주간 부문 클래식 음악의 1900 은 이른 음악 기간을 포함하는 중세(500-1400)와 르네상스(1400 에서 1600 사이)시대,그리고 일반적인 관행 기간을 포함하는 바로크(1600-1750),클래식(1750-1820),그리고 낭만(1810-1910)시대. 현재의 기간 동안 포괄하는 20 세기와 21 세기에 날짜를 포함한 현대 음악의 시대와 현대 또는 포스트 모던 음악의 시대입니다 종종 논쟁의 대상이다.,

날짜는 일반화이며,시대와 시대가 겹치고 범주가 다소 임의적이기 때문에 일부 당국은 용어를 역전시키고 바로크,고전 및 낭만적 인”기간”을 포함하는 일반적인 관행”시대”를 지칭한다는 점에 이릅니다. 예를 들어,사용에 대위법 및 푸가는 특성을 고려의 바로크 시대(또는간 기준),에 의해 계속되었고,하이든 사람으로 분류됩의 전형적인 시대입니다., 베토벤,들은 종종 설립자로서의 낭만주의 시대,그리고 브람스,들로 분류됩니다 낭만적 인 또한 사용에 대위법 및 푸가지만,이 로맨틱하고 때로는 동경의 품질을 자신들의 음악을 정의하는 시대입니다.

두 신을 설명하는 데 사용되는 19,20,또는 21 세기의 구성 작성된 스타일에서의 이전 시대와 같은 고전적인 또는 낭만적이다. 예를 들어 Stravinsky 의 Pulcinella 는 바로크 시대의 작품과 문체 적으로 유사하기 때문에 신고전주의 풍 구성입니다.,

RootsEdit

Burgh(2006),는 뿌리의 서쪽 클래식 음악 궁극적으로 거짓말 고대에 이집트 아트를 통해 음악 cheironomy 및 고대 이집트 오케스트라,어느 날짜를 2695BC. 개별 톤과 스케일의 개발은 Aristoxenus 와 Pythagoras 와 같은 고대 그리스인에 의해 이루어졌습니다. 피타고라스는 튜닝 시스템을 만들고 음악 표기법을 성문화하는 데 도움을주었습니다., Aulos(갈대 악기)와 lyre(작은 하프와 비슷한 현악기)와 같은 고대 그리스 악기는 결국 클래식 오케스트라의 여러 현대 악기로 이어졌습니다. 초기 시대의 선행은 로마 제국(476 년)의 몰락 이전의 고대 음악의 시대였습니다.,

초 periodEdit

중세 eraEdit

중세 시대에 음악을 포함에서 로마의 몰락 이후 약 1400. Plainsong 또는 Gregorian chant 라고도하는 Monophonic chant 는 약 1100 년까지 지배적 인 형태였습니다., 가톨릭 승려들은 전 세계 교회 전체에서 전례를 표준화하기 위해 현대 유럽 음악 표기법의 첫 번째 형태를 개발했습니다. 화음(멀티언)음악에서 개발하 모노 노래를 통해 늦은 중세와 르네상스를 포함하여 더 복잡한 보이스의 motets.

유럽 클래식 악기를 뿌리에서 동양기에서 채택되었는 중세는 이슬람 세계입니다., 예를 들어,아랍어 rebab 은 Lira,rebec 및 바이올린을 포함한 모든 유럽 숙이고 현악기의 조상입니다.

