1900年までのクラシック音楽の主要な時間区分は、中世（500-1400）とルネサンス（1400-1600）時代を含む初期の音楽時代と、バロック（1600-1750）、クラシック（1750-1820）、ロマンチック（1810-1910）時代を含む一般的な練習期間である。 現在の時代には20世紀と21世紀が含まれ、モダニズム音楽時代と現代またはポストモダン音楽時代が含まれており、その日付はしばしば論争されている。,

日付は一般化されており、期間と時代が重複しており、カテゴリーはやや恣意的であるため、一部の当局は用語を逆にし、バロック、古典、ロマンチックな”時代”からなる一般的な”時代”を指すという点である。 例えば、バロック時代（または時代）の特徴とされる対位法とフーガの使用は、古典時代の典型的なものとして分類されるハイドンによって続けられた。, しばしばロマンチック時代の創始者として記述されているベートーヴェン、およびロマンチックに分類されるブラームスは、また、対位法とフーガを使用しましたが、彼らの音楽のロマンチックな、時には憧れの資質は、彼らの時代を定義します。

接頭辞neo-は、古典やロマンチックなど、以前の時代のスタイルで書かれた19世紀、20世紀、または21世紀の組成物を記述するために使用されます。 たとえば、ストラヴィンスキーのプルチネラは、バロック時代の作品に文体的に似ているため、新古典派の構成です。,

RootsEdit

Burgh(2006)は、西洋のクラシック音楽のルーツは、最終的には紀元前2695年にさかのぼるcheironomyと古代エジプトのオーケストラを介した古代エジプト 個々のトーンとスケールの開発は、AristoxenusやPythagorasなどの古代ギリシャ人によって行われました。 ピタゴラスはチューニングシステムを作成し、楽譜を成文化するのに役立ちました。, アウロス（葦の楽器）やリラ（小さなハープに似た弦楽器）などの古代ギリシャの楽器は、最終的に古典オーケストラのいくつかの現代の楽器につながった。 初期の時代の前身は、ローマ帝国崩壊前の古代音楽の時代であった（西暦476年）。,

Early periodEdit

Medieval eraEdit

中世の時代には、ヴィエルの崩壊後の音楽が含まれています約1400年にローマ。 プレーンソングまたはグレゴリオ聖歌とも呼ばれるモノフォニック聖歌は、1100年頃まで支配的な形式でした。, カトリックの修道士は、世界中の教会全体で典礼を標準化するために、現代ヨーロッパの音楽表記の最初の形式を開発しました。 ポリフォニック（多声）音楽は、モテットのより複雑なボイシングを含む、中世後期を通じて、ルネサンスにモノフォニック聖歌から発展しました。

ヨーロッパの古典楽器の多くは、中世イスラム世界から採用された東洋の楽器にルーツを持っています。, たとえば、アラビア語のrebabは、リラ、レベック、バイオリンを含むすべてのヨーロッパの弓弦楽器の祖先です。

中世の音楽を演奏するために使用される楽器の多くはまだ存在しますが、異なる形式です。 中世の楽器には、フルート、リコーダー、リュートのような撥弦楽器が含まれていました。 また、オルガンとフィドル（またはvielle）の初期のバージョンも存在しました。 ヨーロッパの中世の楽器は、最も一般的に単独で使用され、しばしばドローンノートを伴う自己、または時には部分で使用されていた。, 少なくとも13世紀から15世紀にかけて、楽器はhaut（大声で、甲高い、屋外の楽器）とbas（より静かで、より親密な楽器）に分割されました。 中世の初期には、主にグレゴリオ聖歌の典礼ジャンルからの声楽は、単一の無伴奏の声楽メロディラインを使用して、モノフォニックであった。 複数の独立したボーカルメロディーを使用するポリフォニックボーカルジャンルは、13世紀後半から14世紀初頭までに流行し、高中世時代に発展し始めた。,

著名な中世の作曲家には、ヒルデガルト-フォン-ビンゲン、ギヨーム-ド-マショー、レオニン、ペロタン、フィリップ-ド-ヴィトリー、フランチェスコ-ランディーニ、ヨハネス-チコニアがいる。

