira, El rebec y el violín.
muchos de los instrumentos utilizados para interpretar música medieval todavía existen, pero en diferentes formas. Los instrumentos medievales incluían la flauta, la flauta dulce y los instrumentos de cuerda pulsada como el laúd. También existían versiones tempranas del órgano y el violín (o vielle). Los instrumentos medievales en Europa se habían utilizado más comúnmente por separado, a menudo acompañados con una nota de dron, u ocasionalmente en partes., Desde al menos el siglo XIII hasta el siglo XV hubo una división de instrumentos en haut (instrumentos fuertes, estridentes, al aire libre) y bas (instrumentos más silenciosos, más íntimos). Durante el período medieval temprano, la música vocal del género litúrgico, predominantemente Canto Gregoriano, era monofónica, utilizando una sola línea de melodía vocal sin acompañamiento. Los géneros vocales polifónicos, que usaban múltiples melodías vocales independientes, comenzaron a desarrollarse durante la Alta Edad Media, llegando a prevalecer a finales del siglo XIII y principios del XIV.,
compositores Medievales notables incluyen Hildegarda de Bingen, Guillaume de Machaut, Léonin, Pérotin, Philippe de Vitry, Francesco Landini, y Johannes Ciconia.
Eraeditar
La Era del Renacimiento fue de 1400 a 1600. Se caracterizó por un mayor uso de instrumentación, múltiples líneas melódicas entrelazadas y el uso de los primeros instrumentos de bajo. El baile Social se hizo más generalizado, por lo que las formas musicales apropiadas para acompañar la danza comenzaron a estandarizarse., Es en este tiempo que la notación de la música en un pentagrama y otros elementos de la notación musical comenzaron a tomar forma. Esta invención hizo posible la separación de la composición de una pieza musical de su transmisión; sin música escrita, la transmisión era oral y estaba sujeta a cambios cada vez que se transmitía. Con una partitura musical, una obra de música podría ser interpretada sin la presencia del compositor. La invención de la imprenta de tipo móvil en el siglo XV tuvo consecuencias de largo alcance en la preservación y transmisión de la música.,
una apertura iluminada del códice Chigi con el Kyrie de la Missa Ecce ancilla Domini de Ockeghem
muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros fueron variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido previamente. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, solo para ser recreados con el fin de interpretar música con instrumentos de época. Al igual que en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse como latón, cuerdas, percusión y viento madera., Los instrumentos de metal en el Renacimiento eran tocados tradicionalmente por profesionales que eran miembros de Gremios e incluían la trompeta de deslizamiento, La Corneta de madera, la trompeta sin válvula y el sacbut. Los instrumentos de cuerda incluían la viola, el rebec, La Lira similar al arpa, la zanfona, el laúd, la guitarra, el cittern, la bandora y el orpharion. Los instrumentos de teclado con cuerdas incluyen el clavicordio y el clavicordio. Los instrumentos de percusión incluyen el triángulo, el arpa judía, la pandereta, las campanas, el rumble-pot y varios tipos de tambores., Los instrumentos de viento madera incluían el shawm de doble caña (uno de los primeros miembros de la familia del oboe), la pipa de caña, la gaita, la flauta travesera, la flauta dulce, y el crumhorn. Los órganos de tubos simples existían, pero se limitaban en gran medida a las iglesias, aunque había variedades portátiles. La impresión permitió la estandarización de las descripciones y especificaciones de los instrumentos, así como la instrucción en su uso.
La música Vocal en el Renacimiento se caracteriza por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado., Las principales formas litúrgicas que perduraron durante todo el período renacentista fueron las misas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como El madrigal) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera, como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio. Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió Dafne, la primera obra que hoy se llama ópera. También compuso Eurídice, la primera ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días.,
compositores notables del Renacimiento incluyen Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, John Dunstaple, Johannes Ockeghem, Orlande de Lassus, Guillaume Du Fay, Gilles Binchois, Thomas Tallis, William Byrd, Giovanni Gabrieli, Carlo Gesualdo, John Dowland, Jacob Obrecht, Adrian Willaert, Jacques Arcadelt, y Cipriano de Rore.
período de práctica Comúneditar
el período de práctica común se define típicamente como la era entre la formación y la disolución de la tonalidad de práctica común., El término generalmente abarca aproximadamente dos siglos y medio, abarcando los períodos barroco, clásico y romántico.
