Erstens, alle der formatierung ICH sprechen hier nicht dupliziert werden in die Zugehörigen Inhalt text editor, so zahlen aufmerksamkeit auf diese How-To beratung, so dass sie richtig format ihre drehbuch und machen ihre film.,

Diese Anleitung soll Lesern und erstmaligen Drehbuchautoren helfen, ein Drehbuch zu formatieren, die keinen Zugriff auf Drehbuchsoftware wie Final Draft oder Movie Magic Drehbuchautor haben.

Die erwähnte Software wird dringend empfohlen (ich benutze beide), aber wenn Sie sie aus dem einen oder anderen Grund einfach nicht in die Hände bekommen können, ist es wichtig zu wissen, wie Sie ein Drehbuch richtig formatieren. Zusätzlich kann Microsoft Word oder ein anderes Textverarbeitungsprogramm für das Drehbuch verwendet werden.,

Wenn Sie es ernst meinen mit dem Drehbuchschreiben, empfehle ich zusätzlich zum Lesen dieser Anleitung dringend, alle Drehbücher zu lesen, die Sie in die Hände bekommen können, sowie

„Geschichte: Substanz, Struktur, Stil und die Prinzipien des Drehbuchs“ von Autor Robert McKee.

Mr. McKee ist seit Jahren im Geschäft, er kennt seine Sachen. Das Buch ist wirklich fantastisch und äußerst informativ und am besten erschwinglich. Es zeigt Ihnen nicht nur die Grundlagen der richtigen Drehbuchformatierung, sondern auch, wie Sie eine Geschichte strukturieren.,

Außerdem sollte beachtet werden, dass das Drehbuch, das Sie lesen, höchstwahrscheinlich ein „Drehbuch“ ist, wenn Sie Drehbücher aus Filmen lesen, die bereits produziert wurden.“

Dies bedeutet, dass es von den Studios durcheinander gebracht wurde und Aspekte und Elemente enthält, die erst hinzugefügt werden, nachdem das Drehbuch verkauft/produziert wurde (im Wesentlichen ist es der Blaudruck für die Aufnahme des Films, daher der Name). Zum Beispiel viele Übergänge (AUFLÖSEN ZU: SCHNEIDEN ZU: etc.) sind nicht Teil des „Spec Script“, das ist, was Sie schreiben zunächst., Grundsätzlich sage ich, dass ein Aufnahmeskript mehr Arbeit leistet, als für ein Spezifikationsskript erforderlich ist.

Richtige Drehbuchlänge

„Feature-length“ scheint eine Grauzone zu sein.

Die Akademie, ja die Jungs, die jedes Jahr die Oscars gewinnen, klassifizieren ein Drehbuch in Spielfilmlänge als etwas über vierzig (40) Seiten. In der realen Welt, in der die meisten von uns leben, wird die Spielfilmlänge als mindestens neunzig (90) Seiten betrachtet, aber je nach Genre, in dem Sie schreiben, kann das Drehbuch zwischen neunzig (90) und einhundertzwanzig (120) Seiten liegen.,

Ein hilfreicher Hinweis: Schreiben Sie ein Drehbuch so lange, wie Sie möchten, aber wenn Sie es an einen Studio Script Reader senden möchten, schneiden Sie das Drehbuch auf nicht mehr als einhundertachtundzwanzig (128) Seiten.

Warum? Eine Seite eines Drehbuchs entspricht etwa einer Minute Bildschirmzeit; einhundertachtundzwanzig (128) Seiten entsprechen einem Film von zwei Stunden und acht Minuten (2 Stunden 8 Minuten), und alles, was über diesen Schwellenwert hinausgeht, wurde als „zu lang“ angesehen.“

Mit all dem aus dem Weg, lass uns anfangen., Im Folgenden werde ich jedes Element eines Drehbuchs aufschlüsseln und es auf eine Weise erklären, die hoffentlich verstanden werden kann.

Als Hinweis ist alles, was in ALL CAPS ist, beabsichtigt, wenn Sie ein Drehbuch schreiben, sollten die Elemente, die in ALL CAPS erscheinen, auch in ALL CAPS in Ihrer Arbeit geschrieben werden, beachten Sie auch die Interpunktion nach ALL CAPS.

