tout d’abord, tout le formatage dont je parle ici ne peut pas être dupliqué dans L’éditeur de texte de contenu associé, alors faites très attention à ce conseil pratique afin que vous puissiez formater correctement,

Ce guide pratique est conçu pour aider les lecteurs et les scénaristes débutants à formater un scénario qui n’ont pas accès à des logiciels de scénarisation tels que Final Draft ou Movie Magic Screenwriter.

le logiciel mentionné est fortement recommandé (j’utilise les deux) mais si vous ne pouvez tout simplement pas mettre la main dessus pour une raison ou une autre, il est important de savoir comment formater correctement un scénario. De plus, Microsoft Word ou un autre traitement de texte peut être utilisé pour la scénarisation.,

Si vous êtes sérieux au sujet de l’écriture de scénario, en plus de lire ce mode D’emploi, je recommande fortement de lire tous les scénarios sur lesquels vous pouvez mettre la main ainsi que de reprendre

« histoire: Substance, Structure, Style et principes de L’écriture de scénario” de L’auteur Robert McKee.

M. McKee est dans le biz depuis des années, il connaît ses affaires. Le livre est vraiment fantastique et extrêmement instructif, et le meilleur de tous abordable. Il vous montrera non seulement les bases du bon formatage du scénario, mais vous montrera également comment structurer une histoire.,

en outre, il convient de noter que si vous choisissez de lire des scénarios de films qui ont déjà été produits, gardez à l’esprit que le scénario que vous lisez est très probablement un « Script de tournage. »

cela signifie qu’il a été foiré par les studios et comprend des aspects et des éléments qui ne sont ajoutés qu’après la vente/production du scénario (essentiellement, c’est l’impression bleue pour le tournage du film, d’où le nom). Par exemple, beaucoup de transitions (dissoudre en: couper en: etc.) ne font pas partie d’un” Script Spec », ce que vous écrivez initialement., Fondamentalement, ce que je dis, c’est qu’il y a plus de travail fait à un Script de prise de vue que nécessaire pour un Script de spécification.

longueur appropriée du scénario

« long métrage” semble être une zone grise.

l’Académie, oui ces gars qui mettent les Oscars chaque année, classent un scénario de long métrage comme quelque chose de plus de quarante (40) pages. Maintenant, dans le monde réel, où la plupart d’entre nous vivent, le long métrage est considéré comme au moins quatre-vingt-dix (90) pages, mais selon le genre dans lequel vous écrivez, le scénario pourrait aller de quatre-vingt-dix (90) à cent vingt (120) pages.,

un conseil utile: écrivez un scénario aussi long que vous le souhaitez, mais si vous souhaitez l’Envoyer à un lecteur de script de studio, réduisez le scénario à pas plus de cent vingt-huit (128) pages.

pourquoi? Une page d’un scénario équivaut à environ une minute de temps d’écran; cent vingt-huit (128) pages équivaut à un film de deux heures et huit minutes (2 h 8 min) et tout ce qui dépasse ce seuil a été jugé « trop long. »

avec tout cela à l’écart, commençons., Dans la suite, je vais décomposer chaque élément d’un scénario et d’expliquer d’une façon qui, je l’espère, peut être comprise.

en guise de note, tout ce qui est en majuscules est intentionnel, lorsque vous écrivez un scénario, les éléments qui apparaissent en majuscules doivent également être écrits en majuscules dans votre travail, prenez également note de la ponctuation qui suit les majuscules.

Transitions dans un scénario correctement formaté

Les Transitions sont toujours alignées sur le côté droit de la page et sont utilisées pour passer d’une scène à l’autre., Les Transitions sont un élément qui est ajouté aux Scripts de prise de vue avec quelques exceptions notables.

Les exceptions sont, FADE IN: FADE OUT. et se fanent au noir. Tout le reste peut être ignoré, mais pour le bien de ce mode D’emploi, je vais expliquer ce que chaque Transition signifie et le rôle qu’elle joue.

RETOUR À: lorsque vous avez coupé d’une scène à une autre et que vous retournez à la scène d’origine. Par exemple, vous allez d’un restaurant à une maison et que vous voulez retourner au restaurant pour terminer la scène. Comme je l’ai dit, cela peut être ignoré à moins que vous n’ayez une sacrée bonne raison pour qu’il soit inclus.,

CUT TO: semblable à la transition BACK TO:, cette agrafe la fin d’une scène et le début de la suivante ensemble. Par exemple, la scène au restaurant est terminée et vous coupez à: la scène dans la maison.

