Pittura, espressione di idee ed emozioni, con la creazione di determinate qualità estetiche, in un linguaggio visivo bidimensionale. Gli elementi di questo linguaggio-le sue forme, linee, colori, toni e texture – sono utilizzati in vari modi per produrre sensazioni di volume, spazio, movimento e luce su una superficie piana. Questi elementi sono combinati in schemi espressivi per rappresentare fenomeni reali o soprannaturali, per interpretare un tema narrativo o per creare relazioni visive totalmente astratte., Un artista decisione di utilizzare un particolare mezzo, come la tempera, affresco, olio, acrilico, acquerello o altre vernici ad acqua, inchiostro, tempera, encausto, o di caseina, così come la scelta di una forma particolare, come la pittura murale, a cavalletto, a pannello, in miniatura, il manoscritto di illuminazione, di scorrimento, schermo o ventilatore, panorama, o qualsiasi di una varietà di forme moderne, è basato sul sensuale qualità e le possibilità espressive e le limitazioni di tali opzioni. Le scelte del mezzo e della forma, così come la tecnica dell’artista, si combinano per realizzare un’immagine visiva unica.,

Le precedenti tradizioni culturali—di tribù, religioni, corporazioni, corti reali e stati—controllavano in gran parte l’artigianato, la forma, l’immaginario e il soggetto della pittura e determinavano la sua funzione, sia ritualistica, devozionale, decorativa, divertente o educativa. I pittori erano impiegati più come abili artigiani che come artisti creativi. Più tardi la nozione di “artista raffinato” si sviluppò in Asia e nell’Europa rinascimentale., I pittori di spicco ricevevano lo status sociale di studiosi e cortigiani; firmavano il loro lavoro, ne decidevano il disegno e spesso il soggetto e l’immaginario, e stabilivano un rapporto più personale, se non sempre amichevole, con i loro mecenati.

Durante il 19 ° secolo pittori nelle società occidentali ha cominciato a perdere la loro posizione sociale e mecenatismo sicuro. Alcuni artisti hanno contrastato il declino del sostegno al mecenatismo tenendo le proprie mostre e facendo pagare un biglietto d’ingresso. Altri hanno guadagnato un reddito attraverso mostre itineranti del loro lavoro., La necessità di fare appello a un mercato aveva sostituito le richieste simili (anche se meno impersonali) del mecenatismo, e il suo effetto sull’arte stessa era probabilmente simile. Generalmente, gli artisti del 20 ° secolo potevano raggiungere un pubblico solo attraverso gallerie commerciali e musei pubblici, anche se il loro lavoro potrebbe essere stato occasionalmente riprodotto in periodici d’arte. Essi possono anche essere stati assistiti da premi finanziari o commissioni da parte dell’industria e dello stato., Avevano però acquisito la libertà di inventare il proprio linguaggio visivo e di sperimentare nuove forme e materiali e tecniche non convenzionali. Ad esempio, alcuni pittori hanno combinato altri media, come la scultura, con la pittura per produrre disegni astratti tridimensionali. Altri artisti attaccarono oggetti reali alla tela in modo collage o usarono l’elettricità per azionare pannelli e scatole cinetiche colorate. Gli artisti concettuali spesso esprimevano le loro idee sotto forma di una proposta per un progetto irrealizzabile, mentre gli artisti performativi erano parte integrante delle loro composizioni., Il tentativo inquieto di estendere i confini dell’espressione artistica ha prodotto continui cambiamenti stilistici internazionali. La successione spesso sconcertante di nuovi movimenti nella pittura è stata ulteriormente stimolata dal rapido scambio di idee attraverso riviste d’arte internazionali, mostre itineranti e centri d’arte. Tali scambi hanno accelerato nel 21 ° secolo con l’esplosione delle fiere d’arte internazionali e l’avvento dei social media, che offrivano non solo nuovi mezzi di espressione ma una comunicazione diretta tra gli artisti e i loro seguaci., Sebbene i movimenti stilistici fossero difficili da identificare, alcuni artisti hanno affrontato questioni sociali comuni, inclusi i grandi temi del razzismo, dei diritti LGBTQ e del cambiamento climatico.

Questo articolo si occupa degli elementi e dei principi del design nella pittura e dei vari mezzi, forme, immagini, soggetti e simbolismi impiegati o adottati o creati dal pittore. Per la storia della pittura nell’antico Egitto, vedi arte e architettura egizia., Lo sviluppo della pittura in diverse regioni è trattato in una serie di articoli: pittura occidentale; Arte africana; Arti dell’Asia centrale; Pittura cinese; Arti islamiche; arte giapponese; arte coreana; Arte nativa americana; Arte oceanica e architettura; Arti dell’Asia meridionale; Arti del sud-est asiatico. Per la conservazione e il restauro di dipinti, vedi conservazione e restauro dell’arte. Per una discussione sulla falsificazione di opere d’arte, vedi falsificazione. Per una discussione sul ruolo della pittura e di altre arti nella religione, nonché sull’uso dei simboli religiosi nell’arte, vedi simbolismo religioso e iconografia., Per informazioni su altre arti legate alla pittura, vedere articoli come il disegno; arte popolare; incisione.