Renaissance eraEdit

ルネサンスの時代は1400年から1600年でした。 これは、楽器のより大きな使用、複数の織り交ぜ旋律ライン、および最初の低音楽器の使用によって特徴付けられました。 社交ダンスが普及したため、付随するダンスに適した音楽形式が標準化され始めました。, 譜表の音楽の表記やその他の音楽表記の要素が形作られ始めたのはこの時期です。 この発明は、楽曲の構成をその伝送から分離することを可能にした。 楽譜では、作曲家の存在なしに音楽の作品を演奏することができました。 15世紀の可動式印刷機の発明は、音楽の保存と伝達に大きな影響を与えました。,

多くの楽器はルネサンス時代に起源を持ち、他の楽器は以前に存在していた楽器のバリエーション、または改良されたものであった。 いくつかは現在まで生き残っていますが、他のものは消えてしまいましたが、時代楽器で音楽を演奏するために再作成されました。 現代のように、楽器は真鍮、弦、打楽器、木管に分類されることがあります。, ルネサンスの金管楽器は、伝統的にギルドのメンバーであった専門家によって演奏され、スライドトランペット、木製コルネット、バルブレストランペット、サックバットなどが含まれていた。 弦楽器には、ヴィオール、レベック、ハープのような抒情詩、ハーディ-ガーディ、リュート、ギター、シッターン、バンドラ、オルファリオンが含まれていた。 弦を持つ鍵盤楽器には、チェンバロとクラヴィコードが含まれていました。 打楽器は、三角形、ユダヤ人のハープ、タンバリン、鐘、ランブルポット、およびドラムの様々な種類が含まれています。, 木管楽器には、ダブルリードショーム（オーボエ家の初期のメンバー）、リードパイプ、バグパイプ、横笛、リコーダー、ドゥルシアン、クラムホルンが含まれていました。 単純なパイプオルガンは存在したが、大部分は教会に限定されていたが、移植可能な品種があった。 印刷により、機器の説明や仕様の標準化、およびその使用に関する指示が可能になりました。

ルネサンスの声楽は、ますます精巧なポリフォニックスタイルの繁栄のために注目されています。, ルネサンス期全体にわたって耐えられた主要な典礼形式は、ミサとモテットであり、特に神聖な音楽の作曲家が自分のデザインのために世俗的な形（マドリガルのような）を採用し始めたため、終わりに向かっていくつかの他の発展を遂げた。 期間の終わりに向かって、monody、madrigal喜劇、intermedioなどのオペラの初期の劇的な前駆体が見られます。 1597年頃、イタリアの作曲家ヤコポ-ペリは、今日のオペラと呼ばれる最初の作品であるダフネを書いた。 彼はまた、今日まで生き残った最初のオペラであるエウリディーチェを作曲しました。,

著名なルネサンスの作曲家には、ジョスカン-デ-プレ、ジョヴァンニ-ピエルルイジ-ダ-パレストリーナ、ジョン-ダンスタプル、ヨハネス-オッケゲム、オルランド-ド-ラッスス、ギヨーム-デュ-フェイ、ジル-ビンショワ、トーマス-タリス、ウィリアム-バード、ジョヴァンニ-ガブリエリ、カルロ-ジェスアルド、ジョン-ダウランド、ジェイコブ-オブレヒト、エイドリアン-ウィラート、ジャック-アルカデルト、シプリアーノ-ド-ローレがいる。

コモン-プラクティス期間編集

コモン-プラクティス期間は、一般的に、コモン-プラクティス調性の形成と解散の間の時代として定義される。, この用語は、通常、バロック、古典、およびロマンチックな期間を包含する、およそ二世紀半にわたります。

Baroque eraEdit

バロック音楽は複雑な色調の使用によって特徴付けられます対位法とbasso continuo、連続ベースラインの使用。, 音楽は以前のすべての期間の単純な曲と比較してより複雑になりました。 ソナタ形式の始まりは、テーマとバリエーションのより正式な概念が行ったように、カンツォーナで形を取った。 音楽における不協和音と半音階を管理するための手段としてのメジャーとマイナーの調性は完全な形を取った。