중세 음악을 연주하는 데 사용 된 악기의 대부분은 여전히 존재하지만 다른 형태로 존재합니다. 중세 악기에는 플루트,레코더 및 류트와 같은 뽑은 현악기가 포함되었습니다. 뿐만 아니라 오르간과 바이올린(또는 비엘)의 초기 버전이 존재했습니다. 중세기에 유럽에서 가장 일반적으로 사용되어 단독으로,종종 자기와 함께 드론 참고,또는 때때로에서 부분입니다., 적어도 13 세기 초부터 15 세기까지 haut(시끄러운,날카로운,야외 악기)와 bas(더 조용하고 친밀한 악기)로 악기의 분열이있었습니다. 는 동안 이전 중세 기간,성악에서 예배 장르,주로 양,노래했 모노이 사용하는 단 하나,비동반 보컬 멜로디 라인. 다성 보컬 장르는 데 사용되는 여러 개의 독립적인 보컬 멜로디를 개발하기 시작하는 동안 높은 중세 시대되고,널리 퍼진에 의해 나중에는 13 일과 14 세기 초.,

주목할만한 중세 작곡가로는 Bingen 의 Hildegard,Guillaume de Machaut,Léonin,Pérotin,Philippe de Vitry,Francesco Landini 및 Johannes Ciconia 가 있습니다.

르네상스 eraEdit

르네상스 시대는 1400 년에서 1600 년 사이였습니다. 그것은 계측의 더 큰 사용,여러 개의 짜여진 멜로디 라인 및 첫 번째베이스 악기의 사용으로 특징 지어졌습니다. 사교 댄스가 널리 보급됨에 따라 동반 댄스에 적합한 음악 형식이 표준화되기 시작했습니다., 이때에는 스태프의 음악 표기법과 음악 표기법의 다른 요소가 형성되기 시작했습니다. 본 발명은 가능하게 분리 구성의 조각의 음악에서의 전송;서면 동의 없이는 음악,전송되었 구강 및 변경될 때마다 그가 전송되었습니다. 악보를 사용하면 작곡가의 존재없이 음악 작품을 연주 할 수있었습니다. 15 세기에 이동식 형 인쇄기의 발명은 음악의 보존 및 전송에 광범위한 결과를 가져 왔습니다.,

르네상스 시대에 시작된 많은 악기;다른 것들은 이전에 존재했던 악기의 변형 또는 개선이었습니다. 일부는 현재까지 살아 남았습니다;다른 사람들은 기간 악기에서 음악을 연주하기 위해서만 다시 만들어지기 위해 사라졌습니다. 현대와 마찬가지로 악기는 황동,현악기,타악기 및 목 관악기로 분류 될 수 있습니다., 금관 악기 악기 르네상스에서는 전통이 있었 연주에 의해 전문가들로 구성원의 길드와 그들이 포함되어 있 슬라이드 트럼펫,나무 cornet,이스 타입의 트럼펫과 sackbut. 현악기에는 viol,rebec,하프 같은 거문고,hurdy-gurdy,lute,기타,cittern,bandora 및 orpharion 이 포함되었습니다. 현악이있는 키보드 악기에는 하프시 코드와 클라비 코드가 포함되었습니다. 타악기에는 삼각형,유대인의 하프,탬버린,벨,럼블 포트 및 다양한 종류의 드럼이 포함됩니다., 목관 악기 악기에 포함된 이중 리드 shawm(의 초기 구성원이 오보에는 가족),리드 파이프,백파이프,가로 플루트,레코더,이 dulcian 및 crumhorn. 단순한 파이프 오르간은 존재했지만 휴대용 품종이 있었지만 주로 교회에만 국한되었습니다. 인쇄는 악기의 설명 및 사양의 표준화뿐만 아니라 사용 지침을 가능하게했습니다.

르네상스의 성악은 점점 더 정교한 화음 스타일의 번성으로 유명합니다., 르네상스 시대 전체에 걸쳐 견뎌 온 주요 전례 형태는 대중과 모테트였으며,특히 신성한 음악의 작곡가가 자신의 디자인을 위해 세속적 인 형태(마드리갈과 같은)를 채택하기 시작하면서 끝을 향한 다른 발전이있었습니다. 시대가 끝날 무렵,모노디,마드리갈 코미디,인터미디오와 같은 오페라의 초기 극적인 선구자가 보입니다. 1597 년경 이탈리아의 작곡가 야코포 페리(Jacopo Peri)는 다프네(Dafne)를 썼다. 그는 또한 현재까지 살아남은 최초의 오페라 인 에우리디체(Euridice)를 작곡했다.,