Baroque eraEdit
instrumentos barrocos que incluyen zanfona, clavicordio, viola bajo, laúd, violín y guitarra barroca
la música barroca se caracteriza por el uso de contrapunto tonal complejo y el uso de un bajo continuo, una línea de bajo continua., La música se hizo más compleja en comparación con las canciones simples de todos los períodos anteriores. Los inicios de la forma sonata tomaron forma en la canzona, al igual que una noción más formalizada de tema y variaciones. Las tonalidades de mayor y menor como medio para manejar la disonancia y el cromatismo en la música tomaron forma completa.
durante la era barroca, la música de teclado tocada en el clavicémbalo y el órgano de tubos se hizo cada vez más popular, y la familia de violines de instrumentos de cuerda tomó la forma generalmente vista Hoy en día., La ópera como drama musical escenificado comenzó a diferenciarse de las formas musicales y dramáticas anteriores, y las formas vocales como la cantata y el oratorio se hicieron más comunes. Los vocalistas por primera vez comenzaron a agregar notas adicionales a la música.
Las teorías que rodean el temperamento igual comenzaron a ser puestas en práctica más amplia, especialmente porque permitió una gama más amplia de posibilidades cromáticas en instrumentos de teclado difíciles de afinar. Aunque J. S., Bach no usó el mismo temperamento, ya que un piano moderno generalmente está afinado, los cambios en los temperamentos del sistema meantone, común en la época, a varios temperamentos que hacían que la modulación entre todas las teclas musicalmente fuera aceptable, hicieron posible su Clave Bien temperada.
Find sources: «Classical music» – news * newspapers * books * scholar * JSTOR (November 2017) (Learn how and when to remove this template message)
Baroque instruments included some instruments from the earlier periods (E.G., The hurdy-gurdy and recorder) and a number of new instruments (E. G., the oboe, fagot, cello, contrabajo and fortepiano). Algunos instrumentos de épocas anteriores cayeron en desuso, como el shawm, el cittern, el rackett y la corneta de madera., Los instrumentos barrocos clave para cuerdas incluían el violín, la viola, La viola de amor, el violonchelo, el contrabajo, el laúd, la tiorba (que a menudo tocaba las partes de bajo continuo), la mandolina, la guitarra barroca, el arpa y la zanfona. Los instrumentos de viento incluían la flauta barroca, el oboe Barroco, la flauta dulce y el fagot. Los instrumentos de metal incluían la corneta, el cuerno natural, la trompeta natural, la serpiente y el trombón. Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio, el piano tangente, el clavicordio, el órgano de tubos y, más tarde en el período, El fortepiano (una versión temprana del piano)., Los instrumentos de percusión incluían los timbales, el tambor, la pandereta y las castañuelas.
una diferencia importante entre la música barroca y la época clásica que la siguió es que los tipos de instrumentos utilizados en los conjuntos barrocos eran mucho menos estandarizados. Un conjunto barroco podría incluir uno de varios tipos diferentes de instrumentos de teclado( por ejemplo, órgano de tubo o clavicordio), instrumentos de cuerda adicionales (por ejemplo, un laúd), cuerdas arqueadas, instrumentos de viento de madera e instrumentos de metal, y un número no especificado de instrumentos de bajo que realizan el bajo continuo,(por ejemplo.,, Violonchelo, Contrabajo, viola, Fagot, serpiente, etc.).
