Un certo numero di strumenti musicali classici europei hanno radici in strumenti orientali che sono stati adottati dal mondo islamico medievale., Ad esempio, il rebab arabo è l’antenato di tutti gli strumenti a corda ad arco europei, tra cui la lira, il rebec e il violino.

Molti degli strumenti utilizzati per eseguire musica medievale esistono ancora, ma in forme diverse. Strumenti medievali inclusi il flauto, il registratore e strumenti a corda pizzicate come il liuto. Anche le prime versioni dell’organo e del violino (o vielle) esistevano. Strumenti medievali in Europa erano stati più comunemente utilizzati singolarmente, spesso auto accompagnato con una nota drone, o occasionalmente in parti., Da almeno fin dal 13 ° secolo fino al 15 ° secolo c’era una divisione di strumenti in haut (forte, stridulo, strumenti esterni) e bas (più tranquillo, strumenti più intimi). Durante il primo periodo medievale, la musica vocale del genere liturgico, prevalentemente il canto gregoriano, era monofonica, usando un’unica linea melodica vocale non accompagnata. I generi vocali polifonici, che utilizzavano più melodie vocali indipendenti, iniziarono a svilupparsi durante l’alto medioevo, diventando prevalenti tra il 13 ° e l’inizio del 14 ° secolo.,

Notevoli compositori medievali includono Ildegarda di Bingen, Guillaume de Machaut, Léonin, Pérotin, Philippe de Vitry, Francesco Landini e Johannes Ciconia.

Era Renaissance

L’era rinascimentale era dal 1400 al 1600. Era caratterizzato da un maggiore uso della strumentazione, da molteplici linee melodiche intrecciate e dall’uso dei primi strumenti bassi. La danza sociale divenne più diffusa, quindi le forme musicali appropriate per accompagnare la danza iniziarono a standardizzarsi., È in questo momento che la notazione della musica su un pentagramma e altri elementi di notazione musicale hanno iniziato a prendere forma. Questa invenzione rese possibile la separazione della composizione di un brano musicale dalla sua trasmissione; senza musica scritta, la trasmissione era orale e soggetta a modifiche ogni volta che veniva trasmessa. Con una partitura musicale, un’opera musicale potrebbe essere eseguita senza la presenza del compositore. L’invenzione della macchina da stampa di tipo mobile nel 15 ° secolo ha avuto conseguenze di vasta portata sulla conservazione e la trasmissione della musica.,

Molti strumenti hanno avuto origine durante il Rinascimento; altri erano variazioni o miglioramenti di strumenti che erano esistiti in precedenza. Alcuni sono sopravvissuti fino ai giorni nostri; altri sono scomparsi, solo per essere ricreati per eseguire musica su strumenti d’epoca. Come nei giorni moderni, gli strumenti possono essere classificati come ottoni, archi, percussioni e legni., Gli ottoni nel Rinascimento erano tradizionalmente suonati da professionisti che erano membri di corporazioni e includevano la tromba a slitta, la cornetta di legno, la tromba senza valvole e la sackbut. Gli strumenti a corda includevano la viola, il rebec, la lira simile all’arpa, la ghironda, il liuto, la chitarra, il cittern, la bandora e l’orpharion. Gli strumenti a tastiera con corde includevano il clavicembalo e il clavicordo. Gli strumenti a percussione includono il triangolo, l’arpa dell’ebreo, il tamburello, le campane, il rumble-pot e vari tipi di tamburi., Gli strumenti a fiato includevano lo shawm a doppia canna (uno dei primi membri della famiglia degli oboi), la canna, la cornamusa, il flauto traverso, il registratore, il dulcian e il crumhorn. Esistevano semplici organi a canne, ma erano in gran parte confinati nelle chiese, sebbene esistessero varietà portatili. La stampa ha permesso la standardizzazione delle descrizioni e delle specifiche degli strumenti, nonché l’istruzione nel loro uso.