주목할만한 르네상스 작곡가 포함 Josquin des Prez,지오반니 Pierluigi da 팔레스트리나,존 Dunstaple,요하네스 Ockeghem,Orlande de Lassus,기욤 Du 페이,질 Binchois,Thomas 탈리스 윌리엄,버드,오 가브리엘리,카를로 제수 알도,요한목이 설명,야곱 Obrecht,아드리안 Willaert,Jacques Arcadelt 고,이용할 de Rore.

Common-practice periodEdit

common-practice 기간은 일반적으로 common-practice tonality 의 형성과 해체 사이의 시대로 정의됩니다., 이 용어는 일반적으로 바로크,고전 및 낭만적 인 기간을 포괄하는 대략 2 세기 반에 걸쳐 있습니다.

바로크 eraEdit

바로크 음악은 복잡한 음조의 대위법을 사용하고 연속적인베이스 라인 인 basso Continuo 를 사용하는 것이 특징입니다., 음악은 모든 이전 기간의 단순한 노래와 비교하여 더욱 복잡해졌습니다. 소나타 형태의 시작은 주제와 변형에 대한보다 공식화 된 개념과 마찬가지로 칸조 나에서 형태를 취했다. 음악에서 불협화음과 색채를 관리하기위한 수단으로서의 메이저와 마이너의 음조는 완전한 형태를 취했다.

이 바로크 시대,키보드 음악 재생에 하프시코드와 파이프 오르간이 되었다는 점점 더 인기가있다,바이올린을 가족 현악기의 형태는 일반적으로 볼 수 오늘., 오페라로 개최 뮤지컬 드라마의 시작에서 자신을 차별화하기 위해 이전 음악과 극적인 형태,그리고 보컬의 양식을 좋아나와 예배당이 되었습니다. 처음으로 보컬리스트는 음악에 추가 노트를 추가하기 시작했습니다.

이론을 둘러싼 동등한 기질에 넣어하기 시작했에서 넓은 연습,특히 그대로 사용하는 넓은 범위의 색의 가능성에 어려운 곡 키보드 악기입니다. J.S. 비록, 바흐는 평등 한 기질을 사용하지 않았다.현대 피아노가 일반적으로 조정됨에 따라,당시 공통적 인 meantone 시스템에서 기질의 변화는 음악적으로 받아 들일 수있는 모든 키 사이의 변조를 만든 다양한 기질에 이르기까지 그의 잘 단련 된 Clavier 를 가능하게했다.

바로크 양식 악기 포함되는 몇 가지 악기로서 이전의 기간(예를들면,허리고 레코더)및 번호의 새로운 악기(예:오보,바순,첼로,콘트라베이스와 카잔). 이전 시대의 일부 악기는 shawm,cittern,rackett 및 wooden cornet 과 같이 폐기에 빠졌습니다., 현악의 핵심 바로크 악기에는 바이올린,viol,viola,viola d’amore,첼로,contrabass,lute,theorbo(종종 basso continuo 파트를 연주),만돌린,바로크 기타,하프 및 hurdy-gurdy 가 포함되었습니다. 목 관악기에는 바로크 플루트,바로크 오보에,레코더 및 바순이 포함되었습니다. 황동 악기에는 코넷,자연 경적,자연 트럼펫,뱀 및 트롬본이 포함되었습니다. 키보드 악기를 포함 클라비코드,탄젠트,피아노 하프시 코드,파이프 오르간,그리고 나중에 기간에 카잔(이전 버전의 피아노)., 타악기에는 팀파니,스네어 드럼,탬버린 및 캐스터네츠가 포함되었습니다.