D’autres variantes incluent MATCH CUT, qui correspond à l’objet dans une image avec l’image suivante. Ceci est un excellent exemple:

enfin, il y a la Coupe SMASH, qui est vraiment juste une coupe de fantaisie à. Il est conçu pour être discordant pour le spectateur. Un bon exemple peut être trouvé dans « Vanilla Sky:”

DISSOLVE to: lorsque la fin d’une scène chevauche le début d’une autre.,

FADE IN: vous devez utiliser cette transition au moins une fois dans votre scénario. Où devez-vous utiliser? Le tout début. Avant de taper un seul mot de votre histoire, vous devez Taper FADE IN: À part cela, ne vous inquiétez pas trop.

FADE OUT. Tout comme FADE IN: commence votre scénario, FADE OUT. se termine le scénario. Cette transition est interchangeable avec le fondu au noir. Peu importe lequel vous utilisez tant que vous en utilisez un à la toute fin.

fondu au noir. Tout comme FADE IN: commence votre scénario, FADE TO BLACK. se termine le scénario., Cette transition est interchangeable avec FADE OUT. Peu importe lequel vous utilisez tant que vous en utilisez un à la toute fin.

FADE TO: similaire à dissoudre TO: la transition FADE TO: s’estompe à la fin d’une scène et s’estompe au début de la suivante. Encore une fois, ne l’utilisez pas sauf si vous avez un véritable but artistique derrière le faire.

emplacements et en-tête de scène

un emplacement ou un en-tête de scène est composé de trois parties:

• Inside (INT.) ou à l’extérieur (EXT.)
• L’emplacement Spécifique (c’est à dire,, Café)
• l’Heure (Jour ou Nuit)

Donc, si je voulais une scène à l’intérieur d’une salle de bain au cours de la journée, il semblerait que tels:

INT. BATHROOM-DAY

et si je voulais une scène à l’extérieur d’une maison la nuit, le titre apparaîtrait comme tel:

EXT. HOUSE-NIGHT

et si je voulais une scène à la fois à l’extérieur et à l’intérieur? Facile. Utilisez l’emplacement I / E. INT. pour l’intérieur, EXT. pour extérieur et I / E. Pour Intérieur / Extérieur. Cet endroit est beaucoup utilisé pour les scènes dans une voiture. Exemple, J’/E., CAR-DAY

et si vous avez une scène qui commence à l’intérieur et se termine à l’extérieur? Simple, il vous suffit de créer un nouveau titre de scène et de continuer la scène. Chaque scène doit commencer par un titre de scène.

le moment de la journée, vous pouvez faire preuve de créativité si vous le souhaitez. Par exemple, écrire L’après-midi au lieu du jour. Si vous le souhaitez, vous pouvez. Personnellement, je ne le fais pas parce que je crois que c’est une décision mieux laissée aux personnes impliquées dans la production du film, donc je m’en tiens au jour et à la nuit.

ACTION

l’Action suit l’en-tête de la scène., L’action est ce qui se passe dans la scène; ce que les personnages font et ce que nous, le public, voyons. Adam marche vers le robinet, Adam karaté côtoie son chien, bla bla bla. L’en-tête d’action et de scène doit apparaître avec un espace entre les deux, comme ceci.

INT. Jour de la maison

Adam se dirige vers le robinet et se verse un verre d’eau.

…plus de sens? Ok, nous allons le. De plus, l’action est alignée à gauche sous l’en-tête de scène comme vous pouvez le voir. L’Action a lieu dans le temps présent, tel que nous le voyons arriver. Pour cette raison, vous devez écrire au présent.,

Alors qu’est-ce que cela signifie?

Voici un exemple: Adam walks est la bonne façon d’écrire une action, pas de marcher ou de marcher. Gardez tout au présent, c’est un peu difficile de s’habituer au début, mais vous l’obtiendrez avec la pratique.

Avec l’action, vous pouvez être aussi descriptif ou non descriptif que vous le souhaitez. Parlez du paysage et de ce qui se passe en arrière-plan si vous le souhaitez, mais ne laissez pas attirer l’attention des lecteurs sur les personnages et l’histoire., Il convient également de noter que la toute première fois que vous introduisez votre personnage ou un personnage, son nom doit apparaître en majuscules. Exemple.