バロック時代には、チェンバロやパイプオルガンで演奏される鍵盤音楽がますます人気を博し、弦楽器のヴァイオリンファミリーは今日では一般的に見られる形を取った。, 上演された音楽劇としてのオペラは、以前の音楽的および劇的な形態と区別され始め、カンタータやオラトリオのような声楽形式がより一般的になった。 初めてのボーカリストは、音楽に余分なノートを追加し始めました。

等しい気質を取り巻く理論は、特に調律が難しい鍵盤楽器におけるより広い範囲の色彩可能性を可能にしたため、より広い練習に入れられ始めた。 しかし、J.S., バッハは、現代のピアノが一般的にチューニングされているように、等しい気質を使用していませんでした,meantoneシステムから気質の変化,当時の一般的な,音楽的に受け入れられるすべてのキー間の変調を作った様々な気質に,彼のよく鍛えられたクラヴィアを可能にしました.

バロック楽器には、初期の楽器（hurdy-gurdyやリコーダーなど）といくつかの新しい楽器（オーボエ、ファゴット、チェロ、コントラバス、フォルテピアーノなど）が含まれていた。 ショーム、シッターン、ラケット、木製コルネットなど、以前の時代のいくつかの楽器は廃れてしまった。, 弦楽のための重要なバロック楽器には、ヴァイオリン、ヴィオール、ヴィオラ、ヴィオラダモーレ、チェロ、コントラバス、リュート、テオルボ（しばしば通奏低音を演奏する）、マンドリン、バロックギター、ハープ、ハーディ＝ガーディが含まれていた。 木管楽器には、バロックフルート、バロックオーボエ、リコーダー、ファゴットなどがある。 金管楽器には、コルネット、天然ホルン、天然トランペット、蛇、トロンボーンが含まれていた。 鍵盤楽器には、クラヴィコード、タンジェントピアノ、チェンバロ、パイプオルガン、そして後期にはフォルテピアーノ（ピアノの初期バージョン）が含まれていた。, 打楽器には、ティンパニ、スネアドラム、タンバリン、カスタネットが含まれていました。

バロック音楽とそれに続く古典時代の大きな違いは、バロックアンサンブルで使用される楽器の種類がはるかに標準化されていなかったこと バロックアンサンブルには、いくつかの異なるタイプの鍵盤楽器（例えば、パイプオルガンやチェンバロ）、追加の弦楽器（例えば、リュート）、弓弦、木管楽器、金管楽器、および不特定多数の低音楽器が含まれることができる。,、チェロ、コントラバス、ヴィオラ、ファゴット、蛇など).

バロック時代の声楽の発展には、オペラ-セリアやオペラ-コミックなどのオペラや、オラトリオやカンタータなどの関連する形式の発展が含まれていた。

この時代の重要な作曲家には、ヨハン-ゼバスティアン-バッハ、アントニオ-ヴィヴァルディ、ジョルジュ-フリデリック-ヘンデル、ヘンリー-パーセル、クラウディオ-モンテヴェルディ、バルバラ-ストロッツィ、ドメニコ-スカルラッティ、ゲオルク-フィリップ-テレマン、アルカンジェロ-コレッリ、アレッサンドロ-スカルラッティ、ジャン＝フィリップ-ラモー、ジャン＝バティスト-ルリー、ハインリヒ-シュッツがいる。,

古典的なeraEdit

“クラシック音楽”という用語には、”クラシック音楽”という用語が含まれていますがすべての西洋美術音楽中世から2000年代にかけて、クラシック時代は1750年代から1820年代初頭にかけての西洋美術音楽の時代であり、ヴォルフガング-アマデウス-モーツァルト、ヨーゼフ-ハイドン、ルートヴィヒ-ヴァン-ベートーヴェンの時代であった。,