주된 차이점 중 하나는 바로크 음악과 고전 시대는 그것을 따라하는 것은 그의 종류에 사용되는 기기 바로크 양식의 앙상블었다 훨씬 적은 표준화 되어 있습니다. 바로크 양식의 앙상블을 포함할 수 있습 중 하나는 여러 다른 형태의 키보드 악기(예를 들어,파이프 오르간 또는 하프시 코드),추가적인 현악 화음 악기(예를 들어,류트),를 숙이고,문자열 목관 악기 및 금관 악기 악기,그리고는 불특정 다수의 베이스 악기를 수행하 basso 콘티(예:,,첼로,콘트라베이스,비올라,바순,뱀,etc.).

보컬 발전의 바로크 시대의 개발을 포함 오페라의 유형과 같은 오페라 무척 및 오페라 플라스 두 트로카데로,샤이요 궁,그리고 관련된 형태로 오라토리오와 연주를 했.

중요한 작곡가 이 시대의 포함 Johann Sebastian Bach,안토니오 비발디,조지 헨델,헨리 Purcell,Monteverdi Claudio,바바라 스트리트,Domenico Scarlatti,게오르그 Philipp Telemann,아르칸젤로 코렐,알렉산드로 Scarlatti,Jean-Philippe 모 공원,생장 밥티스트 륄리고 하인리히 Schütz.,

Classical eraEdit

용어”클래식 음악”을 포함한 모든 서양 음악에서 중세 시대,2000 년대에는 고전 시대이었다 기간의 서양미술에서 음악을 1750 년대 초반에는 1820 년대의 시대—Wolfgang Amadeus Mozart,요셉 하이든,베토벤.,

고전 시대에 설립 된 많은 규범의의 구성,프리젠테이션과 스타일이 되었을 때 또한 피아노가 된 주된 키보드 악기입니다. 기본적인 세력에 필요한 오케스트라이 되었소 표준(지만 그들이는 것으로 성장 잠재력의 넓은 악기의 배열 개발되었 다음 세기에서). 실내악은 세레나데를 위해 8 명에서 10 명 정도의 연주자가있는 앙상블을 포함하도록 성장했습니다. 오페라는 이탈리아,프랑스 및 독일어권 토지에서 지역 스타일로 계속 발전했습니다., 만화 오페라의 한 형태 인 오페라 부파(opera buffa)가 인기를 얻었습니다. 교향곡은 그 자체로 음악적 형태로 들어 왔고,협주곡은 거장 연주 기술을 전시하기위한 차량으로 개발되었습니다. 오케스트라 더 이상 필요하지 않 하프시 코드(있었다 일부 전통적인 콘티 바로크 스타일에서),및 자주에 의해 주도로 이어질 바이올리니스트(지금 concertmaster).

고전 시대에 음악을 계속 사용의 기기에서 바로크 시대,첼로와 같은 콘트라베이스,레코더,트롬본,timpani,카잔(전신이 현대적인 피아노)및 기관입니다., 일부 바로크 악기는 폐기에 빠졌지 만(예:theorbo 와 rackett),많은 바로크 악기는 바로크 바이올린(바이올린이 된),바로크 오보에(오보에가 된)및 일반 valved 트럼펫으로 전환 한 바로크 트럼펫과 같이 오늘날에도 여전히 사용되고있는 버전으로 변경되었습니다. 클래식 시대에는 현악 4 중주 등 오케스트라와 실내악에 사용되는 현악기가 바이올린,비올라,첼로,더블베이스 등 오케스트라의 현악기 섹션을 구성하는 4 가지 악기로 표준화되었습니다., 초조해하고 고개를 숙인 비올과 같은 바로크 시대의 현악기가 단계적으로 제거되었습니다. 목 관악기에는 바셋 클라리넷,바셋 호른,클라리넷 다 무르,클래식 클라리넷,찰루 모,플루트,오보에 및 바순이 포함되었습니다. 키보드 악기에는 clavichord 와 fortepiano 가 포함되었습니다. 하프시 코드는 1750 년대와 1760 년대에 바소 연속 반주에서 여전히 사용되었지만 세기 말에 사용이 중단되었습니다. 황동 악기에는 buccin,ophicleide(튜바의 선구자 인베이스 뱀의 대체품)및 자연 경적이 포함되었습니다.,