Los desarrollos vocales en la era barroca incluyeron el desarrollo de tipos de ópera como opera seria y opéra comique, y formas relacionadas como oratorios y cantatas.
compositores importantes de esta época incluyen a Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Barbara Strozzi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully, y Heinrich Schütz.,
Classical eraEdit
Joseph Haydn (1732-1809) interpretado por Thomas Hardy (1791)
aunque el término «música clásica» incluye toda la música de arte occidental desde la época medieval hasta la década de 2000, la era clásica fue el período de la música de Arte occidental desde la década de 1750 hasta principios de 1820, la era de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven.,
La Era Clásica estableció muchas de las normas de composición, presentación y estilo, y fue también cuando el piano se convirtió en el instrumento de teclado predominante. Las fuerzas básicas requeridas para una orquesta se estandarizaron un poco (aunque crecerían a medida que se desarrollara el potencial de una gama más amplia de instrumentos en los siglos siguientes). La música de cámara creció para incluir conjuntos con hasta 8 a 10 artistas para serenatas. La ópera continuó desarrollándose, con estilos regionales en Italia, Francia y países de habla alemana., La ópera buffa, una forma de ópera cómica, aumentó en popularidad. La sinfonía se convirtió en una forma musical, y el concierto se desarrolló como un vehículo para mostrar la habilidad de tocar virtuoso. Las orquestas ya no requerían un clavecín (que había sido parte del continuo tradicional en el estilo barroco), y a menudo eran dirigidas por el violinista principal (ahora llamado concertino).
los músicos de la Era Clásica continuaron utilizando muchos de los instrumentos de la era barroca, como el violonchelo, contrabajo, Flauta Dulce, trombón, timbales, fortepiano (el precursor del piano moderno) y órgano., Mientras que algunos instrumentos barrocos cayeron en desuso (por ejemplo, el theorbo y el rackett), muchos instrumentos barrocos fueron cambiados a las versiones que todavía están en uso hoy en día, como el violín barroco (que se convirtió en el violín), el oboe barroco (que se convirtió en el oboe) y la trompeta barroca, que pasó a la trompeta valvulada regular. Durante la Era Clásica, los instrumentos de cuerda utilizados en la orquesta y la música de cámara, como los cuartetos de cuerda, se estandarizaron como los cuatro instrumentos que forman la sección de cuerda de la orquesta: el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo., Los instrumentos de cuerda de la época barroca, como las violas con trastes y arcos, fueron eliminados gradualmente. Los instrumentos de viento madera incluían el clarinete basset, la trompa basset, la clarinette d’amour, el clarinete clásico, el chalumeau, la flauta, el oboe y el fagot. Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio y el fortepiano. Mientras que el clavicémbalo todavía se usaba en el acompañamiento bajo continuo en las décadas de 1750 y 1760, dejó de usarse a finales del siglo. Los instrumentos de metal incluyen el buccin, el ophicleide (un reemplazo de la serpiente baja, que fue el precursor de la tuba) y el cuerno natural.,
los instrumentos de viento se volvieron más refinados en la Era Clásica. Mientras que los instrumentos de doble lengüeta como el oboe y el fagot se estandarizaron en el Barroco, la familia del clarinete de lengüetas individuales no fue ampliamente utilizada hasta que Mozart expandió su papel en la orquestación, cámara y concierto.
los principales compositores de este período Incluyen a Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi, Antonio Salieri, y Johann Nepomuk Hummel.,
Eraeditar
la música de la era romántica, desde aproximadamente la primera década del siglo XIX hasta principios del siglo XX, se caracterizó por una mayor atención a una línea melódica extendida, así como a elementos expresivos y emocionales, paralelos al romanticismo en otras formas de arte., Las formas musicales comenzaron a romper con las formas de la Era Clásica (incluso mientras se codificaban), con piezas de forma libre como nocturnos, fantasias y preludios escritos donde las ideas aceptadas sobre la exposición y el desarrollo de temas fueron ignoradas o minimizadas. La música se volvió más cromática, disonante y tonalmente colorida, con tensiones (con respecto a las normas aceptadas de las formas más antiguas) sobre las armaduras de tonalidad en aumento. La canción artística (o Lied) llegó a la madurez en esta era, al igual que las escalas épicas de la Gran Ópera, trascendidas finalmente por el ciclo de anillos de Richard Wagner.,
en el siglo XIX, las instituciones musicales surgieron del control de los patrones ricos, ya que los compositores y músicos podían construir vidas independientes de la nobleza. El creciente interés en la música por parte de las crecientes clases medias en toda Europa Occidental estimuló la creación de organizaciones para la enseñanza, la interpretación y la preservación de la música. El piano, que logró su construcción moderna en esta época (en parte debido a los avances industriales en la metalurgia) se hizo ampliamente popular entre la clase media, cuyas demandas por el instrumento estimularon a muchos constructores de piano., Muchas orquestas sinfónicas datan su fundación en esta época. Algunos músicos y compositores fueron las estrellas de la época; algunos, como Franz Liszt y Niccolò Paganini, cumplieron ambos papeles.