Übergänge in einem richtig formatierten Drehbuch

Übergänge sind immer auf der rechten Seite der Seite ausgerichtet und werden verwendet, um von einer Szene zur nächsten zu bewegen., Übergänge sind ein Element, das mit einigen bemerkenswerten Ausnahmen zu Aufnahmeskripten hinzugefügt wird.

Die Ausnahmen sind, FADE-IN: FADE OUT. und VERBLASSEN ZU SCHWARZ. Alles andere kann ignoriert werden, aber um dieses How-To willen werde ich erklären, was jeder Übergang bedeutet und welche Rolle er spielt.

ZURÜCK ZU: Wenn Sie von einer Szene zur anderen geschnitten haben und zur ursprünglichen Szene zurückkehren. Zum Beispiel gehen Sie von einem Restaurant zu einem Haus und möchten zum Restaurant zurückkehren, um die Szene zu beenden. Wie ich bereits sagte, kann dies ignoriert werden, es sei denn, Sie haben einen verdammt guten Grund dafür, dass es aufgenommen wird.,

CUT TO: Ähnlich wie beim BACK TO: Übergang heftet dies das Ende einer Szene und den Anfang der nächsten zusammen. Zum Beispiel ist die Szene im Restaurant beendet und Sie SCHNEIDEN ZU: die Szene im Haus.

Andere Variationen umfassen MATCH CUT, das das Objekt in einem Frame mit dem nächsten Frame übereinstimmt. Dies ist ein großartiges Beispiel:

Schließlich gibt es den SMASH CUT, der wirklich nur ein ausgefallener SCHNITT ist. Es soll für den Betrachter erschreckend sein. Ein großartiges Beispiel finden Sie in „Vanilla Sky:“

AUFLÖSEN ZU: Wenn sich das Ende einer Szene mit dem Anfang einer anderen überlappt.,

FADE IN: Sie müssen diesen Übergang mindestens einmal in Ihrem Drehbuch verwenden. Wo müssen Sie es verwenden? Ganz am Anfang. Bevor Sie ein einzelnes Wort Ihrer Geschichte eingeben, müssen Sie FADE IN eingeben: Ansonsten machen Sie sich keine Sorgen.

AUSBLENDEN. So wie FADE IN: beginnt Ihr Drehbuch, FADE OUT. beendet das Drehbuch. Dieser Übergang ist austauschbar mit FADE ZU SCHWARZ. Es spielt keine Rolle, welches Sie verwenden, solange Sie eines davon ganz am Ende verwenden.

VERBLASSEN ZU SCHWARZ. Ebenso wie FADE-IN: beginnt Ihr Drehbuch, FADE TO BLACK. beendet das Drehbuch., Dieser übergang ist austauschbar mit-FADE-OUT. Es spielt keine Rolle, welches Sie verwenden, solange Sie eines davon ganz am Ende verwenden.

FADE TO: Ähnlich wie bei: Der FADE TO: Übergang wird am Ende einer Szene ausgeblendet und am Anfang der nächsten ausgeblendet. Verwenden Sie es wieder nicht, es sei denn, Sie haben einen wahren künstlerischen Zweck dahinter.

Positionen und Szenenüberschrift

Eine Position oder Szenenüberschrift besteht aus drei Teilen:

• Inside (INT.) oder außen (EXT.)
• Die Position (D. H.,, Cafe)
• Zeit (Tag oder Nacht)

Wenn ich also tagsüber eine Szene in einem Badezimmer haben wollte, würde sie so aussehen:

INT. BADEZIMMER-TAG

Und wenn ich nachts eine Szene außerhalb eines Hauses wollte, würde die Überschrift als solche erscheinen:

EXT. HOUSE-NIGHT

Was wäre, wenn ich eine Szene sowohl draußen als auch drinnen wollte? Einfach. Verwenden Sie den Ort I / E. INT. für Interieur, EXT. für außen und I / E. für innen/außen. Dieser Ort wird häufig für Szenen in einem Auto verwendet. Beispiel I/E., CAR-DAY

Was ist, wenn Sie eine Szene haben, die innen beginnt und außen endet? Einfach, Sie erstellen einfach eine neue Szenenüberschrift und setzen die Szene fort. Jede Szene muss mit einer Szenenüberschrift beginnen.