관악기는 고전 시대에 더욱 세련되게되었습니다. 는 동안 이중 리드는 악기처럼 오보에와 바순되었다는 다소에서 표준화 된 바로크,클라리넷의 가족 단일 갈대 널리 사용되지 않았습까지 모차르트 확장의 역할에 오케스트라,챔버와 협주곡 설정합니다.

주요의 작곡가 이 기간을 포함 Wolfgang Amadeus Mozart,베토벤,요셉 하이든,크리스토프 빌리 발트버지,요한 기독교 Bach,루이지 Boccherini,칼 필립 엠마누엘 Bach,Muzio 클레멘티,샌안토니오글리,그리고 요한 네포무크 Hummel.,

로맨틱 eraEdit

음악의 낭만주의 시대에서,거의 19 세기에서 20 세기 초,었을 특징으로 관심이 증가하는 확장된 멜로디 라인뿐만 아니라,표현하고 감정적인 요소,병렬 낭만주의에서 다른 예술 형태입니다., 음악 형태를 파괴하기 시작했에서는 고전 시대 양식(도로 사람들을 명문화되고 있었다),자유 형식 조각 같은 녹턴에 수갑 환상곡,그리고 전주곡 작성되고 받는 곳에서 아이디어에 대한 설명과 개발의 테마로 무시되었거나 최소화됩니다. 음악되었다 더 색채,부조화,그리고 다채로운 음으로,긴장(대하여 허용 기준 이전의 형태)대표 증가하고 있다. 예술 노래(또는 거짓말)와서 성숙에 이 시대가 그랬던 것처럼,서울의 그랜드 오페라,궁극적으로 초월한 리차드 바그너의 반지는 주기입니다.,

19 세기에는 작곡가와 음악가가 귀족과는 독립적 인 삶을 구성 할 수 있기 때문에 음악 기관이 부유 한 후원자의 통제에서 나타났습니다. 에 대한 관심이 증가 음악으로 성장하고 중간 클래스에 걸쳐 서유럽 창출에 박차를 가하게 했의 조직에 대한 교육,성능,그리고 보존의 음악이다. 피아노,을 달성한 그 현대적인 건축이 이 시대에서(부분으로 인해 산업 발전에서 야금술)가 널리 인기있는과의 중간 클래스의 요구를 위한 악기 박차를 가한 많은 피아노 건설됩니다., 많은 교향악단이 창립을이 시대로 거슬러 올라갑니다. 일부 음악가와 작곡가는 그날의 별이었고 일부는 Franz Liszt 와 Niccolò Paganini 와 같이 두 가지 역할을 모두 수행했습니다.

유럽의 문화적 사상과 제도는 세계의 다른 지역으로의 식민지 확장을 따르기 시작했다. 도 상승,특히의 끝으로,시대의 민족주의의 음악(을 울리는,어떤 경우에는,정치적인 감정의 시간)으로,작곡가와 같은 에드워드 그 리그,니콜라이 림스키 코르사코프와 안토닌 드보르작 에코 전통적인 음악의 자신의 고향에서 자신의 조성물에 관한 것이다.,

에서 낭만주의 시대,현대적인 피아노와 더 강력한 지속적인 음색과 넓은 범위에서 더 많은 섬세한 소리가 나는 카잔. 오케스트라에서는 기존의 클래식 악기와 섹션(현악기 섹션,목 관악기,황동 및 타악기)이 유지되었지만 이러한 섹션은 일반적으로 더 풍부하고 더 큰 사운드를 만들기 위해 확장되었습니다. 예를 들어,바로크 오케스트라이 있는 두 개의 더블 베이스 플레이어,로맨틱한 오케스트라할 수 있으로 많은 열 있습니다., “음악이 더욱 표현력이 풍부 해짐에 따라 표준 오케스트라 팔레트는 많은 낭만적 인 작곡가에게 충분히 풍부하지 않았습니다.”