クラシック時代は、作曲、プレゼンテーション、スタイルの規範の多くを確立し、ピアノが支配的な鍵盤楽器になったときでもありました。 オーケストラに必要な基本的な力はやや標準化されました（ただし、次の世紀により広い範囲の楽器の可能性が開発されるにつれて成長するでしょう）。 室内楽は、セレナードのために8人から10人の演奏者がいるアンサンブルを含むようになった。 オペラは、イタリア、フランス、ドイツ語圏の地域スタイルで、発展を続けました。, コミック-オペラの一形態であるオペラ-ブッファは人気を博した。 交響曲は音楽形式として独自のものになり、協奏曲は名手の演奏スキルを表示するための手段として開発されました。 オーケストラはもはやチェンバロ（バロック様式の伝統的な連続奏の一部であった）を必要とせず、しばしばリードヴァイオリニスト（現在はコンサートマスターと呼ばれる）によって導かれた。

クラシック時代のミュージシャンは、チェロ、コントラバス、リコーダー、トロンボーン、ティンパニ、フォルテピアーノ（現代ピアノの前身）、オルガンなど、バロック時代の多くの楽器を使用し続けた。, いくつかのバロック楽器（テオルボやラケットなど）が廃れたが、バロック楽器の多くはバロックバイオリン（ヴァイオリンとなった）、バロックオーボエ（オーボエとなった）、バロックトランペットなど、今日でも使用されているバージョンに変更された。 クラシック時代には、弦楽四重奏などのオーケストラや室内楽で使用される弦楽器は、オーケストラの弦セクションを形成する四つの楽器として標準化さ, バロック時代の弦楽器は、フレット、弓状のヴィオルなどが段階的に廃止されました。 木管楽器には、バセットクラリネット、バセットホルン、クラリネットダムール、クラシッククラリネット、シャルモー、フルート、オーボエ、ファゴットが含まれていた。 鍵盤楽器にはクラヴィコードとフォルテピアーノが含まれていた。 チェンバロはまだ1750年代と1760年代にバッソ連続伴奏で使用されていましたが、世紀末には使用されなくなりました。 金管楽器には、バッシン、オフィクレイド（チューバの前身であったバス-サーペントの代わり）、天然ホルンが含まれていた。,

管楽器は古典時代により洗練されたものになりました。 オーボエやファゴットのようなダブルリード楽器はバロックではやや標準化されたが、モーツァルトが管弦楽、室内楽、協奏曲の設定でその役割を拡大するまで、単一の葦のクラリネットファミリーは広く使用されていなかった。

この時期の主な作曲家には、ヴォルフガング-アマデウス-モーツァルト、ルートヴィヒ-ヴァン-ベートーヴェン、ヨーゼフ-ハイドン、クリストフ-ウィリバルト-グルック、ヨハン-クリスチャン-バッハ、ルイジ-ボッケリーニ、カール-フィリップ-エマヌエル-バッハ、ムツィオ-クレメンティ、アントニオ-サリエリ、ヨハン-ネポムク-フンメルがいる。,

Romantic eraEdit

ロマンチック時代の音楽は、19世紀初頭から20世紀初頭にかけて、拡張された旋律ラインと表現力豊かで感情的な要素に注目され、他の芸術形式におけるロマン主義と並行していた。, 音楽形式は古典的な時代の形式から（それらが成文化されていたとしても）壊れ始め、nocturnes、fantasias、preludesのような自由形式の作品が書かれ、テーマの博覧会と発展について受け入れられたアイデアが無視または最小限に抑えられました。 音楽は、調号についての緊張（古い形式の受け入れられた規範に関して）が増加して、より半音階、不協和音、調性カラフルになりました。 芸術の歌（または嘘）は、最終的にリヒャルト-ワーグナーのリングサイクルによって超越した壮大なオペラの壮大なスケールと同様に、この時代に成熟しました。,