Las ideas e instituciones culturales europeas comenzaron a seguir la expansión colonial en otras partes del mundo. También hubo un aumento, especialmente hacia el final de la era, del nacionalismo en la música (haciéndose eco, en algunos casos, de los sentimientos políticos de la época), ya que compositores como Edvard Grieg, Nikolai Rimsky-Korsakov y Antonín Dvořák se hicieron eco de la música tradicional de sus países de origen en sus composiciones.,
Orquesta Filarmónica de Dublín
en la era romántica, el piano moderno, con un tono más potente, sostenido y un rango más amplio tomó el relevo del más delicado sonido fortepiano. En la Orquesta, los instrumentos clásicos existentes y las secciones se mantuvieron (sección de cuerda, vientos de madera, metales y percusión), pero estas secciones se expandieron típicamente para hacer un sonido más completo y más grande. Por ejemplo, mientras que una orquesta barroca puede haber tenido dos contrabajistas, una orquesta romántica podría tener hasta diez., «A medida que la música se hizo más expresiva, la paleta orquestal estándar no era lo suficientemente rica para muchos compositores románticos.»
Las familias de instrumentos utilizados, especialmente en las orquestas, crecieron; un proceso que culminó a principios del siglo XX con orquestas muy grandes utilizadas por compositores románticos y modernistas tardíos. Una gama más amplia de instrumentos de percusión comenzó a aparecer. Los instrumentos de metal asumieron papeles más grandes, ya que la introducción de válvulas rotativas les permitió tocar una gama más amplia de notas., El tamaño de la Orquesta (típicamente alrededor de 40 en la Era Clásica) creció hasta ser más de 100. La Sinfonía nº 8 de Gustav Mahler de 1906, por ejemplo, se ha interpretado con más de 150 instrumentistas y coros de más de 400. Se agregaron nuevos instrumentos de viento de madera, como el contrabajo, clarinete bajo y piccolo y se agregaron nuevos instrumentos de percusión, incluidos xilófonos, tambores, celestas (un instrumento de teclado similar a una campana), campanas y triángulos, arpas orquestales grandes e incluso máquinas de viento para efectos de sonido., Los saxofones aparecen en algunas partituras de finales del siglo XIX en adelante, por lo general aparece como un instrumento solista en lugar de como parte integral de la Orquesta.
La tuba de Wagner, un miembro modificado de la familia del cuerno, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner. También tiene un papel prominente en la Sinfonía No. 7 en mi mayor de Anton Bruckner y también se utiliza en varias obras romanticas tardías y modernistas de Richard Strauss, Béla Bartók y otros Cornetas aparecen regularmente en partituras del siglo XIX, junto a trompetas que se consideraban menos ágiles, al menos hasta el final del siglo.,
compositores destacados de esta época incluyen a Piotr Ilich Tchaikovsky, Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Franz Liszt, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Johannes Brahms, Edvard Grieg, y Johann Strauss II. Gustav Mahler y Richard Strauss son comúnmente considerados como compositores de Transición cuya música combina elementos románticos tardíos y modernistas tempranos.,
20 y 21 de centuriesEdit
Modernista eraEdit
Igor Stravinsky, de Pablo Picasso, colaboradores en Pulcinella (1920)
Abarcan una amplia variedad de post-Romántico estilos modernista de la música clásica incluye la tarde romántica, impresionista, expresionista, neoclásicos y estilos de composición., El modernismo marcó una época en la que muchos compositores rechazaron ciertos valores de la práctica común, como la tonalidad tradicional, la melodía, la instrumentación y la estructura. Algunos historiadores de la música consideran el modernismo musical como una era que se extiende desde 1890 hasta 1930. Otros consideran que el modernismo terminó con una u otra de las dos guerras mundiales. Sin embargo, otras autoridades afirman que el modernismo no está asociado con ninguna época histórica, sino que es «una actitud del compositor; una construcción viva que puede evolucionar con los tiempos»., A pesar de su declive en el último tercio del siglo XX, quedó a finales de siglo un núcleo activo de compositores que continuaron avanzando en las ideas y formas del modernismo, como Pierre Boulez, Pauline Oliveros, Toru Takemitsu, George Benjamin, Jacob Druckman, Brian Ferneyhough, George Perle, Wolfgang Rihm, Richard Wernick, Richard Wilson y Ralph Shapey.
