49種類の絵画スタイルとテクニック[更新されたリスト]
用語”絵画”を定義するには–
ウィキペディアは、
“塗料、顔料、色または他の媒体を表面に”
それの定義はかもしれませんそれは単純に聞こえるが、その芸術は意図的に必要なものであり、長期にわたる練習が必要である。
以来、人々がいる古代の歴史は、傑作を作るために必要なものを習得し、人口によってまだ記憶され、大切にされている遺産の背後にあります。,
絵画は、あなたの脳の右の部分をトリガーする深くて集中的な思考を必要とするスキルです–創造的な洞察を促進することも知られています。
動きの詩のように見えるすべてのストロークは、練習の特定のアーティストの年を取っており、すべての色の組み合わせは、目の保養、あなたが簡単に乗り越
初心者のために、このスキルを習得するには、ほんのわずかで達成された段階に到達するためには、巨大な忍耐と永続性が必要です。,
先に与えられた、ユニークな絵画スタイルと古代から現代へのそれの進化のリストです。
1. 油絵:
油絵は存在にあった絵画の最も広く知られ、共通の形態です。
アーティストの大半によって練習。
それは塗装のプロセスです現代ヨーロッパの時代に広く使用されていた亜麻仁油のような乾燥油の層と混合される顔料を使用しています。,
油絵の技術が広く知られるようになりました。
数年後、油彩技術はヨーロッパのテンペラ塗料よりも多くを使用しました。
ほとんどのルネサンスの起源ヤン–ファン-エイク-15世紀の北ヨーロッパの画家は、木製のパネルの支持体に油彩メディアで絵画を発明した。
2. 水彩画：
これは、アーティストによる絵画のユニークなスタイルを生成するために、色と水をブレンドする方法です。,
水彩画のほとんどは紙の上に作られています。
水彩画は、パピルス、樹皮の紙、プラスチック、皮革、木材などの他の支持体にも作ることができます。
中国では、彼らは水彩画の塗料で指の絵を作ります。
ぬれたか乾燥した使用することができる水溶性の色鉛筆があります。
水彩画の最も初期の指数と考えられている最高の植物、野生動物、風景水彩を描いたアルブレヒト-デューラー。
3., パステル絵画：
パステルは、典型的には、純粋な粉末顔料が金型スティックに固化しています。
パステル絵画は、パステルが使用されるアートワークの一形態です明確に定義された思慮深い絵を作成します。
バインダーは中立的な色相であり、パステル調では低い彩度である。
パステル絵画における色の効果は、他のどのプロセスよりも天然の乾燥顔料に近い。,
パステル絵画の表面通常壊れやすく、汚れやすいため、保存にはガラスの下でのフレーミングなどの保護措置が必要です。
それはpermanentpigmentsで作られ、適切に何世紀にもわたって多分変わらず、その後パステル絵画を世話されている場合。
4. アクリル絵画:
アクリル絵画は、適用された媒体上で速く乾燥する特徴を有するアクリル色が使用されるアートワークの一種である。,
それはアクリルポリマー乳剤で中断される顔料から成っています。
塗料は水に可溶であることが知られているが、紙の上で乾燥させると耐水性である。
1934年、最初のアクリル樹脂分散液はBasfによって開発され、RohmとHaasによって著作権が保護されました。
合成塗料は、油と水彩の特性のいくつかを組み合わせて、1940年代に使用されました。,
木炭デッサン:
木炭は、ガムまたはワックスバインダーによって一緒に保持されている細かく粉砕された有機材料
木炭絵画は多くの場合、その多彩な特性のために芸術家によって使用される。
それは芸術に自然な効果を与えます。
木炭は簡単に取り除くことができますが、紙に汚れを残すことができます。
ユーザーの手がマークされないようにしながら、細かく鮮明な詳細な図面によく使用されます。,
木炭は洞窟絵画の重要な要素でした。
ナミビアのアポロ洞窟で見つかった最も古い絵画の一つであるシマウマの絵。
色鉛筆:
ノスタルジアのショットであなたを吸収するために–私たちはすべて私たちの子供の頃の塗り絵を覚えています、そして教えられ、私たちが実装された主な方法は色鉛筆でした。