19世紀には、作曲家や音楽家が貴族から独立した生活を構築することができるため、音楽機関は裕福な後援者の支配から浮上しました。 西ヨーロッパ中の中産階級の増加によって音楽への関心が高まり、音楽の教育、演奏、保存のための組織が創設された。 この時代に近代的な建設を達成したピアノは、（冶金の産業の進歩により）中産階級に広く普及し、その楽器の要求は多くのピアノビルダーに拍車をかけた。, 多くの交響楽団はこの時代に設立されたとされています。 フランツ-リストやニッコロ-パガニーニのように、両方の役割を果たした音楽家や作曲家もいました。

ヨーロッパの文化的アイデアや制度は、世界の他の地域への植民地拡大に従い始めました。 また、エドヴァルド-グリーグ、ニコライ-リムスキー＝コルサコフ、アントニーン-ドヴォルザークなどの作曲家が故郷の伝統音楽を作曲に反響させるなど、音楽におけるナショナリズムの台頭（場合によっては当時の政治的感情を反映させる）もあった。,

ロマンチックな時代には、より強力で持続的なトーンとより広い範囲を持つ現代のピアノが、より繊細なサウンドのフォルテピアノから引き継いだ。 オーケストラでは、既存のクラシック楽器とセクション（弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器）が保持されていましたが、これらのセクションは通常、より充実した、より大きな音を作るために拡張されました。 例えば、バロック管弦楽団があったのでは二つのダブルベースの選手が、ロマンティック管弦楽団として。, “音楽として育った表現の標準的なオーケストラのパレットだけでない豊かなも多くのロマンティック作曲家と協力する予定です。”

特にオーケストラで使用される楽器の家族はより大きくなり、20世紀初頭に後期ロマン派とモダニズムの作曲家によって使用される非常に大きなオーケストラでクライマックスを迎えた。 打楽器のより広い配列が表示され始めました。 ロータリーバルブの導入により、より広い範囲の音符を演奏することが可能になったため、金管楽器はより大きな役割を果たしました。, オーケストラの規模（古典時代には通常40前後）は100を超えるようになった。 例えば、グスタフ-マーラーの1906年の交響曲第8番は、150人以上の楽器と400人以上の合唱団で演奏されています。 コントラバス、バスクラリネット、ピッコロなどの新しい木管楽器が追加され、木琴、スネアドラム、チェレスタ（鐘のような鍵盤楽器）、鐘、三角形、大きなオーケストラハープ、さらには効果音のための吹き出し機などの新しい打楽器が追加された。, サクソフォーンは19世紀後半以降のいくつかの楽譜に登場し、通常はオーケストラの不可欠な部分のようにではなく、ソロ楽器として特色になっている。

ワーグナー-チューバは、ホルン家の改変されたメンバーであり、リヒャルト-ワーグナーの”サイクル-デア-リング-デ-ニーベルンゲン”に登場する。 アントン-ブルックナーの交響曲第7番イ長調においても重要な役割を果たしており、リヒャルト-シュトラウス、ベーラ-バルトークなどの後期ロマン主義やモダニズムの作品でも使用されており、少なくとも世紀末までは機敏ではないとみなされていたトランペットと並んで19世紀の楽譜に定期的に登場している。,

この時代の著名な作曲家には、ピョートル-イリイチ-チャイコフスキー、フレデリック-ショパン、ヘクトル-ベルリオーズ、フランツ-シューベルト、ロベルト-シューマン、フェリックス-メンデルスゾーン、フランツ-リスト、ジュゼッペ-ヴェルディ、リヒャルト-ワーグナー、ヨハネス-ブラームス、エドヴァルド-グリーグ、ヨハン-シュトラウスなどがいる。,