La musica vocale nel Rinascimento è nota per il fiorire di uno stile polifonico sempre più elaborato., Le principali forme liturgiche che durarono per tutto il periodo rinascimentale furono messe e mottetti, con alcuni altri sviluppi verso la fine, specialmente quando i compositori di musica sacra iniziarono ad adottare forme secolari (come il madrigale) per i loro disegni. Verso la fine del periodo, si vedono i primi precursori drammatici dell’opera come la monodia, la commedia madrigale e l’intermedio. Intorno al 1597, il compositore italiano Jacopo Peri scrisse Dafne, la prima opera ad essere chiamata un’opera oggi. Compose anche Euridice, la prima opera ad essere sopravvissuta fino ai giorni nostri.,

Notevoli compositori del Rinascimento includono Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Giovanni Dunstaple, Johannes Ockeghem, Orlande de Lassus, Guillaume Du Fay, Gilles Binchois, Thomas Tallis, William Byrd, Giovanni Gabrieli, Carlo Gesualdo, John Dowland, Jacob Obrecht, Adrian Willaert, Jacques Arcadelt, e Cipriano de Rore.

Periodo di pratica comunemodifica

Il periodo di pratica comune è tipicamente definito come l’era tra la formazione e la dissoluzione della tonalità di pratica comune., Il termine di solito si estende per circa due secoli e mezzo, che comprende il barocco, classico, e periodi romantici.

Barocco eraEdit

la musica Barocca è caratterizzata dall’utilizzo del complesso contrappunto tonale e l’uso di un basso continuo, una continua linea di basso., La musica è diventata più complessa rispetto alle semplici canzoni di tutti i periodi precedenti. Gli inizi della forma sonata hanno preso forma nella canzona, così come una nozione più formalizzata di tema e variazioni. Le tonalità di maggiore e minore come mezzo per gestire la dissonanza e il cromatismo nella musica hanno preso piena forma.

Durante l’epoca barocca, la musica per tastiera suonata sul clavicembalo e sull’organo a canne divenne sempre più popolare, e la famiglia di strumenti a corda del violino prese la forma generalmente vista oggi., L’opera come dramma musicale in scena cominciò a differenziarsi dalle forme musicali e drammatiche precedenti, e le forme vocali come la cantata e l’oratorio divennero più comuni. I cantanti per la prima volta hanno iniziato ad aggiungere note extra alla musica.

Le teorie che circondano il temperamento equabile cominciarono ad essere messe in pratica più ampia, specialmente perché consentiva una più ampia gamma di possibilità cromatiche negli strumenti a tastiera difficili da accordare. Anche se J. S., Bach non ha usato temperamento uguale, come un pianoforte moderno è generalmente accordato, cambiamenti nei temperamenti dal sistema meantone, comune al momento, a vari temperamenti che hanno reso la modulazione tra tutti i tasti musicalmente accettabile, reso possibile il suo Clavier ben temperato.

gli strumenti Barocchi inclusi alcuni strumenti da periodi precedenti (ad esempio, la ghironda e registratore) e una serie di nuovi strumenti (ad esempio, l’oboe, fagotto, violoncello, contrabbasso e fortepiano). Alcuni strumenti di epoche precedenti caddero in disuso, come lo shawm, il cittern, il rackett e la cornetta di legno., I principali strumenti barocchi per archi includevano il violino, la viola, la viola, la viola d’amore, il violoncello, il contrabbasso, il liuto, la tiorba (che spesso suonava le parti del basso continuo), il mandolino, la chitarra barocca, l’arpa e la ghironda. I fiati includevano il flauto barocco, l’oboe barocco, il flauto traverso e il fagotto. Gli ottoni includevano il cornetto, il corno naturale, la tromba naturale, il serpente e il trombone. Gli strumenti a tastiera includevano il clavicordo, il pianoforte tangente, il clavicembalo, l’organo a canne e, più tardi, il fortepiano (una prima versione del pianoforte)., Gli strumenti a percussione includevano timpani, rullante, tamburello e nacchere.

Una grande differenza tra la musica barocca e l’era classica che ne seguì è che i tipi di strumenti utilizzati negli ensemble barocchi erano molto meno standardizzati. Un ensemble barocco potrebbe includere uno dei diversi tipi di strumenti a tastiera (ad esempio, organo a canne o clavicembalo), ulteriori strumenti cordali a corda (ad esempio, un liuto), archi ad arco, fiati e ottoni, e un numero imprecisato di strumenti bassi che eseguono il basso continuo,(ad esempio,,, un violoncello, contrabbasso, viola,fagotto, serpente, ecc.).

Gli sviluppi vocali nell’era barocca includevano lo sviluppo di tipi di opera come l’opera seria e l’opéra comique, e forme correlate come oratori e cantate.