Mit der Tageszeit können Sie kreativ werden, wenn Sie möchten. Zum Beispiel schreiben NACHMITTAG statt TAG. Wenn Sie wollen, können Sie. Ich persönlich nicht, weil ich glaube, es ist eine Entscheidung am besten links bis zu den Menschen in der Produktion des Films beteiligt, so bleibe ich Tag und Nacht.

AKTION

Die Aktion folgt der Szenenüberschrift., Die Handlung ist, was in der Szene vor sich geht; was die Charaktere tun und was wir, das Publikum, sehen. Adam geht zum Wasserhahn, Adam karate-Koteletts seinen Hund, blah, blah, blah. Die Aktions – und Szenenüberschrift sollte mit einem Leerzeichen zwischen den beiden wie folgt angezeigt werden.

, INT. HAUS-TAG

Adam geht zum Wasserhahn und gießt sich ein Glas Wasser.

… Sinnvoll? Ok, los geht ‚ s. Außerdem wird die Aktion unter der Szenenüberschrift nach links ausgerichtet, wie Sie sehen können. Aktion findet in der heutigen Zeit statt,wie wir es sehen. Aufgrund dieser Tatsache müssen Sie in der Gegenwart schreiben.,

Also, was bedeutet das?

Hier ist ein Beispiel: Adam Walks ist der richtige Weg, um Action zu schreiben, nicht zu Fuß oder zu Fuß. Halten Sie alles in der Gegenwart, es ist zunächst etwas schwierig, sich daran zu gewöhnen, aber Sie werden es mit Übung bekommen.

Mit action können Sie so beschreibend oder nicht beschreibend sein, wie Sie möchten. Sprechen Sie über die Landschaft und was im Hintergrund vor sich geht, wenn Sie möchten, aber lassen Sie es die Leser nicht von den Charakteren und der Geschichte ablenken., Es sollte auch beachtet werden, dass beim allerersten Mal, wenn Sie Ihren Charakter oder einen Charakter vorstellen, dessen Name in Großbuchstaben erscheinen muss. Beispielsweise.

, INT. HAUS-TAG

Tasten klingeln auf der anderen Seite der Tür. Sie sind zu hören, wenn sie in das Schloss eingeführt werden. Der Knopf dreht sich und die Tür schwingt auf, ADAM (Late-Teens) betritt das Haus und lässt eine Tüte Filme auf den Boden fallen.

…So stellen wir unseren Charakter Adam zum ersten Mal vor, danach können wir seinen Namen wie gewohnt schreiben. Beachten Sie auch, wie ich sein Alter geklärt habe., Auch hier können Sie mit Ihrem Charakter so beschreibend oder nicht beschreibend sein, wie Sie möchten. Mach ihn schwarz, weiß, asiatisch, fett, dünn, was immer du willst.

Wenn Sie das Wort „Kamera“ verwenden, wird es ebenso wie seine Bewegungen in ALLEN Großbuchstaben angezeigt.

Beispiel: die KAMERA SCHWENKT durch die Wüste.

Dies ist ein weiterer wackeliger Bereich. Ich benutze das Wort Kamera nicht, weil ich das Gefühl habe, dass es die Geschichte wegnimmt und ich nicht weiß, was die Kamera tun soll, ich bin kein Regisseur. Überlassen Sie die Kameraarbeit den Profis.,

Wenn Sie möchten, dass Wörter wie „Denver, Colorado“ auf dem Bildschirm angezeigt werden, geben Sie dies mit einem sogenannten SUPER an. SUPER ist die Abkürzung für überlagert.

Es erscheint als Aktion, nach links ausgerichtet, auf einer eigenen Linie und in ALLEN Großbuchstaben. Es kann auch unterstrichen werden, es auszurufen.

SUPER: Denver, Colorado,

Genau wie dieser auf das Skript „Disaster Artist“ —

Charakter

– Zeichen-Namen, wenn Sie sprechen, sind immer in Großbuchstaben, und Ihre Namen sollten in die Mitte der Seite.,

ADAM
Ich bin Adam und mein Name ist
zentriert in allen Kappen jedes Mal
Ich spreche.

