La creazione del lavoro astratto di Kandinsky seguì un lungo periodo di sviluppo e maturazione di un pensiero intenso basato sulle sue esperienze artistiche. Chiamò questa devozione alla bellezza interiore, al fervore dello spirito e al desiderio spirituale necessità interiore; era un aspetto centrale della sua arte.

Gioventù e ispirazione (1866-1896)Modifica

Kandinsky nacque a Mosca, figlio di Lidia Ticheeva e Vasily Silvestrovich Kandinsky, un mercante di tè., Una delle sue bisnonne era la principessa Gantimurova, una principessa mongola. Kandinsky ha imparato da una varietà di fonti mentre era a Mosca. Ha studiato molti campi mentre a scuola, tra cui diritto ed economia. Più tardi nella vita, ricorderà di essere affascinato e stimolato dal colore da bambino. Il suo fascino per il simbolismo dei colori e la psicologia continuò man mano che cresceva. Nel 1889 fece parte di un gruppo di ricerca etnografica che si recò nella regione di Vologda a nord di Mosca., In Sguardi sul passato, egli riferisce che le case e le chiese erano decorate con tali colori scintillanti che al loro ingresso, ha sentito che si stava muovendo in un dipinto. Questa esperienza, e il suo studio dell’arte popolare della regione (in particolare l’uso di colori vivaci su uno sfondo scuro), si riflette in gran parte dei suoi primi lavori. Pochi anni dopo paragonò la pittura a comporre musica nel modo per cui si sarebbe fatto notare, scrivendo: “Il colore è la tastiera, gli occhi sono i martelli, l’anima è il pianoforte con molte corde., L’artista è la mano che suona, toccando una chiave o l’altra, per provocare vibrazioni nell’anima”. Kandinsky era anche lo zio del filosofo russo-francese Alexandre Kojève (1902-1968).

Nel 1896, all’età di 30 anni, Kandinsky abbandonò una promettente carriera di insegnante di diritto ed economia per iscriversi all’Accademia di Monaco di Baviera dove i suoi insegnanti avrebbero infine incluso Franz von Stuck. Non gli fu immediatamente concessa l’ammissione e iniziò a imparare l’arte da solo. Nello stesso anno, prima di lasciare Mosca, vide una mostra di dipinti di Monet., Egli è stato particolarmente preso con lo stile impressionistico di pagliai; questo, a lui, aveva un potente senso del colore quasi indipendente dagli oggetti stessi. Più tardi, avrebbe scritto di questa esperienza:

Che era un pagliaio il catalogo mi ha informato. Non riuscivo a riconoscerlo. Questo non riconoscimento è stato doloroso per me. Ho considerato che il pittore non aveva il diritto di dipingere indistintamente. Ho sentito che mancava l’oggetto del dipinto., E ho notato con sorpresa e confusione che l’immagine non solo mi ha afferrato, ma si è impressa in modo inestirpabile nella mia memoria. La pittura assunse una potenza e uno splendore fiabeschi.

— Wassily Kandinsky

Kandinsky fu similmente influenzato durante questo periodo dal Lohengrin di Richard Wagner che, a suo avviso, spingeva i limiti della musica e della melodia oltre il lirismo standard. Fu anche influenzato spiritualmente da Madame Blavatsky (1831-1891), la più nota esponente della teosofia., La teoria teosofica postula che la creazione è una progressione geometrica, che inizia con un singolo punto. L’aspetto creativo della forma è espresso da una serie discendente di cerchi, triangoli e quadrati. Il libro di Kandinsky Riguardante lo spirituale nell’arte (1910) e Point and Line to Plane (1926) ha fatto eco a questo principio teosofico. Le illustrazioni di John Varley in Thought-Forms (1901) lo influenzarono visivamente.