Importanti compositori di questa epoca sono Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Barbara Strozzi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully e Heinrich Schütz.,

Classical eraEdit

anche Se il termine “musica classica”, che include tutta l’arte Occidentale della musica dal medioevo al 2000, l’Epoca Classica era il periodo della musica colta Occidentale dal 1750 ai primi 1820—il tempo di Wolfgang Amadeus Mozart, Haydn, e Ludwig van Beethoven.,

L’era classica stabilì molte delle norme di composizione, presentazione e stile, e fu anche quando il pianoforte divenne lo strumento a tastiera predominante. Le forze di base richieste per un’orchestra divennero in qualche modo standardizzate (anche se sarebbero cresciute man mano che il potenziale di una più ampia gamma di strumenti si sviluppava nei secoli successivi). La musica da camera è cresciuta fino a includere ensemble con ben 8 a 10 artisti per serenate. L’opera continuò a svilupparsi, con stili regionali in Italia, Francia e paesi di lingua tedesca., L’opera buffa, una forma di opera comica, è aumentato in popolarità. La sinfonia è venuto in sé come una forma musicale, e il concerto è stato sviluppato come un veicolo per le esposizioni di abilità di gioco virtuoso. Le orchestre non richiedevano più un clavicembalo (che era stato parte del continuo tradizionale in stile barocco), e spesso erano guidate dal violinista principale (ora chiamato il concertmaster).

I musicisti dell’epoca classica continuarono ad utilizzare molti strumenti dell’epoca barocca, come il violoncello, il contrabbasso, il registratore, il trombone, i timpani, il fortepiano (il precursore del pianoforte moderno) e l’organo., Mentre alcuni strumenti barocchi caddero in disuso (ad esempio, il tiorbo e il rackett), molti strumenti barocchi furono cambiati nelle versioni che sono ancora in uso oggi, come il violino barocco (che divenne il violino), l’oboe barocco (che divenne l’oboe) e la tromba barocca, che passò alla normale tromba valvolata. Durante l’era classica, gli strumenti a corda utilizzati in orchestra e musica da camera come quartetti d’archi sono stati standardizzati come i quattro strumenti che formano la sezione d’archi dell’orchestra: il violino, viola, violoncello e contrabbasso., Gli strumenti a corda dell’epoca barocca, come le viole ad arco, furono gradualmente eliminati. I fiati includevano il clarinetto bassetto, il corno bassetto, la clarinette d’amour, il clarinetto Classico, il chalumeau, il flauto, l’oboe e il fagotto. Gli strumenti a tastiera includevano il clavicordo e il fortepiano. Mentre il clavicembalo era ancora usato nell’accompagnamento del basso continuo negli anni 1750 e 1760, cadde in disuso alla fine del secolo. Gli ottoni includevano il buccin, l’ophicleide (un sostituto del basso serpent, che era il precursore della tuba) e il corno naturale.,

Gli strumenti a fiato divennero più raffinati nell’era classica. Mentre gli strumenti ad ancia doppia come l’oboe e il fagotto divennero un po ‘ standardizzati nel barocco, la famiglia dei clarinetti a canne singole non fu ampiamente utilizzata fino a quando Mozart non espanse il suo ruolo nelle ambientazioni orchestrali, da camera e da concerto.

I principali compositori di questo periodo includono Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi, Antonio Salieri e Johann Nepomuk Hummel.,

Era romanticamodifica

La musica dell’era romantica, dal primo decennio del 19 ° secolo all’inizio del 20 ° secolo, era caratterizzata da una maggiore attenzione a una linea melodica estesa, così come elementi espressivi ed emotivi, in parallelo al romanticismo in altre forme d’arte., Le forme musicali cominciarono a rompersi dalle forme dell’era classica (anche se quelle venivano codificate), con pezzi a forma libera come nocturnes, fantasias e preludi scritti dove le idee accettate sull’esposizione e lo sviluppo dei temi venivano ignorate o ridotte al minimo. La musica divenne più cromatica, dissonante e tonalmente colorata, con tensioni (rispetto alle norme accettate delle forme più vecchie) sulle firme chiave in aumento. La canzone d’arte (o Lied) raggiunse la maturità in quest’epoca, così come le scale epiche della grande opera, trascese infine dal ciclo di anelli di Richard Wagner.,