最も単純化されているので、世界中の色鉛筆作品の層を変えた多くの新しい実装があります。,
それらは木製の円筒形のケースに包まれた狭い着色されたコアで作られています。
色鉛筆の要素は、ワックスまたはオイルベースであり、顔料および結合剤の割合からなる。
色鉛筆は子供たちの間で使用されることがより広く知られているにもかかわらず、彼らは尊敬を得るようになり始めていますプロの芸術家や画家。
プロのアーティストによって使用される色鉛筆は、学校で子供たちが使用するものよりも高い程度のワックスと顔料を含んでおり、これは色鉛筆の最も基本的な品質です。,
鉛筆スケッチ:
鉛筆スケッチは、異なるグレードの円筒状の木製のチャンバーに囲まれたグラファイトからなる楽器を使用して、高度に定義されたアートワークを作成する芸術です。
円筒状のグラファイト媒体または鉛筆は、様々な深く考えられた肖像画を実行する際の効率と単純さのために使用され、紙に汚れる能力を有するグラファイトは、美化プロセスに高い可能性を与える。,
黒鉛は16世紀に採掘され、芸術家はポルトクレヨン（”鉛筆ホルダー”）に挿入された天然黒鉛の部分を使用し、17世紀以前には知られていませんでした。
これまでのオランダの芸術家などのマイナ黒鉛の詳細スケッチや自分で創りだすものです。
その世紀と18世紀の間に、ほとんどの場合、他のメディアで完成する図面のための予備スケッチラインを作るために黒鉛が使用されましたが、黒鉛で完全に仕上げられた図面はまれでした。,
水墨画:
水墨画は、顔料または染料で構成される液体で作られ、イラストや作品を作成するために表面を着色するために使用されます。
インクは、ペン、ブラシ、またはクイルで描画するために使用されます。
水墨画は作られると魔法のように感じます。
それはそれだけの価値がある絵画の豊かな質感を持っています。
本の中で、それは五世紀の中国の劉宋時代に山西スタイルの絵画が存在したことを示唆しています。,
唐の時代には、水墨画はさらに発展しました。
ガラス絵画：
ガラス絵画は、ガラスの小さな色の部分を一緒に置くことを含むステンドグラス絵画の古い芸術から
古い時代には、それは宗教的な場所の窓やドアに共通の特徴であり、教会や古い建物で見ることができます。,
ガラス絵画の外観光や照明が透明な媒体を通過するときに美しく、結果は単に素晴らしいです。
ボールペンアート：
20世紀半ばには、ボールペンはアーティストやdoodlersのための大きな利益であることが実証され
ボールペン愛好家は、アートワークを作成するために非常に便利で効率的なボールペンを見つけます。,
彼らはペンを使用することによって達成された迅速さに魅了され、いくつかの人はペンと異なる着色媒体を混合し、他の人は全体としてボールポイントペンを使用してアートを作成する唯一の方法です。このコモンライティングツールを便利なアートサプライにする資質として、低コスト、可用性、および移植性が実務家によって再現されています。
20世紀には、彼らのキャリアの間に有名なアーティストのいくつかは、ある程度ボールペンを利用しています。
アンディ-ウォーホルとアルベルト-ジャコメッティは1950年代に彼らの作品の中でボールポイントを使用しました。,
フレスコ画：
フレスコ画は、ラテン語から得られるイタリア語から来ています。
フレスコ画スタイルは、壁や天井に絵を描きたい人のためのものです。
フレスコ画の技法は、塗料を水と混合し、湿った石膏の薄い層に塗布することからなる。
壁に適切に取り付けるには媒体が必要です。
18世紀、シリアからのZimri-Limは古いフレスコ画を始めました。,
多くの墓や家は古代エジプト人によって描かれましたが、それらの絵画はフレスコ画ではありませんでした。
コラージュペインティング：
これは、視覚効果を有する組み立てられた創造的なアートワークです。
コラージュ作品は、色付きまたは手作りの紙、リボン、塗料、雑誌などで行うことができます。
テーマは様々であり、主に安価な芸術モードです。,
コラージュは、基本的には、それが描く視覚的な魅力のコツである特異なエンティティへの様々な作品の蓄積です。