dos movimientos musicales que fueron dominantes durante este tiempo fueron el impresionista que comenzó alrededor de 1890 y el expresionista que comenzó alrededor de 1908., Fue un período de diversas reacciones en desafiar y reinterpretar categorías más antiguas de música, innovaciones que conducen a nuevas formas de organizar y abordar los aspectos armónicos, melódicos, sónicos y rítmicos de la música, y cambios en las cosmovisiones estéticas en estrecha relación con el período identificable más amplio del modernismo en las artes de la época. La palabra operativa más asociada con ella es «innovación». Su característica principal es una «pluralidad lingüística», es decir, que ningún género musical asumió una posición dominante.,
La Orquesta continuó creciendo en tamaño durante los primeros años de la era modernista, alcanzando su punto máximo en las dos primeras décadas del siglo XX. Los saxofones que aparecieron raramente durante el siglo XIX se usaron más comúnmente como instrumentos complementarios, pero nunca se convirtieron en miembros principales de la Orquesta., Aunque sólo aparece como instrumento solista en algunas obras, por ejemplo la orquestación de Maurice Ravel de cuadros de Modest Mussorgsky en una exposición y las danzas Sinfónicas de Serguéi Rajmáninov, el saxofón se incluye en otras obras como Romeo y Julieta Suites 1 y 2 de Serguéi Prokófiev y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En algunas composiciones como el Boléro de Ravel, se utilizan dos o más saxofones de diferentes tamaños para crear una sección completa como las otras secciones de la Orquesta., El bombardino aparece en algunas obras románticas tardías y del siglo XX, generalmente interpretando partes marcadas como «tuba tenor», incluyendo los planetas de Gustav Holst, y ein Heldenleben de Richard Strauss.,
compositores destacados de principios del siglo 20 incluyen Igor Stravinsky, Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Sergei Prokofiev, Arnold Schoenberg, Heitor Villa-Lobos, Anton Webern, Alban Berg, Cécile Chaminade, Paul Hindemith, Aram Khachaturian, George Gershwin, Amy Beach, Béla Bartók, y Dmitri Shostakovich, junto con los ya mencionados Mahler y Strauss como figuras de transición que se arrastraron desde el siglo 19.,
post-modern/contemporary eraeditar
La música postmoderna es un período de música que comenzó ya en 1930 según algunas autoridades. Comparte características con el arte postmodernista, es decir, el arte que viene después del modernismo y reacciona contra él.,
algunas otras autoridades han equiparado más o menos la música postmoderna con la «música contemporánea» compuesta mucho después de 1930, desde finales del siglo XX hasta principios del siglo XXI. Algunos de los diversos movimientos de la era posmoderna / contemporánea incluyen el neoromántico, neomedieval, minimalista y post minimalista.
la música clásica contemporánea a principios del siglo XXI a menudo se consideraba que incluía todas las formas musicales posteriores a 1945., Una generación más tarde, este término se refiere a la música de hoy escrita por compositores que aún están vivos; música que llegó a la prominencia a mediados de la década de 1970. incluye diferentes variaciones de la música modernista, postmoderna, neoromántica y pluralista.