Dialog

Dialog, sollte unter dem Namen des Zeichens zentriert erscheinen. Wenn Sie Screenwriting-Software verwenden, wird Ihr Dialog eng erscheinen, wie es oben tut, sonst müssen Sie es manuell anpassen, oder halten Sie es einfach unter dem Namen zentriert.

Dialog kann alles sein, was Sie wollen. Wenn Sie möchten, dass Ihre Charaktere über Kaffee und Zigaretten sprechen, lassen Sie sie verrückt werden., Quentin Tarantino sagte in einem Interview mit Charlie Rose: „Ich drücke die Charaktere in eine Richtung, aber wenn sie über etwas anderes sprechen wollen, während sie von Punkt A nach Punkt B gehen, lasse ich sie.“

Ich paraphrasiere natürlich, das ist kein wörtliches Zitat. Sein Punkt ist, lass die Charaktere sein, wer sie sind, lass sie dir sagen, worüber sie reden wollen. Wenn der Dialog die Geschichte vorwärts bewegt und / oder etwas über die sprechende Person enthüllt, dann ist alles gut.,

Erweiterungen

Gelegentlich, wenn Sie ein Drehbuch lesen, sehen Sie etwas, das nach dem Namen eines sprechenden Charakters als „Erweiterung“ bezeichnet wird.

Diese Erweiterungen helfen zu klären, wo das Zeichen in der Szene platziert wird, wenn sie nicht gesehen werden können; gelegentlich Erweiterungen zeigen an, ob etwas das Zeichen sagte Untertitel benötigt.

Hier sind alle Erweiterungen, die Sie sehen werden, ähnlich wie Übergänge, nicht alle werden verwendet. Eine Erweiterung sieht so aus: (V. O.) Die Paranthese sind die Erweiterung.

(O. S.) Diese Erweiterung steht für „Off Screen.,“Off Screen bedeutet, dass wir die Person sprechen hören können, aber sie nicht sehen können. Es ist wahrscheinlich, dass der Sprecher in der Nähe ist.

(O. C.) O. C. steht für „Off Kamera,“ die ist anders als Off Bildschirm. Off Camera bedeutet, dass sich die Person, die wir nicht sehen können, im selben Raum wie ein anderer Charakter befindet, mit dem sie spricht, aber nicht gesehen werden kann, da die Kamera möglicherweise nur für eine Person trainiert wird.

Wenn Adam also an einem Tisch sitzt und der Regisseur die Kamera aus nächster Nähe auf Adam hat, wird Adam den Bildschirm füllen. Wir können niemanden mehr sehen., Wenn Stacey also am anderen Ende des Tisches ist und ein Gespräch mit Adam führt, werden alle ihre Dialoge als (O. C.) gekennzeichnet, bis sie in die Aufnahme gebracht wurde, dh auf dem Bildschirm erscheint.

(V. O.) Dies steht für „Voice Over“, was bedeutet, dass wir die Person sprechen hören können, aber sie ist nicht in der Nähe und nicht auf dem Bildschirm. Voice Over wird hauptsächlich für die Erzählung verwendet. Verwenden Sie dies auch, wenn jemand mit einer Person am Telefon spricht.

Wenn der Schuss zwischen den beiden Gesprächen (dh Sie sehen beide Personen) am Telefon hin und her geschnitten wird, würden Sie nicht verwenden (V. O)., Wenn Sie nur Adam am Telefon sehen, aber hier Staceys Stimme, würden alle ihre Dialoge als (V. O.)

(UNTERTITEL) Untertitel erscheinen, um anzuzeigen, dass die Person in einer anderen Sprache spricht. Wenn Adam Japanisch spricht, aber Sie, der Schriftsteller, kein Japanisch können, würden Sie den Dialog auf Englisch schreiben und mit (UNTERTITEL) angeben, dass der Schauspieler in einer anderen Sprache spricht.