MetamorphosisEdit

Nell’estate del 1902, Kandinsky invitò Gabriele Münter a unirsi a lui ai suoi corsi estivi di pittura a sud di Monaco, nelle Alpi. Ha accettato, e il loro rapporto è diventato più personale che professionale.La scuola d’arte, solitamente considerata difficile, era facile per Kandinsky. Fu durante questo periodo che iniziò ad emergere come teorico dell’arte e pittore. Il numero dei suoi dipinti esistenti è aumentato all’inizio del 20 ° secolo; molto rimane dei paesaggi e delle città che ha dipinto, utilizzando ampie fasce di colore e forme riconoscibili., Per la maggior parte, tuttavia, i dipinti di Kandinsky non presentavano alcuna figura umana; un’eccezione è Sunday, Old Russia (1904), in cui Kandinsky ricrea una vista molto colorata (e fantasiosa) di contadini e nobili davanti alle mura di una città. Coppia a cavallo (1907) raffigura un uomo a cavallo, tenendo una donna con tenerezza e cura mentre cavalcano oltre una città russa con pareti luminose attraverso un fiume blu. Il cavallo è in sordina mentre le foglie degli alberi, la città e i riflessi nel fiume brillano di macchie di colore e luminosità., Questo lavoro dimostra l’influenza del puntinismo nel modo in cui la profondità di campo è crollata in una superficie piatta e luminescente. Fauvismo è evidente anche in questi primi lavori. I colori sono usati per esprimere l’esperienza di Kandinsky sulla materia, non per descrivere la natura oggettiva.

Forse il più importante dei suoi dipinti del primo decennio del 1900 è stato The Blue Rider (1903), che mostra una piccola figura ammantata su un cavallo in corsa che corre attraverso un prato roccioso., Il mantello del cavaliere è blu medio, che proietta un’ombra blu più scura. In primo piano ci sono più ombre blu amorfe, le controparti degli alberi caduti sullo sfondo. Il cavaliere blu nel dipinto è prominente (ma non chiaramente definito), e il cavallo ha un’andatura innaturale (che Kandinsky deve aver conosciuto). Alcuni storici dell’arte ritengono che una seconda figura (forse un bambino) sia trattenuta dal cavaliere, anche se questa potrebbe essere un’altra ombra del cavaliere solitario., Questa disgiunzione intenzionale, che permetteva agli spettatori di partecipare alla creazione dell’opera, divenne una tecnica sempre più consapevole utilizzata da Kandinsky negli anni successivi; culminò nelle opere astratte del periodo 1911-1914. In The Blue Rider, Kandinsky mostra il cavaliere più come una serie di colori che in dettaglio specifico. Questo dipinto non è eccezionale in questo senso rispetto ai pittori contemporanei, ma mostra la direzione che Kandinsky avrebbe preso solo pochi anni dopo.,

Dal 1906 al 1908 Kandinsky trascorse molto tempo viaggiando attraverso l’Europa (fu socio del gruppo simbolista della Rosa Blu di Mosca), fino a quando si stabilì nella piccola città bavarese di Murnau. Nel 1908 acquistò una copia di Thought-Forms di Annie Besant e Charles Webster Leadbeater. Nel 1909 si unì alla Società Teosofica. La Montagna blu (1908-1909) fu dipinta in questo momento, dimostrando la sua tendenza verso l’astrazione. Una montagna di blu è fiancheggiata da due grandi alberi, uno giallo e uno rosso. Una processione, con tre cavalieri e molti altri, attraversa in basso., I volti, i vestiti e le selle dei cavalieri sono ciascuno di un singolo colore, e né loro né le figure che camminano mostrano alcun dettaglio reale. Anche i piani piatti e i contorni sono indicativi dell’influenza fauvista. L’ampio uso del colore nella Montagna blu illustra l’inclinazione di Kandinsky verso un’arte in cui il colore è presentato indipendentemente dalla forma, e a cui ogni colore viene data uguale attenzione. La composizione è più planare; il dipinto è diviso in quattro sezioni: il cielo, l’albero rosso, l’albero giallo e la montagna blu con i tre cavalieri.,

• Akhtyrka, 1901, Lenbachhaus, Kunstarealm, Munich

• Sunday (Old Russian), 1904, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

• Couple on Horseback, 1906–07, Lenbachhaus, Munich

• Blue Mountain, 1908–09, Solomon R., Guggenheim Museum, New York

• Case in Monaco di baviera, 1908, Von der Heydt, Wuppertal

• Murnau, treno & castello, 1909, Lenbachhaus di Monaco di baviera

Blue Rider Periodo (1911-1914)Modifica

I dipinti di Kandinsky di questo periodo sono grandi masse colorate espressive valutate indipendentemente dalle forme e dalle linee; queste non servono più a delimitarle, ma si sovrappongono liberamente per formare dipinti di straordinaria forza. La musica era importante per la nascita dell’arte astratta, poiché la musica è astratta per natura—non cerca di rappresentare il mondo esterno, ma esprime in modo immediato i sentimenti interiori dell’anima., Kandinsky a volte usato termini musicali per identificare le sue opere; ha chiamato i suoi dipinti più spontanei “improvvisazioni” e descritto opere più elaborate come ” composizioni.”