コラージュの技術は紀元前200年頃、中国で紙が発明された時に最初に使用されました。
コラージュの使用は、書道家が詩を書くときに表面にテキストを使用して糊付けされた紙を適用するようになった10世紀まで、多くの人々によって使われていませんでした。,
砂絵：
砂絵のスキルは、アートワークの固定または固定されていないフォームを作成するために、さまざまなソースから集
砂絵にはさまざまな形がありますが、人口によって大部分が実践され、知られている芸術形式は、恒久的ではなく、アーティストに応じて変更できるイラストを作成するために、与えられた表面に注がれた砂の上の迅速なストークスです。,
このタイプの絵画では、制御速度は非常に重要です。
それは他のものよりも非常にユニークです。 それは多くの忍耐を必要とし、行うには課税することができます。
南西部のアメリカ人の芸術家は、儀式が行われるホーガンの地面に、またはバックスキンまたは布の防水シートの上に、色のついた砂をコントロールとスキルで指を通して流すことによって描く。,
スプレー塗装:
スプレー塗装では、バルブで制御することにより、加圧容器からエアロゾル塗料が出てきます。
1880年代には、圧縮空気による噴霧塗料がサザン-パシフィック鉄道で使用されました。
特定の色を適用する必要があるサーフェスの部分は開いたままにされ、他の部分は覆われています。
これは、色が絵画の他の部分に広がらないように行われます。,
エンカウスティックペインティング：
エンカウスティックペインティングは、一般的に蜜蝋を色顔料で加熱するホットワックスペインティングでよく知られています。
最も単純な腐食混mixtureは、蜜蝋に着色顔料を添加することによって製造することができる。次いで、液体混mixtureを木材または他の材料の表面上に広げる。
このタイプの絵画はかなり異なっており、多くの努力が必要です。,
この技術は、100-300年頃のエジプトからのFayumミイラの肖像画、Blachernitissaや他の初期のアイコン、そして20世紀の多くの作品で使用されました。
ガッシュ塗装：
ガッシュ塗装は、天然色素、水または任意の結合剤（アラビアゴムオルデキストリン）および不活性材料
粒子サイズが水彩画のものよりも大きい水性顔料が使用される。,
このガッシュの歴史は600年以上前に遡ります。
色は美しく芸術に余分な美しさを追加するためにお互いにピッチされています。
このタイプの絵画はまれであり、しばしば現実的に見えます。
ガッシュは水彩に似ており、再び濡らすことができ、通常は紙媒体を注入することができます。,
テンペラ塗装：
テンペラ塗装は、典型的には、着色顔料が水性バインダー、特に卵黄などのもち
テンペラは、ルネサンス期のヨーロッパで、油彩画法によってレベルに廃止されるまで、最も一貫した塗装方法でした。
天ぷらは、最初のエジプトの石棺の装飾。,テンペラは多くのファユムのミイラの肖像画に使われ、時には古代のものと組み合わせられた。
デジタル絵画：
デジタル絵画は、油絵、アクリルまたは水彩画のそれと同じ効果を与えるためにコンピュータ上で行われるデジタル化された創造的な作品の一形態です。
それは完璧な外観を与えるために整流で簡単に行うことができます。
デジタル絵画は乾燥時間について心配する必要はありません。
デジタル絵画は非常に一般的であり、生活に芸術をもたらします。,
芸術の概念は、自分の考えに基づいて、人によって異なります。
ミニチュアペインティング：
ミニチュアペインティングの別の名前はlimningです。
ミニチュア絵画は、ベラム、準備されたカード、銅または象牙で実行されます。
この名前は最小値に由来しています。
それは中世の照明者によって使用されました。
照らされた原稿とメダルの別々の伝統の融合から生まれました。,
ミニチュア絵画は、16世紀初頭から19世紀半ばに拡大しました。
Kalamkari Painting:
Kalamkariは、タマリンドペンを使用して綿または絹織物に行われる手塗りの古代の形として知られています。