는 가족의 사용 기기에서 특히 오케스트라,성,프로세스는 정점에 달 20 세기 초반에 매우 큰 오케스트라 사용해 늦은 낭만주의와 모더니즘 작곡가. 더 넓은 배열의 타악기가 등장하기 시작했습니다. 황동 악기는 로터리 밸브의 도입으로 더 넓은 범위의 음표를 연주 할 수있게되었으므로 더 큰 역할을 수행했습니다., 오케스트라의 크기(일반적으로 고전 시대의 40 주변)는 100 이상으로 증가했습니다. 예를 들어 구스타프 말러의 1906 교향곡 8 번은 150 명이 넘는 악기 연주자와 400 명이 넘는 합창단과 함께 연주되었습니다. 새로운 목관 악기 악기가 추가되었는 등 contrabassoon,베이스 클라리넷 및 피콜로 새로운 타악기가 추가되었 포함하여,xylophones,스네어 드럼,celestas(는 종과 같은 키보드 계측기),벨,그리고 삼각형,대형 오케스트라를 가지고,심지어 바람을 위한 기계 음향 효과가 있습니다., 색소폰 이후 19 세기 후반에서 일부 점수에 나타납니다,일반적으로 솔로 악기보다는 오케스트라의 필수적인 부분으로 기능.

Horn 가족의 수정 된 구성원 인 Wagner tuba 는 Richard Wagner 의 cycle Der Ring des Nibelungen 에 나타납니다. 그것은 또한에서 중요한 역할을 안톤 Bruckner s Symphony No.7 에서 전자는 주요 고도에 사용되는 여러 가지 늦은 낭만주의와 모더니즘에 의해 작동에는 리차드 스트라우스,벨라 바르톡,및 다른 사람 코넷 나타나는 정기적으로 19 세기에 점수와 함께,나팔는 것으로 간주되었 적은 민첩,적어도 끝까지입니다.,

유명 작곡가 이 시대의 표트르함 크리스마스에 차이콥스키,쇼팽,Hector 베를리오즈,Franz Schubert,Robert Schumann,Felix Mendelssohn,프란츠 리스트 주세페 베르디,리차드 바그너,요하네스 브람스,에드워드 그 리그,그리고 요한 스트라우스 II. 구스타프 말러의 및 리차드 스트라우스는 일반적으로 과도 작곡가들의 음악을 모두 결합하는 늦은 낭만주의 초기 모더니즘 요소입니다.,

20 일 21centuriesEdit

현대 eraEdit

포괄하는 다양한 포스트-로맨틱한 스타일을 현대적인 음악을 포함하는 늦은 로맨틱한,인상파,표현주의,그리고 신고전주의 스타일의 구성입니다., 모더니즘을 표시하는 시대 때 많은 작곡가는 거절의 특정 값은 일반적인 관행 기간,같은 전통적인 색조,멜로디로,계측,그리고 구조입니다. 일부 음악 사학자들은 음악 모더니즘을 약 1890 년에서 1930 년까지 연장 된 시대로 간주합니다. 다른 사람들은 모더니즘이 두 세계 대전 중 하나 또는 다른 것으로 끝났다고 생각합니다. 아직도 다른 당국이 주장하는 모더니즘과 관련되지 않은 역사적인 시대이지만,오히려”의 태도 작곡가 있는 살아 있을 구성하는 진화할 수 있는 시간”., 에도 불구하고 감소에서의 마지막 세 번째는 20 세기 마지막에 남아 있 세기의 활성 작곡가의 핵심 계속 진행하는 아이디어 및 양식의 모더니즘,같은 피에르 불레즈,을 바탕 토루 Takemitsu,조지 베냐민,야곱 Druckman,브라이언 해 뉴욕으로 이주하여 프 조지 Perle,볼프강 Rihm,리처드 워닉,리처드 윌슨과 Ralph 케이터를 사용할 수 있습니다.