INT. Maison-jour

clés jingle de l’autre côté de la porte. Ils peuvent être entendus lorsqu’ils sont insérés dans la serrure. Le bouton tourne et la porte s’ouvre, ADAM (fin de l’adolescence) entre dans la maison et laisse tomber un sac de films sur le sol.

This C’est ainsi que nous présentons notre personnage Adam pour la première fois, après cela nous pouvons écrire son nom comme d’habitude. Notez également comment j’ai clarifié son âge., Encore une fois, vous pouvez être aussi descriptif ou non descriptif que vous le souhaitez avec votre personnage. Faites-le noir, blanc, asiatique, gros, maigre tout ce que vous voulez.

lorsque vous utilisez le mot « caméra”, il apparaîtra également en majuscules, tout comme ses mouvements.

exemple: la caméra traverse le désert.

Ceci est une autre zone shakey. Je n’utilise pas le mot caméra parce que je sens que cela enlève de l’histoire et je ne sais pas ce que la caméra devrait faire, Je ne suis pas un réalisateur. Laissez le travail de la caméra aux professionnels.,

Si vous voulez que des mots apparaissent à l’écran tels que « Denver, Colorado”, vous l’indiquerez avec quelque chose appelé un SUPER. SUPER est l’abréviation de superposé.

il apparaît comme une action, alignée à gauche, sur sa propre ligne et en majuscules. Il peut également être souligné pour l’appeler.

SUPER: Denver, Colorado

Juste comme ça, sur le scénario « Catastrophe de l’Artiste” —

Caractère

les Caractères des noms, quand ils parlent, sont toujours en MAJUSCULES et leur nom doit être au centre de la page.,

ADAM
je suis Adam et mon nom est
centré en majuscules à chaque fois que
je parle.

Dialogue

Le Dialogue doit apparaître centré sous le nom du personnage. Si vous utilisez un logiciel de scénarisation, votre dialogue apparaîtra serré, comme il le fait ci-dessus, sinon vous devrez l’ajuster manuellement, ou simplement le garder centré sous le nom.

Le Dialogue peut être tout ce que vous voulez. Si vous voulez que vos personnages parlent de café et de cigarettes, laissez-les devenir fous., Quentin Tarantino a déclaré dans une interview avec Charlie Rose  » je pousse les personnages dans une direction, mais s’ils veulent parler d’autre chose pendant qu’ils vont du point A Au Point B, je les laisse.”

je paraphrase, bien sûr, ce n’est pas une citation mot pour mot. Son point est, Laissez les personnages être qui ils sont, laissez-les vous dire de quoi ils veulent parler. Si le dialogue fait avancer l’histoire et/ou révèle quelque chose sur la personne qui parle, alors tout est bon.,

Extensions

parfois, lorsque vous lisez un scénario, vous verrez quelque chose appelé « Extension” après le nom d’un personnage parlant.

ces extensions aident à clarifier où le personnage est placé dans la scène s’ils ne peuvent pas être vus; parfois, les extensions indiquent si quelque chose que le personnage dit a besoin de sous-titres.

Voici toutes les extensions que vous verrez, similaires aux transitions, toutes ne sont pas utilisées. Une extension ressemble à ceci ADAM (V. O.) La paranthèse est l’extension.

(O. S.) Cette extension signifie « Hors écran., »Hors écran signifie que nous pouvons entendre la personne parler mais ne pouvons pas les voir. Il est probable que le haut-parleur soit à proximité.

(O. C.) O. C. signifie « hors caméra”, ce qui est différent de hors écran. Hors caméra signifie que la personne que nous ne pouvons pas voir est dans la même pièce qu’un autre personnage avec qui il/elle parle mais ne peut pas être vue car peut-être que la caméra est formée sur une seule personne.

donc, si Adam est à une table et que le réalisateur a la caméra en gros plan sur Adam, Adam remplira l’écran. Nous ne pouvons pas voir quelqu’un d’autre., Donc, si Stacey est à l’autre bout de la table en train de discuter avec Adam, tous ses dialogues seraient étiquetés comme (O. C.) jusqu’à ce qu’elle soit amenée dans le plan, c’est-à-dire qu’elle apparaisse à l’écran.