Kalamkariの派生は古代ペルシア語に戻り、”kalam”はペンを表し、”Kari”は職人技を意味します。,
デザインを着色するために、植物染料を抽出し、インドのいくつかのパーツで有名だった布に適用されますが、インドのKalahastiでさらに発展したkalamkariスタイル。
設計プロセスには17のステップがあります。
古代では、chitrakarsとして知られている歌手、音楽家、職人のグループは、ヒンドゥー教の神話について人々を教育するために異なる村に移動しました。
植物から抽出したインクや染料を使ってその場でイラストを描きました。,
ワルリ絵画：
ワルリ絵画は部族芸術の絵画のスタイルです。
それはインドの北Sahyadri範囲からAdivasisによって発見されました。
この技術は、赤と黄色の時折ドットと白のような様々な色を使用して厳しい泥ベースに適用されます。
白色は、米を粉砕して白色粉末にすることによって得られる。
インディア最大の部族の一つは、ムンバイの外に位置しているワーリ族です。,
warliは、インディア最大の都市の一つに近いことにかかわらず、現代的な文化を拒否します。
Phad Painting:
Phad paintingまたはPhadは、ラージャスターン州で実践されている宗教的なスクロール絵画と民俗画のユニークなスタイルです。
この絵は、伝統的にphadとして知られている布やキャンバスの長い部分で行われています。
ラージャスターン州の民俗神の肖像画は、phadsに示されています。,
ボパは彼らと一緒に塗装されたファッドを運んだ。
彼らはこれらを民俗神の寺院として使用し、崇拝しました。
PabujiとDevnarayanのファッドは、通常、約15と30フィートの長さでした。
ファッドは野菜の色を使用して塗装されました。
Madhu Bani Painting:
Madhubaniのもう一つの用語は、インドとネパールのMithila地域で実践されているMithila芸術です。
このタイプの絵画は、木の指、ブラシ、または小枝を使用して行われます。,
天然染料を使用した色およびマッチ棒を使用して描画した。
もともとMadhubaniの絵は女性によってデザインされました。
それは目をキャッチーな幾何学的なパターンのために認識を得ていました。
24. 洞窟絵画：
洞窟絵画のもう一つの用語は”頭頂芸術”です。
洞窟の絵画は、通常、洞窟の壁、先史時代の場所の天井に見られます。
洞窟壁画は40,000年前にユーラシアで発見されました。,
洞窟壁画はそれほど目に見えず、その時に何らかの情報を伝えようとしていたようです。
Gabarnmung洞窟では、28,000年前と推定される最も古い絵画が発見されています。
古代のために、絵画の多くは適切に解読することができません。
ゴンドペインティング：
ゴンドペインティングは基本的にマディヤ-プラデーシュ州に由来しています。
それはインドで最大の部族によって実践されている民俗芸術と部族の芸術の一形態です。,
非常に印象的なファセットゴンド絵画は、白、赤、青、黄色などの明るい鮮やかな色の使用でなければなりません。
塗料は、通常、木炭、着色土、植物の樹液、葉、さらには牛の糞などの物体から自然に得られます。
色は、地元の砂の一種であるChui mittiからの様々な砂のような黄色、別のタイプの砂であるGheru mittiからの茶色から得られた。
他の色は、葉からの緑とハイビスカスの花からの赤のような異なるソースから得られた。
彼らは彼らの歴史を記録するための方法として絵画を使用しました。,
アクションペインティング：
アクションペインティングでは、芸術は強い魅力、vastbrushstrokesと滴り落ちるとキャンバス
アクションペインティング1950年から技術を使用したアメリカの抽象表現主義のグループを作成したハロルド-ローゼンバーグから始まりました。
アーティストの創造的な材料との相互作用とキャンバスにいくつかの壮大な作品を作成するアクションペインティングを定義します。,
空中パースペクティブ：
空中パースペクティブの別の用語は、大気パースペクティブです。