Oltre alla pittura, Kandinsky era un teorico dell’arte; la sua influenza sulla storia dell’arte occidentale deriva forse più dalle sue opere teoriche che dai suoi dipinti. Contribuì a fondare la Neue Künstlervereinigung München (Associazione dei Nuovi Artisti di Monaco), diventandone presidente nel 1909., Tuttavia, il gruppo non riuscì a integrare l’approccio radicale di Kandinsky (e altri) con concetti artistici convenzionali e il gruppo si sciolse alla fine del 1911. Kandinsky poi formato un nuovo gruppo, the Blue Rider (Der Blaue Reiter) con artisti che la pensano come August Macke, Franz Marc, Albert Bloch, e Gabriele Münter. Il gruppo ha pubblicato un almanacco (The Blue Rider Almanac) e ha tenuto due mostre. Ne furono pianificati altri, ma lo scoppio della prima guerra mondiale nel 1914 pose fine a questi piani e rimandò Kandinsky in Russia attraverso la Svizzera e la Svezia.,

I suoi scritti nel Blue Rider Almanac e il trattato “On the Spiritual in Art” (pubblicato nel 1910) furono sia una difesa e una promozione dell’arte astratta che un’affermazione che tutte le forme d’arte erano ugualmente capaci di raggiungere un livello di spiritualità. Credeva che il colore potesse essere usato in un dipinto come qualcosa di autonomo, a parte la descrizione visiva di un oggetto o di un’altra forma.

Queste idee hanno avuto un impatto internazionale quasi immediato, in particolare nel mondo di lingua inglese., Già nel 1912, On the Spiritual in Art fu recensito da Michael Sadleir nell’Art News con sede a Londra. L’interesse per Kandinsky crebbe rapidamente quando Sadleir pubblicò una traduzione inglese di On the Spiritual in Art nel 1914. Estratti del libro furono pubblicati quell’anno nel periodico Blast di Percy Wyndham Lewis e nel settimanale culturale The New Age di Alfred Orage. Kandinsky aveva ricevuto qualche avviso in precedenza in Gran Bretagna, tuttavia; nel 1910, ha partecipato alla Allied Artists’ Exhibition (organizzata da Frank Rutter) alla Royal Albert Hall di Londra., Ciò ha portato il suo lavoro di essere individuato per la lode in una recensione di quello spettacolo da parte dell’artista Spencer Frederick Gore in The Art News.

L’interesse di Sadleir per Kandinsky portò anche le prime opere di Kandinsky ad entrare in una collezione d’arte britannica; il padre di Sadleir, Michael Sadler, acquistò diverse stampe su legno e il frammento di pittura astratta per la Composizione VII nel 1913 in seguito a una visita di padre e figlio per incontrare Kandinsky a Monaco di Queste opere furono esposte a Leeds, sia nell’Università che nei locali del Leeds Arts Club, tra il 1913 e il 1923.,

Ritorno in Russia (1914-1921)Modifica

Il sole scioglie Mosca giù per un solo posto, come un pazzo tuba, inizia tutto il cuore e tutta l’anima vibrante., Ma no, questa uniformità di rosso non è l’ora più bella. È solo l’accordo finale di una sinfonia che porta ogni colore allo zenit della vita che, come il fortissimo di una grande orchestra, è costretto e permesso da Mosca a suonare.

— Wassily Kandinsky

Nel 1916 incontrò Nina Andreevskaya (1899-1980), che sposò l ‘ 11 febbraio 1917.

Dal 1918 al 1921, Kandinsky fu coinvolto nella politica culturale della Russia e collaborò all’educazione artistica e alla riforma dei musei., Dipinse poco durante questo periodo, ma dedicò il suo tempo all’insegnamento artistico, con un programma basato sull’analisi della forma e del colore; contribuì anche all’organizzazione dell’Istituto di Cultura Artistica di Mosca di cui fu il primo direttore. La sua visione spirituale e espressionistica dell’arte fu infine respinta dai membri radicali dell’Istituto come troppo individualista e borghese. Nel 1921, Kandinsky fu invitato ad andare in Germania per frequentare il Bauhaus di Weimar dal suo fondatore, l’architetto Walter Gropius.,

Tornato in Germania e nel Bauhaus (1922-1933)Edit

Nel maggio 1922, partecipò al Congresso Internazionale degli Artisti Progressisti e firmò il “Proclama di fondazione dell’Unione degli Artisti Progressisti Internazionali Artisti”.

