Più tardi, la sua energia sconfinata per l’auto-creazione e la mitizzazione dell’arco-l’alter-ego Ziggy Stardust e la sua band, the Spiders from Mars – si dimostrarono enormemente influenti. L’immagine del suo volto, versato da un colpo di luce fluorescente di colore, è stato riprodotto all’infinito.,

Mentre cresceva, si dimostrò disposto a inviare delicatamente la stranezza del suo periodo d’oro. Eppure ha continuato a spingere i confini musicali, producendo il magnifico, incrinato album swansong Blackstar mentre stava morendo di cancro, un fatto che ha nascosto da tutti, ma la sua famiglia più vicina fino alla fine.

A quel punto, però, la sua eredità era assicurata. L’uomo che cadde sulla terra divenne una parte eterna del firmamento musicale.

Questa è la nostra guida a questa eredità. Qui – in ordine cronologico-ci sono 20 canzoni essenziali:

1., Space Oddity (1969)

Tutto inizia qui – un’epica di alienazione strung-out, mutaforma. Nel 2013, la canzone è stata coperta dall’astronauta canadese Chris Hadfield, che l’ha registrata mentre era a bordo della Stazione Spaziale Internazionale.

Black Country Rock (1970)

il 1970 fu un inizio produttivo per Bowie. Era sul punto di perfezionare “Ziggy” e svolazzare tra suoni acustici ed elettrici. Questa traccia definisce il suo breve flirt con il genere blues-rock., Prodotto da Visconti e ispirato da T-Rex, nel tipico stile insulare di Bowie, al centro di questa canzone c’è un in-joke: un vibrato penetrante, cantato in riferimento beffardo a Marc Bolan ma di fatto in sostituzione di testi dimenticati. Quali, non lo sapremo mai.

The Man Who Sold The World (1970)

Una meditabonda e misteriosa ballata di worlds within worlds, guidata da uno dei riff di chitarra più strani della storia del pop. I suoi testi sono stati composti in uno spirito di interrogatorio giovanile, Bowie ha detto. I Nirvana, appropriatamente, registrarono una copertina adatta.,

Andy Warhol (1971)

Tratto dal suo album decisamente dark pop Hunky Dory, questa ode ridotta all’artista degli anni Sessanta inizia con un disaccordo tra Bowie e il suo produttore, Ken Scott, sulla pronuncia di “Warhol”. Lasciando irrisolto, Bowie crolla in una risata e subito segue in un riff di flamenco, rotolando e ringhiando le sue parole in finto elogio dell’artista. Abbastanza comprensibilmente, Warhol disprezzava la canzone per prendersi gioco di lui.

5., Life On Mars (1971)

Neil McCormick di The Telegraph ha classificato questo numero uno nelle sue migliori canzoni 100 di tutti i tempi, ed è Bowie al suo meglio surrealista e anti-romantico. Nella nota scarabocchiata che accompagnò la sua uscita nel 1971, Bowie descrisse la canzone: “Una reazione sensibile della ragazza a… canzoni come My Way, film come Love Story e giornali”” Dopo, ha modificato in ” reazione a… medio”. La narrazione (e ce n’è una, anche se cadente e senza senso) è seconda solo alla melodia: una melodia di spettacolo guidata da un pianoforte che imita la traiettoria della nuova fama.,

Cinque anni (1972)

Pop apocalittico imbattibile. Il tragico, inno brano di apertura di Ziggy Stardust and the Spiders from Mars evocato una visione di un mondo condannato – e ridotto il cantante stesso alle lacrime in studio di registrazione. In un’intervista del 1976, ha detto che era stato in parte ispirato da un sogno in cui il suo defunto padre gli apparve e gli disse che aveva solo cinque anni da vivere.,

Moonage Daydream (1972)

Aprendo con la linea immortale / oddball “I’m an alligator”, questo trilling glam-rock stomp di una canzone è stato registrato per la prima volta da Bowie sotto il nome d’arte Arnold Corns. Un anno dopo è apparso sull’album del 1972, Ziggy Stardust, e introduce il suo pubblico all’ascesa, alla caduta e alla rapida obsolescenza del suo alieno messiah mandato a salvare il mondo in cinque anni. Nel contesto dell’album, questo ha perfettamente senso.

The Jean Genie (1972)

Glam rock perfection: a chugging cut up paean to outsy Pop’s outsider swagger., È un commovente omaggio a serpente a sonagli al fumo e al vapore pompante di New York. La colonna sonora definitiva per qualsiasi film rispettabile sulla Grande Mela.