作成する技術色を変更することによって絵画の奥行き知覚またはうつ病は、遠くで見ることができる色の雰囲気の影響を受けて変化を生み出す。
空中視点の使用は、ヨーロッパの中世以前に知られていました。
レオナルド-ダ-ヴィンチは、絵画の研究において空中視点という用語を使用しました。,
Anamorphis:
Anamorphisはアートワークから、apictureで描写されたとき主題の歪んだ映像を与える革新的なperspectivetechniqueである。
関節角度または湾曲した鏡から見ると、歪みが消え、画像の芸術は正常に見えます。
それは”変換する”という意味のギリシャ語に由来しています。
アナモルフィスという用語は17世紀に初めて使われた。,
Camaieu Painting:
Camaieuは、表現されたオブジェクトまたはシーンに対して、単一の色の色合いまたは色合いで完全に実行されるアートワークの形式です。
画像がレンダリングされているとき灰色ではgrisailleとして知られ、黄色ではcirageとして知られています。
Camaieu絵画は古代世界から派生したものです。
これは、カメオを再現し、彫刻を再現するためにミニチュア絵画で使用されました。,
カゼインペインティング:
カゼインペインティングは、一般的に色をカゼインと混合して絵を描く方法であることが知られています。
カゼイン塗料は、加熱によって引き起こされるリンタンパク質乳からなる酸または乳酸を有する。
自家製カードを使用することにより、それはより多くの八世紀のための伝統的な接着剤とバインダーとなっています。
19世紀から20世紀にかけて、純粋なカゼインはアンモニアと混合され、イーゼルや壁画に使用されてきました。,
最近、既製のカゼイン塗料が非常に広く使用されています。
カゼイン塗装の利点は、油絵と同様の効果を生み出すことができることです。
この技術では、油絵のように毛ブラシと適度なインパストの使用が許可されています。
カゼイン塗料は速乾性であり、艶消し効果を与える。
乾燥後、塗料は特定の程度まで耐水性になります。,
Chiaroscuro:
このテクニックは、三次元オブジェクトを定義する光と影を表現するためにアートワークで使用されました。
これは、光の効果や色合いが異なる木材ブロックからの印刷によって生成される木版画に印刷する技術です。
この技法は、おそらく版画家のウーゴ-ダ-カルピによって、16世紀にイタリアで初めて使用されました。
キーブロックは最も暗いトーンでインクされ、最初に印刷されました。,
いくつかの証拠は、古代ギリシャとローマの芸術家は明暗法を使用しました。
この技術は最初に使用された15世紀のLeonardo da Vinciによって。
分割主義：
色を個々のドットまたは顔料のストロークに分離する方法論。
それは新印象派の基礎を形成しました。遠くから絵を見ると、それはブレンドし、アルミナ全体として網膜によって知覚することができます。,
分割主義は、色と点描の分離は、点を適用するスキルを意味します。
Easel Painting:
イーゼルペインティングは、パネルやキャンバスなどのポータブルサポートに基づいて実行されるアートスタイルです。
イーゼルの絵画は古代エジプト人と1世紀のローマの学者に知られていました。
それは比較的一般的になりました最終的に壁画や壁画を上書きしました。,
短縮:
短縮は、視覚芸術の形で”錯覚”の科学を使用する創造的な方法です。
これは、バックグラウンドで強く後退するオブジェクトの錯覚を作成する方法です。
オブジェクトの錯覚は、現実よりも短く見える傾向があります。
アーティストは、オブジェクトが遠くに見られている場合、無関心な角度、歪みが表示されることを示唆しています。,
アーティストは、画像またはmodifyitの表面に違反するように見える現実のanillusionを生成します,視聴者の目にaless-積極的な攻撃を行うために、オブジェクトの近い部分のサイズを小さくし、より調和のとれた画像の残りの部分をオブジェクトを関連付けることができます.