(V. O.) cela signifie « Voix Off”, ce qui signifie que nous pouvons entendre la personne parler mais qu’elle n’est pas à proximité ni à l’écran. La Voix Off est principalement utilisée pour la narration. En outre, utilisez – le lorsque quelqu’un parle à une personne au téléphone.

Si le tir est coupé d’avant en arrière entre les deux en train de parler (ce qui signifie que vous voyez les deux personnes) au téléphone, vous n’utiliseriez pas (V. O)., Si vous ne voyez Qu’Adam au téléphone, mais ici la voix de Stacey, tous ses dialogues apparaîtraient comme un (V. O.)

(sous-titres) les sous-titres sont utilisés pour indiquer que la personne parlera dans une autre langue. Si Adam parle japonais mais que vous, l’écrivain, ne connaissez pas le japonais, vous écririez le dialogue en anglais et indiqueriez avec (sous-titre) que l’acteur parle dans une autre langue.

(suite) cette extension signifie CONTINUED. Si vous avez un personnage parler, puis lui faire effectuer une action, puis parler à nouveau, son dialogue sera poursuivi, ce qui est l’abréviation de CONTINUED FROM ABOVE., Sauf si vous avez un logiciel de scénarisation qui entre (suite) automatiquement, ne vous inquiétez pas de le mettre dedans, tout le monde peut voir que le personnage a repris la parole.

Parenthetical

Le parenthetical, officieusement connu sous le nom de « wryly” est un outil utile, mais surutilisé. Les parenthèses apparaissent sous le nom du personnage qui parle actuellement et elles sont utilisées pour fournir des informations supplémentaires au lecteur ou à l’acteur sur la façon de parler les lignes suivantes.,

Si vous voulez que l’acteur prononce les mots avec colère ou sarcasme, vous indiquerez comme tels entre parenthèses sous le nom du personnage. Vous pouvez toujours les utiliser pour indiquer si le personnage parle une autre langue.

ADAM
(en Japonais)
Merci.

Les mots entre parenthèses, « en Japonais” sont entre Parenthèses. Ils sont utilisés de cette manière pour indiquer Qu’Adam parle en japonais, mais le dialogue est en anglais parce que nous avons joint l’extension « Subtitle”, comme expliqué ci-dessus.,

en guise de Remarque, Si vous connaissez le japonais ou une autre langue et que vous souhaitez taper certaines parties du dialogue dans cette langue, devenez fou. Si votre personnage parle japonais et que vous ne voulez pas nécessairement que les mots soient sous-titrés, vous tapez simplement le dialogue comme vous le feriez si vous tapiez en anglais.

ADAM
Arigato.

Voir? Facile comme something quelque chose qui est facile.

Shots

Shots sont une autre partie inutilisée de l’écriture de scénario « Spec Script”. Ils sont utilisés pour indiquer les mouvements de caméra, les angles etc., À moins que vous ne dirigiez le film vous-même et que vous sachiez quoi mettre et comment utiliser correctement les prises de vue, ne vous embêtez pas à les jouer, cela peut devenir désordonné.

Mais pour des raisons pratiques, voici les photos courantes que vous rencontrerez. Ils apparaissent alignés à gauche et sont en majuscules.

de haut en bas – lorsque vous photographiez d’un point haut à un point bas, comme du haut de la maison au sol où l’action se passe.

CLOSE UP ou CU – cela indique que la caméra sera vraiment serrée et proche d’une personne, utilisée pour les expressions faciales.,

WIDE – lorsque vous voulez capturer un large éventail, peut-être que deux personnages sont aux extrémités opposées d’un terrain de football et que vous voulez les deux dans le même coup.

ANGLE ON – pendant la conversation, vous indiquerez vers qui la caméra est pointée, généralement la personne qui parle.

résumé de la formation du Script

L’écriture du script est une partie importante de la pré-production. En substance, sans un script solide, il n’y a pas de film! Il est important de comprendre les bases du format de scénario approprié afin que tout le monde sur le plateau, du producteur à L’Autorité palestinienne, puisse comprendre l’histoire.,

vous apprendrez bientôt que toutes ces règles ne sont pas gravées dans le marbre. Vous ignorerez certaines règles; certaines que vous ne briserez jamais. Au fur et à mesure que vous élaborez et découvrez votre propre style, vous apprendrez ce qui convient à votre style d’écriture de scénario.

pour l’instant, en tant que débutant, respectez les règles du bon formatage du scénario et vous serez sur le point d’écrire le prochain blockbuster hollywoodien.