이 기간 동안 지배적이었던 두 가지 음악적 움직임은 1890 년경에 시작된 인상파와 1908 년경에 시작된 표현주의였다., 이었다 기간의 다양한 반응에 도전적이고 재해석하는 오래된 범주의 음악,혁신을 초래하는 새로운 방법으로 조직하고 접근하고,고조파 멜로디,소닉,그리고 리듬 측면의 음악,그리고 변경에 미적 세계관에서 가까운 관계를 크 식별 가능한 기간의 모더니즘 미술의 시간입니다. 그것과 가장 관련이있는 수술 단어는”혁신”입니다. 그것의 주요한 특징은”언어 적 복수”이며,이는 단일 음악 장르가 지배적 인 위치를 가정 한 적이 없다고 말하는 것입니다.,

오케스트라는 20 세기의 첫 20 년 동안 정점을 이룬 초기 근대주의 시대에 계속해서 크기가 커졌습니다. 19 세기에만 드물게 등장한 색소폰은 보충 악기로 더 일반적으로 사용되었지만 오케스트라의 핵심 멤버가되지는 않았습니다., 는 동안에만 나타나로스 솔로 악기 연주에서 어떤 작품,예를 들어 모리스 라벨 음악당의 오케스트레이션의 겸손한스키가 사진에서는 전시와 세르게이 라흐마니노프의 교향곡의 춤,색소폰에 포함된 다른 작품 등 세르게이는 프로코피예프의 로미오와 줄리엣 스위트 1 과 2 고 다른 많은 작품의 구성원으로 오케스트라상을 수상했다. 라벨의 볼레로(Ravel’S Boléro)와 같은 일부 작곡에서는 크기가 다른 두 개 이상의 색소폰이 오케스트라의 다른 섹션과 마찬가지로 전체 섹션을 만드는 데 사용됩니다., 의 유포니움은 약간 늦게 로맨틱 한 세기와 20 세기의 작품,일반적으로 재 부분에 표시”방침 투바”,등 쿠 행성 및 리차드 스트라우스의 Ein Heldenleben.,

유명 작곡가는 20 세기 초의 포함한 이고르 스트라빈스키,클로드 Debussy,세르게이 라흐마니노프,세르게이는 프로코피예프,아놀드 쇤베르크,에이토르 빌라-보스,안톤 베베른,Alban Berg,세 Chaminade,폴 힌데미트,판테온에 묻혔다,하지만 이러,이미 해변,벨라 바르톡와 드미트리 분석과 함께,앞서 언급한 말레르 및 스트라우스로 전환 그림자에서 넘어온은 19 세기까지 거슬러 올라간다.,

포스트 현대 현대 eraEdit

포스트 모던 음악은 기간의 음악을 시작으로 1930 년대에 따라 일부 당국. 그것은 포스트 모더니즘 예술,즉 이후에 와서 모더니즘에 대해 반응하는 예술과 특성을 공유합니다.,

일부 다른 당국은 더 많거나 적은 동일시 포스트 모던 음악과는”현대 음악”로 구성된 후 1930 년에서 20 세기 후반을 통해 21 세기 초에. 포스트 모던/현대 시대의 다양한 움직임 중 일부는 neoromantic,neomedival,minimalist 및 post minimalist 를 포함합니다.

21 세기 초 현대 클래식 음악은 종종 1945 년 이후의 모든 음악 형식을 포함하는 것으로 간주되었습니다., 세대 이후,이 용어로 말하면 오늘날의 음악에 의해 작성 작곡가는 여전히 살아 있는 음악이 눈에 온 in the mid-1970s. 그것은 포함한 다른 변화의 현대 포스트 모던,neoromantic,그리고 다원주는 음악이다.피>