落書き：
これは、人々に情報を通信またはアドレス指定する方法です。
許可なしに、公共の場所をマーキングすることは違法です。
それは個人またはグループによって行われます。,
壁は通常、ストリートギャングの一部のメンバーによって描かれ、いくつかの落書きは、任意のギャングに関連していません。 それは表現力豊かな芸術形式です。
落書きはまた、注目を集めるために、またはスリルを求める一形態として使用されます。
“傷”を意味するイタリア語の単語graffitoから派生しました。
Grisaille:
グレーの色合いで完全にイラストレーションを実行する芸術または彫刻の錯覚を作成するには、この絵,
15世紀には、フランドルの画家たちによって使用されました。
18世紀には、壁と天井の装飾に古典的な彫刻を模倣し、grisailleが使用されました。
ほとんどの画家の中で、grisailleはステンドグラスのための着色ガラスの芸術で使用されました。
Impasto:
Impastoは、アートワークを表面から目立つようにする絵画の一種です。
ハイライトの壊れたテキストの品質を重複させるために頻繁に使用されました。,
17世紀には、インパストテクニークが発見されました。
Rembrandt、Frans Hals、DiegoVelazquezのようなバロック画家はこの技法を巧みに使い、この技法を使って装飾、宝石、豊かな織物を作りました。
Vincent Van Goghでさえ、この技法を使用して様々な絵画。
ジャクソン-ポロックとウィレムデ-クーニングはまた、絵の質をより良くしたインパスト技法を使用した。,
壁画：
壁画は、塗料が壁、天井または任意の永久的な表面に直接適用されるアートワークの一種です。
壁画にはタイルに絵を描くが、モザイクの装飾を指していない。
紀元前30,000年頃、南フランスのアルデシュ県のショーヴェ洞窟で壁画が発見された。
紀元前3150年頃、古代エジプトの墓から多くの古代の壁画が発見されている。,
パネルペインティング：
このテクニックは、キャンバス上で行われるペインティングとは異なり、通常は木材または金属
パネルは、16世紀の終わりにキャンバスが一般的に使用されるようになる前のイーゼル絵画のためのサポートでした。
ブナ、スギ、クリ、モミ、カラマツ、シナノキ、ホワイトポプラ、マホガニー、オリーブ、ダークウォールナット、チークは、パネル塗装中に使用されている木材の種類です。,
ガムや樹脂を除去するために、木製のパネルは通常、沸騰または蒸し、次に木製のパネルは、絵が描かれた毛穴を埋めるためにもち材とジェッソでコーティングされた。
銀、錫、鉛、亜鉛パネル絵画にも使用されています。
Panorama:
このスタイルでは、ペインティングは、通常は連続または風景シーンであり、視聴者の前に囲まれたり展開されたりする平らな面または曲面に適用されます。,
シーンや劇的な絵画に関連する広範かつ直接的な方法で描かれています。
パノラマは18世紀から19世紀にかけて人気を博し、そこでは本質的にステレオプティコンと映画の先駆者であった。
パノラマが提示された大きな円柱の壁には、パノラマの古いバージョンが約60フィートインジアメーター、パノラマの新しいバージョンが約130フィートの直
人は立たなければならないプラットフォームの中心とthehorizonのすべてのポイントを見るために回ります。,
パースペクティブペインティング：
パースペクティブペインティングは、主に視聴者の認識のアイデアから派生しています。
誰もがそれを見る独自の方法を持っているかもしれません。
これは、三次元のオブジェクトをグラフィカルに作成し、二次元平面またはその平面上空間的な関係は、元のものよりも表面的である技術です。
それは表現する方法ですスペースとボリュームは、特定の時間と固定位置から混合されます。,
ルネサンス以来、中国とほとんどの西洋絵画はこの技術の下で作られています。
この技法は、物体とその周囲が画像の背後にある空間の中で圧縮されているという感覚を描いています。
Plein-air Painting:
風景画における野外の強烈な印象の達成。,
19世紀半ばのフランスでは、画家たちは外の風景の主題のラフスケッチを練習し、スタジオで彼らの絵画を仕上げる。
スクロールペインティング：
これは、主に東アジアで実践されてきた芸術形式の一種です。
スクロール絵画の二つの主要なタイプは、絵画の歴史に大きく貢献してきた中国の風景巻物です。,
もう一つは、絵画を通して物語の芸術を促進した日本の物語の巻物です。
物語の巻物の先駆者は、4世紀のADからのものであり、彼らは仏教の道徳的な教訓を教えています。
スクロールはテーブルの上に表示され、右から左に開かれます。
風景手巻きとも呼ばれる巻物は、絵の代わりに物語の形で構成されています。