(FORTSETZUNG) Diese Erweiterung steht für eine FORTSETZUNG. Wenn Sie einen Charakter sprechen lassen, dann lassen Sie ihn eine Aktion ausführen und dann wieder sprechen, sein Dialog wird fortgesetzt, was kurz für FORTSETZUNG VON OBEN ist., Es sei denn, Sie haben eine Drehbuch-Software, die Eingaben (CONT ‚ D) automatisch, keine Sorge, es in setzen, jeder kann sehen, der Charakter wieder gesprochen hat.

Parenthetic

Die parenthetic, informell als „wryly“ bekannt ist ein nützliches, aber überstrapaziertes Werkzeug. Parentheticals erscheinen unter dem Namen des Charakters, der gerade spricht, und sie werden verwendet, um dem Leser oder Schauspieler zusätzliche Informationen darüber zu geben, wie die folgenden Zeilen gesprochen werden.,

Wenn Sie möchten, dass der Schauspieler die Wörter wütend oder sarkastisch spricht, würden Sie als solche in Klammern unter dem Namen des Charakters angeben. Sie können diese jederzeit verwenden, um anzuzeigen, ob der Charakter eine andere Sprache spricht.

ADAM
(auf Japanisch)
Danke.

Die Wörter in Klammern, „auf Japanisch“ sind die Klammern. Sie werden auf diese Weise verwendet, um anzuzeigen, dass Adam auf Japanisch spricht, aber der Dialog ist auf Englisch, weil wir die Erweiterung „Untertitel“ angehängt haben, wie oben erläutert.,

Wenn Sie Japanisch oder eine andere Sprache kennen und bestimmte Teile des Dialogs in diese Sprache eingeben möchten, werden Sie auf jeden Fall verrückt. Wenn Sie Japanisch sprechen und die Wörter nicht unbedingt untertitelt haben möchten, geben Sie den Dialog einfach so ein, als würden Sie Englisch eingeben.

ADAM
Arigato.

Sehen? Einfach wie … etwas, das einfach ist.

Shots

Shots sind ein weiterer nicht verwendeter Teil des Drehbuchs „Spec Script“. Sie werden verwendet, um Kamerabewegungen, Winkel usw. anzuzeigen., Wenn Sie den Film nicht selbst Regie führen und wissen, was Sie einsetzen und wie Sie Aufnahmen richtig verwenden, machen Sie sich nicht die Mühe, sich mit ihnen herumzuschlagen, es kann chaotisch werden.

Aber um der Anleitung willen, hier sind die üblichen Aufnahmen, auf die Sie stoßen werden. Sie erscheinen nach links ausgerichtet und sind in ALLEN Kappen.

VON OBEN NACH UNTEN-Wenn Sie von einem hohen Punkt zu einem niedrigen Punkt schießen, wie von der Spitze des Hauses auf den Boden, wo die Aktion stattfindet.

NAHAUFNAHME oder CU-Dies zeigt an, dass die Kamera wirklich eng und nah an einer Person ist, die für Gesichtsausdrücke verwendet wird.,

WIDE-Wenn Sie ein breites Array erfassen möchten, befinden sich möglicherweise zwei Zeichen an entgegengesetzten Enden eines Fußballfelds und Sie möchten, dass beide auf dieselbe Weise aufgenommen werden.

ANGLE ON-Während des Gesprächs würden Sie angeben, auf wen die Kamera gerichtet ist, normalerweise auf die sprechende Person.

Zusammenfassung der Skriptbildung

Das Schreiben des Skripts ist ein wichtiger Teil der Vorproduktion. Im Wesentlichen gibt es ohne ein solides Drehbuch keinen Film! Es ist wichtig, die Grundlagen des richtigen Drehbuchformats zu verstehen, damit jeder am Set vom Produzenten bis zur PA die Geschichte verstehen kann.,

Sie werden bald erfahren, dass all diese Regeln nicht in Stein gemeißelt sind. Sie werden einige Regeln ignorieren; einige werden Sie nie brechen. Während Sie Ihren eigenen Stil kreieren und entdecken, erfahren Sie, was sich für Ihren Drehbuchstil richtig anfühlt.

Halten Sie sich vorerst als Anfänger an die Regeln der richtigen Formatierung des Drehbuchs, und Sie werden auf dem Weg sein, den nächsten Hollywood-Blockbuster zu schreiben.