Nel 19 ° secolo, le istituzioni musicali emersero dal controllo di ricchi mecenati, poiché compositori e musicisti potevano costruire vite indipendenti dalla nobiltà. Il crescente interesse per la musica da parte delle classi medie in crescita in tutta l’Europa occidentale ha stimolato la creazione di organizzazioni per l’insegnamento, le prestazioni e la conservazione della musica. Il pianoforte, che raggiunse la sua costruzione moderna in questa era (in parte a causa dei progressi industriali nella metallurgia) divenne molto popolare tra la classe media, le cui richieste per lo strumento stimolarono molti costruttori di pianoforti., Molte orchestre sinfoniche datano la loro fondazione a questa epoca. Alcuni musicisti e compositori furono i protagonisti dell’epoca; alcuni, come Franz Liszt e Niccolò Paganini, ricoprirono entrambi i ruoli.

Le idee e le istituzioni culturali europee iniziarono a seguire l’espansione coloniale in altre parti del mondo. C’è stato anche un aumento, soprattutto verso la fine dell’era, del nazionalismo nella musica (riecheggiando, in alcuni casi, i sentimenti politici del tempo), come compositori come Edvard Grieg, Nikolai Rimsky-Korsakov, e Antonín Dvořák eco musica tradizionale della loro patria nelle loro composizioni.,

Nell’era romantica, il pianoforte moderno, con un tono più potente, sostenuto e una gamma più ampia prese il posto del fortepiano dal suono più delicato. Nell’orchestra, gli strumenti classici esistenti e le sezioni sono state mantenute (sezione di archi, fiati, ottoni e percussioni), ma queste sezioni sono state tipicamente espanse per rendere un suono più pieno e più grande. Ad esempio, mentre un’orchestra barocca può avere avuto due contrabbassisti, un’orchestra romantica potrebbe avere fino a dieci., “Man mano che la musica diventava più espressiva, la tavolozza orchestrale standard non era abbastanza ricca per molti compositori romantici.”

Le famiglie di strumenti utilizzati, specialmente nelle orchestre, si ingrandirono; un processo che culminò nei primi anni del 20 ° secolo con orchestre molto grandi utilizzate da compositori tardo romantici e modernisti. Cominciò ad apparire una gamma più ampia di strumenti a percussione. Gli ottoni hanno assunto ruoli più ampi, poiché l’introduzione delle valvole rotative ha permesso loro di suonare una gamma più ampia di note., La dimensione dell’orchestra (in genere intorno ai 40 nell’era classica) è cresciuta fino a superare i 100. La Sinfonia n.8 di Gustav Mahler del 1906, ad esempio, è stata eseguita con oltre 150 strumentisti e cori di oltre 400. Sono stati aggiunti nuovi strumenti a fiato, come il contrabbasso, il clarinetto basso e l’ottavino e sono stati aggiunti nuovi strumenti a percussione, tra cui xilofoni, rullanti, celestas (uno strumento a tastiera simile a una campana), campane e triangoli, grandi arpe orchestrali e persino macchine a vento per effetti sonori., Sassofoni appaiono in alcune partiture dalla fine del 19 ° secolo in poi, di solito presenti come strumento solista piuttosto che come parte integrante dell’orchestra.

La tuba di Wagner, un membro modificato della famiglia dei corni, appare nel ciclo Der Ring des Nibelungen di Richard Wagner. Ha anche un ruolo di primo piano nella Sinfonia n. 7 in mi maggiore di Anton Bruckner ed è anche usato in diverse opere tardo romantiche e moderniste di Richard Strauss, Béla Bartók e altre cornette appaiono regolarmente nelle partiture del 19 ° secolo, insieme a trombe che sono state considerate meno agili, almeno fino alla fine del secolo.,

compositori di questo periodo includono Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Chopin, Hector Berlioz, Franz Schubert, Robert Schumann, Mendelssohn, Liszt, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Brahms, Edvard Grieg, e Johann Strauss II. Gustav Mahler e Richard Strauss sono comunemente considerato di transizione compositori la cui musica si abbina sia tardo-romantico e modernista presto elementi.,