10世紀から11世紀にかけて、徐道寧や范uanなどの巨匠たちとともに人気を博しました。
スクロールを見る人は旅行者のように感じます。,
これは、空間と時間を移動する経験を与えます。
Sfumato:
このフォームの絵画は、基本的に人間の目が知覚できるものを超えて領域を模倣するために、色の間の遷移を柔らかくする技術とみなされています。
この技術は、Leonardo da Vinciによって説明されているように、線や境界線を使用せずに色をブレンドすることでした。
レオナルド-ダ-ヴィンチの信者は、線や境界線を持たずに微妙なグラデーションを作り、より暗い領域を作りました。,
この技術は、より具体的な顔の特徴と大気の効果を作る。
Sgraffito:
この技術は、主に絵画、陶器、ガラスで使用されています。
これは、層を別の層で覆い、パターンまたは形状がより低い色であるように表面的な層を除去することからなる。
ステンドグラスでは、彼らは着色されたガラスの最上層を除去し、下に透明なガラスを示すために使用されます。,
陶器では、粘土と水の混合物である白または着色されたスリップを通り、体の色をショーイングするために使用されます。
それはIslāmicpottersによって作られ、中東で人気となりました。
Sotto In Su:
Sotto In Suは、作品を天井または他の高い表面に塗りつぶして、視聴者に錯覚の効果を与える技術です。
イタリアでは、ルネサンスの間に多くのバロックとロココの画家によって近づいていました。,
Andrea Mantegna、Giulio Romano、Correggio、Giovanni Battista Tiepoloはこの技法の巨匠でした。
Tachisme:
Tachismeはフランスの絵画スタイルであり、単語は汚れを意味するフランス語の単語”tache”から派生しています。
このスタイルの絵画は、第二次世界大戦後のパリで、そして1950年代を通じて、アメリカの同等のように、アクションペインティングは、アーティストのブラシストロークの直感的で自発性のジェスチャーを特徴としていました。
Tachismeはキュビズムに対する反応でした。,
それは、チューブからまっすぐに塗料の滴りと塊で生産され、時には書道を通して落書きしました。
Art Informelは、現代のアメリカの抽象表現主義の個人的なアプローチは、アクションペインティングとしての一つの側面を持っていた本能的なものです。
Tenebrism:
Tenebrismは劇的な照明としても知られており、暗闇がアートワークのキーストーン機能である絵画のスタイルです。,
西洋の歴史では、極端な明暗の使用は、絵画をよりドラマティックにするための組成物に使用されています。
これはイタリアの画家Caravaggioによって始まり、17世紀に影響力のある人たちによって進められました。
Trompe l’oeil:
Trompe L’oeilは、描写が三次元に存在するかのように感じるように、非常にリアルな画像を作成する芸術です。
この芸術形式は、視聴者のための目の錯覚を作成することが知られています。,
このアイデアは、以前の従来の様式から新しい古代ギリシャ人芸術。
例えば、Zeuxisはそのような現実的なブドウを描いたその鳥はそれらを食べようとしました。
アメリカでは、19世紀の間に、ウィリアム*ハーネットという名前のアーティストは、彼のスティルカードデッキの絵画で有名になりました。
アートワークはとても現実的でした視聴者はカードが視力のtheportraalから拾うことができると確信していました。,
水混和性オイル塗料：
水混和性オイル塗料の別の単語は、水溶性または水混合可能です。
それはoilpaintの現代方法であり、薄くされるために作られ、水ときれいにすることができます。
テレビン油のような化学物質を使用する必要はありません。
この塗料は、油性塗料と同じ技術を使用して混合および塗布することができる。
塗料を取り除くことができます塗料がまだ濡れている間、ブラシ、パレット、および石鹸または水でぼろを付けてください。,
水溶性は、分子の一端が溶液中の水分子を覆うように適合されている油媒体から来る。
結論：
絵画は、個人が自分の心に埋め込まれた最も内側の思考を発掘する必要があり、そのような創造的な努力の一つです。
それは技術革新と汎用性の巨大な可能性を持っているそのような創造的な分野の一つです。
それを習得するには、その一方で、大きなコミットメントと繰り返しが必要です。,
ベンチマークを設定しているアーティストは、アートワーク自体でマイルストーンを作った最も小さな詳細に年を費やしてきました。
いくつかの古代のアートワークは、世界でstillexistsと何百万人を鼓舞し続けています！
あなたは他にどのような絵画のタイプを知っていますか？
あなたの好きな絵のスタイルとテクニックはどれですか？