20世紀と21世紀の編集

モダニズムeraEdit

ポストロマンチックなスタイルの多種多様を包含する、モダニズムのクラシック音楽は、組成の後期ロマンチック、印象派、表現主義、および新古典主義のスタイルが含まれています。, モダニズムは、多くの作曲家が伝統的な調性、メロディー、計装、構造などの一般的な練習期間の特定の値を拒否した時代をマークしました。 いくつかの音楽史家は、音楽モダニズムを1890年から1930年にかけての時代とみなしている。 他の人は、モダニズムは二つの世界大戦のどちらか一方で終わったと考えています。 さらに他の当局は、モダニズムは歴史的な時代と関連しているのではなく、むしろ”作曲家の態度であり、時代とともに進化することができる生きた構, 20世紀末には衰退したにもかかわらず、ピエール-ブーレーズ、ポーリーヌ-オリヴェロス、武満徹、ジョージ-ベンジャミン、ジェイコブ-ドラックマン、ブライアン-ファーニーホー、ジョージ-ペルル、ヴォルフガング-リーム、リチャード-ウェルニック、リチャード-ウィルソン、ラルフ-シェイピーなど、モダニズムのアイデアや形態を発展させ続けた作曲家の活発なコアが世紀末に残っている。

この時期に支配的だった二つの音楽運動は、1890年頃から始まった印象派と1908年頃から始まった表現派でした。, それは、音楽の古いカテゴリーに挑戦して再解釈することにおける多様な反応の時代であり、音楽の高調波、旋律、音、リズミカルな側面を整理し、近づく新しい方法につながる革新、そして時間の芸術におけるモダニズムのより大きな識別可能な期間と密接に関連した美的世界観の変化であった。 それに最も関連付けられている手術の言葉は”革新”です。 その主な特徴は、単一の音楽ジャンルがこれまで支配的な地位を占めていなかったということである”言語的複数”です。,

オーケストラは、20世紀の最初の二十年でピークに達し、初期の年のモダニズム時代の間にサイズが成長し続けました。 サクソフォンのみに登場した稀には19世紀になったりとして用いられている一般的な補助機器がんになったコアメンバーのオーケストラのメンバー。, モーリス-ラヴェルのムソルグスキーの展覧会での絵のオーケストレーションやセルゲイ-ラフマニノフの交響曲の踊りなど、いくつかの作品では独奏楽器としてのみ登場しているが、セルゲイ-プロコフィエフのロミオとジュリエット組曲1と2などの他の作品にはオーケストラ-アンサンブルのメンバーとしてサクソフォーンが含まれている。 ラヴェルのボレロのようないくつかの組成物では、異なるサイズの二つ以上のサックスは、オーケストラの他のセクションのようなセクション全体を作, ユーフォニアムは、いくつかの後期ロマンチックと20世紀作品で紹介されており、通常、グスタフ*ホルストの惑星やリヒャルト*シュトラウスのアインHeldenlebenを含む”,

20世紀初頭の著名な作曲家には、イーゴリ-ストラヴィンスキー、クロード-ドビュッシー、セルゲイ-ラフマニノフ、セルゲイ-プロコフィエフ、アルノルト-シェーンベルク、ハイトール-ヴィラ＝ロボス、アントン-ウェーベルン、アルバン-ベルク、セシル-シャミナード、パウル-ヒンデミット、アラム-ハチャトゥリアン、ジョージ-ガーシュウィン、エイミー-ビーチ、ベーラ-バルトーク、ドミトリ-ショスタコーヴィチなどがあり、前述のマーラーやシュトラウスは19世紀から引き継いだ過渡期の人物として挙げられる。—–,

ポストモダン/現代eraEdit

ポストモダン音楽は、いくつかの当局によると、早くも1930年に始まった音楽の時代である。 それはポストモダニズムの芸術、すなわちモダニズムの後に来て、モダニズムに反応する芸術と特徴を共有しています。,

他のいくつかの当局は、1930年以降、20世紀後半から21世紀初頭にかけて作曲された”現代音楽”とポストモダン音楽を多かれ少なかれ同一視している。 ポストモダン/現代の時代の多様な動きのいくつかは、ネオロマンティック、ネオメディエバル、ミニマリスト、およびポストミニマリストが含まれ

21世紀初頭の現代クラシック音楽は、しばしば1945年以降のすべての音楽形式を含むと考えられていました。, 一世代後、この用語は、今ではまだ生きている作曲家によって書かれた今日の音楽を適切に指します。1970年代半ばに顕著になった音楽は、モダニズム、ポストモダン、ネオロマンティック、多元主義のさまざまなバリエーションを含みます。