Kandinsky ha insegnato il corso di design di base per principianti e il corso di teoria avanzata al Bauhaus; ha anche tenuto lezioni di pittura e un workshop in cui ha aumentato la sua teoria del colore con nuovi elementi di psicologia della forma., Lo sviluppo delle sue opere sullo studio delle forme, in particolare sui punti e le forme di linea, ha portato alla pubblicazione del suo secondo libro teorico (Point and Line to Plane) nel 1926. I suoi esami degli effetti delle forze sulle linee rette, che portano ai toni contrastanti delle linee curve e angolate, hanno coinciso con la ricerca degli psicologi della Gestalt, il cui lavoro è stato anche discusso al Bauhaus. Gli elementi geometrici hanno assunto una crescente importanza sia nel suo insegnamento che nella pittura—in particolare il cerchio, il semicerchio, l’angolo, le linee rette e le curve. Questo periodo fu intensamente produttivo., Questa libertà è caratterizzata nelle sue opere dal trattamento di piani ricchi di colori e gradazioni—come in Giallo – rosso – blu (1925), dove Kandinsky illustra la sua distanza dai movimenti costruttivisti e suprematisti influenti all’epoca.

I due metri di larghezza (6 ft 7 in) Giallo-rosso-blu (1925) di diverse forme principali: un rettangolo giallo verticale, una croce rossa inclinata e un grande cerchio blu scuro; una moltitudine di linee dritte (o sinuose) nere, archi circolari, cerchi monocromatici e scacchiere colorate sparse contribuiscono alla sua delicata complessità., Questa semplice identificazione visiva delle forme e delle principali masse colorate presenti sulla tela è solo un primo approccio alla realtà interiore dell’opera, il cui apprezzamento richiede un’osservazione più profonda—non solo delle forme e dei colori coinvolti nella pittura, ma della loro relazione, delle loro posizioni assolute e relative sulla tela e della loro armonia.

Kandinsky è stato uno dei Die Blaue Vier (Blue Four), formato nel 1923 con Paul Klee, Lyonel Feininger e Alexej von Jawlensky, che ha tenuto conferenze ed esposto negli Stati Uniti nel 1924., A causa dell’ostilità della destra, il Bauhaus lasciò Weimar e si stabilì a Dessau nel 1925. A seguito di una campagna diffamatoria nazista il Bauhaus lasciò Dessau nel 1932 per Berlino, fino al suo scioglimento nel luglio 1933. Kandinsky lasciò quindi la Germania, stabilendosi a Parigi.,>On White II, 1923

Great Synthesis (1934–1944)Edit

Living in an apartment in Paris, Kandinsky created his work in a living-room studio., Nei suoi dipinti compaiono forme biomorfiche dai contorni morbidi e non geometrici, forme che suggeriscono organismi microscopici ma esprimono la vita interiore dell’artista. Kandinsky usava composizioni di colori originali, evocando l’arte popolare slava. Ha anche occasionalmente mescolato sabbia con vernice per dare un granulare, struttura rustica per i suoi dipinti.

Questo periodo corrisponde a una sintesi del precedente lavoro di Kandinsky in cui ha usato tutti gli elementi, arricchendoli. Nel 1936 e nel 1939 dipinse le sue ultime due grandi composizioni, il tipo di tele elaborate che non aveva prodotto per molti anni., La composizione IX ha diagonali potenti e fortemente contrastate la cui forma centrale dà l’impressione di un embrione nel grembo materno. Piccoli quadrati di colori e bande colorate si stagliano sullo sfondo nero della Composizione X come frammenti di stelle (o filamenti), mentre enigmatici geroglifici dai toni pastello coprono una grande massa marrone che sembra galleggiare nell’angolo in alto a sinistra della tela. Nel lavoro di Kandinsky alcune caratteristiche sono evidenti, mentre alcuni tocchi sono più discreti e velati; si rivelano solo progressivamente a coloro che approfondiscono il loro legame con il suo lavoro., Intendeva le sue forme (che armonizzava e collocava sottilmente) per risuonare con l’anima dell’osservatore.,

• Marrone con supplemento, 1935, il Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

• Composizione IX, 1936, Musée national d’art moderne, Parigi

• Composizione X, 1939, dalla collezione d’arte del Nord Reno-Westfalia, Düsseldorf

• Varie Azioni, 1941, il Solomon R., Guggenheim Museum, New York

• Circle and Square, 1943, Musée national d’art moderne, Paris