20 e 21 centuriesEdit

Modernista eraEdit

che Comprende un’ampia varietà di post-Romantica stili, modernista di musica classica comprende tardo-romantico, impressionista, espressionista, e il neoclassico di composizione., Il modernismo segnò un’epoca in cui molti compositori rifiutarono alcuni valori del periodo di pratica comune, come la tonalità tradizionale, la melodia, la strumentazione e la struttura. Alcuni storici della musica considerano il modernismo musicale come un’epoca che si estende dal 1890 al 1930 circa. Altri ritengono che il modernismo si sia concluso con l’una o l’altra delle due guerre mondiali. Ancora altre autorità sostengono che il modernismo non è associato a nessuna epoca storica, ma piuttosto è “un atteggiamento del compositore; un costrutto vivente che può evolversi con i tempi”., Nonostante la flessione registrata nell’ultimo terzo del 20 ° secolo, ci è rimasto alla fine del secolo attivo un nucleo di compositori che hanno continuato ad avanzare idee e forme del modernismo, come Pierre Boulez, Pauline Oliveros, Toru Takemitsu, George Benjamin, Jacob Druckman, Brian Ferneyhough, George Perle, Wolfgang Rihm, Richard Wernick, Richard Wilson, e Ralph Shapey.

Due movimenti musicali che sono stati dominanti durante questo periodo sono stati l’impressionista inizio intorno al 1890 e l’espressionista che ha iniziato intorno al 1908., Fu un periodo di diverse reazioni nel sfidare e reinterpretare vecchie categorie di musica, innovazioni che portarono a nuovi modi di organizzare e affrontare aspetti armonici, melodici, sonori e ritmici della musica, e cambiamenti nelle visioni del mondo estetiche in stretta relazione con il più ampio periodo identificabile del modernismo nelle arti del tempo. La parola operativa più associata ad esso è “innovazione”. La sua caratteristica principale è una “pluralità linguistica”, vale a dire che nessun singolo genere musicale ha mai assunto una posizione dominante.,

L’orchestra ha continuato a crescere in dimensioni durante i primi anni dell’era modernista, raggiungendo il picco nei primi due decenni del 20 ° secolo. I sassofoni che apparivano solo raramente durante il 19 ° secolo divennero più comunemente usati come strumenti supplementari, ma non divennero mai membri principali dell’orchestra., Mentre appare solo come strumenti solisti in alcune opere, ad esempio l’orchestrazione di Maurice Ravel di Modest Mussorgsky Pictures at an Exhibition e le danze sinfoniche di Sergei Rachmaninoff, il sassofono è incluso in altre opere come Romeo and Juliet Suites 1 e 2 di Sergei Prokofiev e molte altre opere come membro dell’ensemble orchestrale. In alcune composizioni come il Boléro di Ravel, due o più sassofoni di diverse dimensioni vengono utilizzati per creare un’intera sezione come le altre sezioni dell’orchestra., L’euphonium è presente in alcune opere tardo romantiche e del 20 ° secolo, di solito suonando parti contrassegnate da “tuba tenore”, tra cui I pianeti di Gustav Holst e Ein Heldenleben di Richard Strauss.,

compositori del 20 ° secolo Igor Stravinsky, Debussy, Rachmaninov, Sergej Prokof’ev, Arnold Schoenberg, Heitor Villa-Lobos, Anton Webern, Alban Berg, Cécile Chaminade, Paul Hindemith, Aram Khachaturian, George Gershwin, Amy Beach, Béla Bartók, e Dmitri Shostakovich, insieme con la predetta Mahler e Strauss transitorio figure che hanno svolto nel corso del 19 ° secolo.,

Post-modern/contemporary eraEdit

La musica postmoderna è un periodo di musica iniziato già nel 1930 secondo alcune autorità. Condivide le caratteristiche con l’arte postmodernista, cioè l’arte che viene dopo e reagisce contro il modernismo.,

Alcune altre autorità hanno più o meno equiparato la musica postmoderna alla “musica contemporanea” composta ben dopo il 1930, dalla fine del xx secolo fino all’inizio del XXI secolo. Alcuni dei diversi movimenti dell’era postmoderna / contemporanea includono il neoromantico, neomedievale, minimalista e post minimalista.

La musica classica contemporanea all’inizio del 21 ° secolo è stata spesso considerata includere tutte le forme musicali post-1945., Una generazione dopo, questo termine ora si riferisce correttamente alla musica di oggi scritta da compositori ancora vivi; musica che è entrata in risalto a metà degli anni ‘ 70. Include diverse varianti di musica modernista, postmoderna, neoromantica e pluralista.