Fama (1975/1990)

Respiro sibilante autoreferenziale o pop post-moderno? Bene, entrambi davvero, dal momento che è stato scritto e registrato con la metà degli anni Settanta collaboratore John Lennon e tocca un argomento che ha familiarità con. Ispirato da un riff scintillante scritto dal chitarrista Carlos Alomar questo è stato pubblicato per la prima volta nel 1975 ad enorme successo., Bowie lo ripubblicò nel 1990 per promuovere il suo Sound and Vision tour per elogiare ulteriormente Gus Van Sant per il video – un montaggio se auto-esaltante dei suoi video precedenti.

i Giovani Americani (1975)

Bowie ottiene il suo groove per saxophonic stab di liscio, sincopato che CI anima. Le sue voci arrotondate, quasi Springsteen-esque sono stabilite sopra il funk inconfondibile dei riff Philly disco.,

Wild Is The Wind (1976)

Una delle tante canzoni di Bowie guidata da un sassofono, questa canzone è stata scritta per Johnny Mathis nel 1957 e coperta da Nina Simone prima che Bowie ottenesse le sue mani psych-pop su di esso nel 1976. È una melodia sognante e blakeiana dell’amore guadagnato e perso che ha assunto un significato quasi religioso nella cultura moderna. E ‘ uno dei preferiti ai funerali, senza sorpresa.

Sound And Vision (1977)

Cantata in stile laconico e fine anni Settanta di Bowie, questa critica paranoica della tecnologia moderna fu una partenza per il glam-rock di Bowie., Un pugno di una canzone all’inizio di Low (prodotto da Tony Visconti) mostrava Bowie entrare in un nuovo stile spassionato che avrebbe diviso i suoi ascoltatori ma, con il suo uso liberale di sintetizzatori, cementava anche il suo status di pioniere dell’elettronica.

Eroi/Helden (1977)

Un prodotto di Berlino e un cenno al gruppo tedesco Neu!,, questa traccia ispirata al krautrock della fine degli anni Settanta, scritta con Brian En, non è stata accolta calorosamente alla sua prima uscita. Al giorno d’oggi, è considerato come una delle sue migliori canzoni, anche se la parte inglese, parte versione tedesca, Helden, è di gran lunga superiore all’originale inglese. Se non altro perché ha dimostrato che il tedesco può essere sexy.

Sense Of Doubt (1977)

Una scelta insolita ma che risuona nel moderno electro, psych-rock., Formato quasi interamente da un motivo di pianoforte discendente di quattro note e da una sirena acuta da film horror, è stato usato con grande effetto nel film tedesco Christiane F (in cui Bowie ha un breve ma chiave cameo) per colonna sonora della discesa del protagonista nella dipendenza da eroina.

Ashes To Ashes (1980)

Il ritorno di lost astronaut di Bowie in un’epopea off-beat autoreferenziale, la sua innata peculiarità controbilanciata da pinging hooks, meme lirici e melodie orecchiabili come il comune raffreddore.,

China Girl (1983)

Bowie si sveglia per gli anni Ottanta con Nile Rodgers remake superslick di un vecchio inno emotionaly Pop / Bowie dipendenza emotiva, con cheesily brillante hookline orientale.

Bring Me The Disco King (2003)

Un allenamento jazztastic dall’album Reality di Bowie del 2003, con l’eloquente pianoforte di Mike Garson che incornicia la voce in bilico di Bowie. In una canzone di fuga da un passato confinante, Bowie canta “let me disappear”. E poi lo ha fatto-per dieci anni interi.,

Il Giorno Successivo (2013)

La title track Bowie primo album dopo un decennio di distanza si apre con un laccio slam e vedere-visto il riff di chitarra stanziati dalla Moda, ma dilagato con un Sonic Youth attacco. Testi Imagistic evocano un idolo caduto tradito e punito da “la folla gormless e abbaiare” che “non può ottenere abbastanza di quella canzone doomsday”., ” Eccomi qui, non proprio morire”, canta Bowie, mentre la sua band punch and howl.

Where Are We Now (2013)

Lush, maestoso, meravigliosamente strano, tessitura accordi di pianoforte risonanti, synth decadenti e tamburi echeggianti si radunano attorno a una semplice progressione di accordi. Nel frattempo, si insinuano voci stanche, teneramente sobrie e silenziosamente provocanti. Apparendo come la sua prima uscita dopo una pausa di dieci anni, potrebbe essere il ritorno più sorprendente, perfetto e benvenuto nella storia del rock.,

Blackstar (2015)

Avventurarsi ancora una volta verso il limite esterno del pop, Blackstar è un splendidamente imperscrutabile avant jazz sci-fi torch song, tutti scivoloso drum’n’bass, il ritmo, la due-nota tonale melodia con note del canto Gregoriano, spostando tempo le firme, churchy organo e distanziati errante sax – come Ornette Colman su un moonwalk.